Crítica de “Critters 2” (Critters 2: the main course, Mick Garris, 1988)

 

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Título original: Critters 2: the main course / Año: 1988 / País: Estados Unidos / Duración: 93 minutos /Director: Mick Garris / Producción: Barry Opper, Robert Shaye, Daryl Kass / Productora: New Line Cinema / Distribución: New Line Cinema / Guion: Mick Garris, David Twohy  / Música: Nicholas Pike / Fotografía: Russell Carpenter / Montaje: Charles Bornstein / Diseño de producción: Philip Dean Foreman / Reparto: Terrence Mann,  Don Keith Opper,  Cynthia Garris,  Scott Grimes,  Al Stevenson, Tom Hodges,  Douglas Rowe,  Liane Alexandra Curtis,  Lindsay Parker,  Herta Ware, Sam Anderson,  Lin Shaye,  Barry Corbin,  Eddie Deezen,  Frank Birney / Presupuesto: 4.500.000$


Ya hace dos años desde la fatídica noche en la granja de los Brown. El pueblo de Grover’s Bend parece querer ignorar dicho suceso, el aparente asedio a sus vecinos por parte de una mortífera especie alienígena, y seguir con la rutina. Brad, el hijo pequeño de los Brown, vuelve a la pequeña localidad para pasar las vacaciones de Pascua con su abuela. Sin embargo, las criaturas que en el pasado atormentaron a su familia han vuelto y tienen más hambre que nunca.


Irremediablemente, para hablar de los Critters, esos alienígenas carnívoros que atemorizaron a una familia en un entorno rural del medio oeste de los Estados Unidos a mediados de la década de los ochenta, hay que mencionar a sus primos lejanos, más pudientes y solventes, que también hicieron de las suyas dos años antes en una pequeña localidad americana llamada Kingston Falls en festivas fechas navideñas, aparecidos en el film “Gremlins” (Íd, 1984) dirigido por Joe Dante. La primera colaboración entre el director de la divertida “Piraña” (Pirahna, 1978) y la aterradora “Aullidos” (The Howling, 1981) [1] y el “Rey Midas de Hollywood”, Steven Spielberg, tuvo tanto éxito que no sólo ha acabado en el imaginario colectivo, sino que se convirtió en la cuarta película más taquillera de aquel año 1984, con sus cerca de ciento cincuenta millones de recaudación. Además, fue imitada y explotada posteriormente por una serie de filmes de calidad más o menos discutible que, intentando seguir su estela de éxito económico, hicieron su particular agosto en las estanterías de los videoclubes de la época. Esta suerte de sub-género de “monstruitos hostiles“, conjugando siempre el homenaje de aquellas invasiones extraterrestres de la serie B de los cincuenta, un humor negro caminando por el filo de la navaja, la violencia explícita y el gore justos para disfrutar de una calificación por edades para mayores de 13 años, lo inauguraron los “Ghoulies” (Íd, Luca Bercovici,1985) de la “Empire Pictures” de Charles Band. A estas criaturas (cutres, pero con encanto) del averno, cuyo protagonismo era meramente testimonial en el desarrollo de su metraje, le siguieron los protagonistas de este artículo. Pero la cosa no quedó ahí, ya que más tarde aparecieron más versiones de saldo de las malvados alter-ego de los Mogwais puesto que, bajo la producción del mítico Roger Corman, conoceríamos a los “Munchies” (Íd, Tina Hirsh, 1987) y a los aún más patéticos bichos de la involuntaria comedia titulada “Hobgoblins” (Íd, Rick Sloane, 1988). Sin embargo, cabe destacar que solamente los Ghoulies y los Critters gozaron de las mieles del (relativo) éxito, la popularidad y el cariño de los aficionados además de unos resultados económicos lo suficientemente interesantes para sus respectivos responsables [2]. Ello dio pie a que incluso se adelantaran a los Gremlins de Joe Dante en aquello que la cinta de la “Amblin Entertainment”  no lograba llevar a buen puerto desde su estreno, es decir, la producción de una secuela [3].

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Así que, con unos resultados económicos francamente de notable alto o sobresaliente, no es de extrañar que tanto el polémico Charles Band quisiera exprimir al máximo el rédito conseguido con sus Ghoulies, como que el no menos controvertido fundador de la “New Line Cinema”, el productor Robert Shaye, diera luz verde a un nuevo proyecto de Critters intentando repetir una fórmula de éxito a imagen y semejanza de la saga de terror que comenzara con la seminal “Pesadilla en Elm Street” (A nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984) con la que, entrega a entrega, fuera enriqueciendo su modesta factoría de películas que tantos buenos ratos ha ofrecido a todo aficionado al género fantástico [4]. Solamente dos años después del estreno de la primera película [5], los krites volvían a la carga, no sólo más hambrientos que nunca, sino con más medios a su alcance. Tampoco es que contaran con un presupuesto de súper producción de Hollywood, pero los antaño exiguos dos millones de dólares de la primera entrega aumentaron hasta poco más del doble en el presupuesto destinado al nuevo filme. Ello daba la oportunidad a los míticos hermanos Chiodo (Stephen, Charles y Edward), padres conceptuales y artísticos de estas carismáticas criaturas devoradoras de carne (así como de los payasos asesinos del espacio exterior más famosos del cine de bajo presupuesto [6]), a poder construir más “puppets” y a perfeccionar sus “animatronics” con objeto de dar aquello que la gradería demandaba, es decir, a mostrar el máximo de Critters posible en pantalla y que quedaran lo suficientemente verosímiles (recordemos que la movilidad es estos bichejos en la cinta del ochenta y seis era prácticamente estática dando la sensación de ser simples marionetas de mano) y atractivos en pantalla. De hecho, a un servidor le parecen tan adorables que se llevaría uno a casa (reconociendo que en mi despacho tengo algunas réplicas y props de los mismos). Por otro lado, la historia demandaba un asedio a mayor escala que el precedente a la granja de los Brown. En esta ocasión, sería el pequeño pueblo de Grover’s Bend el que sería sitiado por dichas criaturas. Para ello, se construyó, desde cero, un set de rodaje, al más puro estilo de los decorados de un poblado del oeste (con su establecimiento de ultramarinos, su hamburguesería local, su escuela o su típica iglesia), reproduciendo a escala real esta ficticia localidad rural cercana a Kansas. Eso en lo que se refiere al diseño de producción. Para las labores de dirección, se contaría con los servicios de un director novel que provenía del mundo de la televisión y que venía de trabajar a las órdenes del mismísimo Steven Spielberg para su popular y mítica serie “Cuentos Asombrosos” (Amazing Stories, Steven Spielberg, Joshua Brand, John Falsey, 1985-1987), el californiano Mick Garris. Con lo que, si se buscaba el toque “Amblin“, ahí lo tenían. Destacar también que Garris, famoso también por sus posteriores adaptaciones de novelas de Stephen King (aquí mismo uno de sus personajes menciona a ese inolvidable San Bernardo llamado Cujo) o por la gran proeza de juntar a los “Grandes Maestros” del género en su serie “Masters of Horror“, se encargó también del guion de esta nueva entrega de Critters y que lo escribió al alimón con otro debutante, David Twohy. Futuro guionista de “Waterworld” (Íd, Kevin Reynolds, 1995), cinta de culto para muchos de nosotros, y principal responsable de la saga del popular Richard B. Riddick, que protagonizara el no menos famosos Vin Diesel, escribiendo y dirigiendo sus tres entregas (“Pitch Black” [Íd, 2000], “Las Crónicas de Riddick” [The Chronicles of Riddick, 2004] y “Riddick” [Íd, 2013]).

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En esta ocasión, la acción transcurrirá dos años después de la trágica y fatídica noche en la granja de los Brown. Ahora abandonada, nadie parece haberse percatado de la existencia de varias docenas de huevos de Critters (en realidad, eran chirimoyas decoradas) en su destartalado granero. Nadie, salvo Wesley, el típico outsider paleto y macarra de extrarradio, que decide ofrecérselos al dueño de una cutre tienda de antigüedades y objetos usados a cambio de unas latas de cerveza y unas revistas Playboy. A su vez, a este tipo huraño y sin escrúpulos no se le ocurre otra cosa que vendérselos a la parroquia local como “Huevos de Pascua“, ya que se encuentra próxima la festividad. Y ya para rizar el rizo, la encantadora ancianita que adquiere esos embriones de Krites no es otra que la dulce (y vegetariana) abuelita del joven Brad Brown, el menor de los hijos de la familia que sufriera el ataque de los Critters, que regresa a Grover’s Bend para pasar las vacaciones en el pueblo. Menuda casualidad, ¿no? A su vez, los cazarrecompensas espaciales Ug y Lee, acompañados por el antaño único amigo de Brad, Charlie, son avisados de que se dejaron el trabajo a medias la última vez que visitaron la Tierra y de que allí todavía hay constancia presencia Critter. De no exterminarlos, se quedarían sin sus preciados (como diría Ian Holme en “Alien, el octavo pasajero” [Alien, Ridley Scott, 1979]) emolumentos. Sentadas ya las bases del juego, Garris y compañía nos ofrecerán casi hora y media de aquello que funcionó en la primera película, pero que también -por cuestiones económicas- se quedó corto, es decir, más bichos, más cuota de pantalla para ellos, más bromas pesadas, algo más (pero poco) de gore, más acción y más tetas (concretamente aquellas, con una grapa como chascarrillo, de la fallecida ex-conejita Playboy, Roxanne Kernohan) convirtiendo “Critters 2” (Critters 2: the main course, Mick Garris, 1988) en una comedia de horror adolescente tan del gusto de la época. Da incluso la sensación de que aquí se intenta seguir más el tono y la senda de “Gremlins” (Íd, Joe Dante, 1984) que en la cinta precedente.  Allí solamente encontrábamos una escena donde estos malvados bichos se desmadraban haciendo unas cuantas travesuras en el cuarto del joven Brad (con el famoso momento de un Krite despedazando un peluche de E.T.), mientras que aquí hay variedad de secuencias en las que los peligrosos monstruitos atentan contra la propiedad privada, muerden ruedas de coche para hincharse como un globo, se electrocutan o siembran el pánico en un burger (una idea, por cierto, que para la cinta de Joe Dante se acabó descartando [7]). Todo ello para deleite y disfrute de la chavalada y para que los hermanos Chiodo pudieran dar rienda suelta a su creatividad, cuyo momento álgido es aquel en el que hace aparición una gigantesca y mortífera bola compuesta por decenas y decenas de Critters sembrando el pánico en las (cuatro) calles de Grover’s Bend.

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En lo referente al reparto, como podrá imaginar el lector tras nombrar a sus respectivos personajes, repiten algunos de los actores de la primera parte como el intérprete del verdadero protagonista de la historia, Scott Grimes, volviendo a poner cara a Brad Brown. El chaval ha dejado su pasado pirotécnico para convertirse en un adolescente modernete (su piercing en la oreja le daba ese toque de distinción en una época en la que no estábamos acostumbrados a tales accesorios) combinando blazer con vaqueros. Grimes, al que siempre he considerado una especie de copia de segunda de Michael J. Fox, fue también una cara televisiva infantil prodigándose en alguna sit-com y, el hecho de que en el doblaje en castellano de la película le ponga voz Jordin Pons (habitual voz del prota de “Regreso al Futuro” [Back to the Future, Robert Zemeckis, 1985]) refuerza incluso mucho más mi personal impresión. Amigo de Seth McFarlane, aparece junto a él en esa serie del creador de “Padre de Familia” (Family Guy, 2000-2017) que toma el testigo y recoge el espíritu de la franquicia Star Trek -más si cabe que su última encarnación, “Star Trek: Discovery” (Íd, Bryan Fuller, Alex Kurtzman, 2017-2019)- titulada “The Orville” (Íd, 2017-2019). Junto al rostro de Grimes, podremos volver a ver los de Terrence Mann (volviendo al rol de Lee, el cazarrecompensas espacial que tomó prestado el aspecto del ficticio cantante de rock Johnny Steele) y Don Opper, hermano del productor de la cinta Barry Opper, en el papel de Charlie, el antiguo borracho del pueblo reconvertido ahora en “Caza-Critters“, pero con las mismas dudas y problemas de autoconfianza de antaño. Ambos actores tienen el honor de aparecer en las cuatro entregas de las que se compone esta saga. Del resto del elenco podemos destacar también la presencia del televisivo Sam Anderson, de la hermana del productor Robert Shaye, Lynn Shaye, que participa de nuevo en la serie, o a la esposa de Mick Garris, Cynthia, acreditada como Zanti, el alcaide del asteroide prisión del que escaparon los Krites en “Critters” (Íd, Stephen Herek, 1986). Mención especial a la participación del cómico Eddie Deezen, famoso por sus papeles de nerd (siempre dio el físico, la verdad sea dicha) en comedias de los setenta y los ochenta apareciendo el títulos tan del conocimiento del gran público como “Grease” (Íd, Randal Kleiser, 1978) y su secuela, “1941” (Íd, Steven Spielberg, 1979), “Juegos de Guerra” (WarGames, John Badham, 1983) o el clásico de culto “El rayo destructor del planeta desconocido” (Laserblast, Michael Rae, 1978). En cuanto a los bichos, así como en su primera entrega, el actor Corey Burton, volvió a poner sus peculiares voces.

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En definitiva, la segunda entrega de la saga Critters es una auténtica gamberrada que ofrece al espectador más de lo que pudo experimentar en la cinta precedente. Como he anotado antes, hay más de todo. Y todo ello encaminado al “entretenimiento por el entretenimiento”. No nos equivoquemos, no es un film que podamos ensalzar por sus valores cinematográficos, pero sí que es un trabajo rodado a pulso y con un ritmo tan trepidante que la película se nos pasará en un suspiro. Es tremendamente entretenida y divertida, pese a perder (quizás a favor de poder ser exhibida a un público adolescente) el elemento de terror de su predecesora. Aunque, tampoco vamos a engañarnos, la primera película de los Krites tampoco era un título de terror propiamente dicho. Aquí parece que sus responsables se lo han pasado en grande confeccionando su relato. Garris y Twohy juegan con todo tipo de géneros y referentes en el que hay cabida para aquellas invasiones alienígenas combinadas con el cine de catástrofes de la sci-fi, la hiperviolencia y la superioridad armamentística (¿a nadie más le parecen fálicas las armas de los cazarrecompensas?) al más puro estilo “Aliens, el Regreso” (Aliens, James Cameron, 1986), al western o a los musicales de corte country con el incesante tema  -interpretado por la esposa de Garris- “Hungry Heifer“, repetitivo y pegadizo jingle de la cadena de hamburgueserías del mismo nombre (que desconozco si tiene algo que ver con la cadena de burgers Hungry Heifer a la cual era aficionado Norm, uno de los personajes más populares de la serie “Cheers” [Íd, 1982-1993]). Por otro lado, también se ironiza -de forma muy light para no herir demasiado sensibilidades- con temas como la identidad sexual (la indecisión de Ug respecto a ello) o el veganismo (la abuela de Brad es activista y odia a los carnívoros). Incluso hay tiempo para hacer auto-bombo y el personaje emblema de la compañía, Freddy Krueger, hace una breve aparición. “Critters 2” (Critters 2: the main course, Mick Garris, 1988) supone un magnífico debut para su director y la cota más alta de una saga que, con las dos entregas posteriores, decayó en demasía condenándose ella misma a un largo ostracismo del que muchos fans, incluido aquel que suscribe estas palabras, esperamos que salga. Por lo pronto, ya hemos podido ver el primer avance de la nueva serie, “Critters: A New Binge“, de inminente estreno y el canal “SyFy” hace tiempo que confirmó proyecto para una nueva película. Ganas tremendas de ver ambos proyectos tengo. En cuanto a la cinta que nos ocupa, junto con la anterior, forman un sensacional díptico con el que montarse una doble sesión “Grindhouse” para una tarde de sábado. Ojalá así lo viera alguno de los cines de mi ciudad porque yo pagaría por ello.

Un momento: La muerte del sheriff disfrazado Conejo de Pascua. Una forma genial de combinar horror y humor destruyendo un elemento totalmente infantil. Si los Gremlins se ensañaron con Papá Noel, los Critters no iban a ser menos y tienen también su propio icono popular que mancillar.

Un deseo: nuevas entregas donde los Krites sigan siendo marionetas y “animatronics

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[1] Pese a que no es tan espectacular como la transformación en tiempo real que Rick Baker confeccionó para “Un hombre lobo americano en Londres” (An American Werewolf in London, John Landis, 1981), la que Rob Bottin realizó para “Aullidos” (The Howling, Joe Dante, 1981) sigue siendo, a día de hoy, una de las cotas más altas al respecto.

[2] La primera entrega de los Critters consiguió convertir sus dos millones de dólares de presupuesto en 13 millones. Los Ghoulies de Charles Band fueron incluso más lejos, su escaso millón acabó cosechando unos beneficios de 35 millones de dólares.

[3] Tras el éxito de “Gremlins” (Íd, Joe Dante, 1984), la “Warner Bros” demandaba una inmediata secuela. Sin embargo, Dante no aceptó alegando que el rodaje del film lo dejó exhausto. La major buscó en vano otros directores y entre las ideas para la segunda película se tanteó la posibilidad de llevar a los Gremlins a Las Vegas o incluso al espacio.

[4] La saga “Pesadilla en Elm Street” confirió grandes alegrías y éxitos a la “New Line Cinema” y gracias a Freddy Krueger otros proyectos como la Trilogía de “El Señor de los Anillos” de Peter Jackson pudieron llevarse a cabo.

[5] Estreno en USA: 29/04/1988.  Estreno en España: 17/03/1989.

[6] “Payasos asesinos” o “Los payasos asesinos del espacio exterior” (Killer Klowns from Outer Space, Stephen Chiodo, 1988).

[7] Chris Columbus, guionista de “Gremlins” (Íd, Joe Dante, 1984), aseguró que sus primeras versiones del guion eran más oscuras y terroríficas que lo que finalmente pudimos ver en el cine. Las reescrituras del libreto eliminaron escenas en las que los traviesos bichejos mataban al perro de la familia Peltzer, decapitaban a la madre o sembraban el caos en un McDonalds.

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Maldita casa encantada (Artur Laperla)

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Titulo original: Maldita casa encantada / Guión: Artur Laperla / Dibujo: Artur Laperla / Portada: Artur Laperla / Formato: Rústica Páginas: 152 pags. / Editorial: Sapristi / Precio: 17,90€. / ISBN: 978-84-94785-28-3


Angélica acaba de mudarse al barrio. dando un paseo con su perro llamado Peluche acaba plantándose delante de la tétrica Mansión Bogardus de la cual se dice que está encantada. En un descuido, Peluche se escabulle y acaba en su interior. La joven Angélica tendrá que internarse en la casa para poder encontrarlo y nosotros, con nuestras decisiones, tendremos que ayudarla a que su misión acabe llegue a buen puerto.


Pondría la mano en el fuego al asegurar que cualquier jovenzuelo de pro de hoy día no tendría ni pajolera idea de lo que era un “libro-juego” hasta el momento en el que visionara el episodio/largometraje (si lo hizo) de la serie Black Mirror “Bandersnatch” (Black Mirror: Bandersnatch, David Slade, 2018). Para aquellos lectores que ya peinamos algunas (o muchas) canas, esos “libro-juegos”, con ese precioso slogan de “Elige tu propia aventura”, son parte intrínseca de nuestras infancias. Como muchos sabemos, esos libros nos implicaban en la trama, nos hacían parte fundamental de ella invitándonos a interaccionar, y no se leían de principio a fin, sino que nosotros, como auténticos protagonistas, elegíamos (o más bien decidíamos) nuestro destino o el de los personajes a nuestro cargo. Ello daba la oportunidad de leer y releer hasta la saciedad este tipo de libros con tal de saciar nuestra curiosidad y comprobar de primera mano todos los posibles desenlaces. Posiblemente muchos aficionados al “Rol” comenzasen por aquí. Su dinámica era muy sencilla: uno comenzaba a leer hasta que, en una página, se nos permitía tomar una decisión sencilla (sin tiradas de dados ni nada por el estilo, pese a que posteriormente habría algunos de ellos que dejaban paso al azar con su uso), y avanzar a la página indicada dependiendo de nuestra decisión. Normalmente eran tramas muy lineales. Un divertimento tan interactivo como pudieran permitirlo las letras y lo suficientemente entretenido para asegurar horas y días de diversión. Un ejercicio lúdico previo a las videoconsolas, un precedente a los videojuegos, con lo que los niños de los ochenta (el target de los mencionados productos, todo sea dicho) se las apañaban para pasar el rato.

Particularmente recuerdo haber tenido muchos de ellos. Los había muy variopintos, como los de la colección “La máquina del tiempo” (donde te convertías en un viajero espacio-temporal y recorrías momentos importantes de la historia), los libros de la franquicia Indiana Jones (en los que asumías el papel de su side-kick al más puro estilo Tapón, el niño oriental que encarnó Jonathan Ke Quan en “Indiana Jones y el Templo Maldito” [Indiana Jones and the Temple of Doom, Steven Spielberg, 1984]) o los que el sello “Forum” de Planeta DeAgostini (encargado de la publicación de los superhéroes de Marvel Comics) publicó con las aventuras interactivas de los personajes más icónicos de la Casa de las Ideas. Sin embargo, mis favoritos siempre fueron aquellos que rezaban “Aventura sin fin” en su portada y estaban enmarcadas dentro de la serie del famoso juego de “Rol” creado por Gary Gygax y Dave Arneson “Dungeons & Dragons”. Inmerso en un mundo de espada y brujería, entre sus páginas tenías la posibilidad de enfrentarte a sanguinarios vampiros, feroces licántropos o temibles dragones. Muchas veces, si tus decisiones no eran afortunadas, acababas muriendo de las formas más variopintas. Y siempre había diferentes finales, con lo cual era evidente que acababas repitiendo la experiencia para intentar descubrirlos todos. Como he anotado, un juego con muchas posibilidades y tiempo de juego no ilimitado, pero casi.

No es de extrañar que en los actuales tiempos en los que tenemos a nuestro alcance una gran cantidad de productos de diversa índole que apelan a la nostalgia (nostalgia, divino negocio), la editorial patria “Roca Editorial”, bajo su colección “Sapristi”, acabe de publicar un cómic con ese marcado espíritu ochentero de los libros de “Elige tu propia aventura”, pero adaptado al más atractivo (al menos para un servidor) mundo de las viñetas [1]. Su responsable, Artur Laperla, es uno de los autores nacionales a los que hace tiempo que le sigo la pista. Sus trabajos previos siempre han sido de mi agrado desde aquella, lejana ya, época en la “Línea Laberinto” de Planeta DeAgostini (en la cual se apostaba por nuevos valores del panorama comiquero del momento) con cómics como “Oropel” y “Cool Tokio”, junto a su inseparable colaborador Marcos Prior, que firmaba bajo el pseudónimo de Konsinski, dentro del colectivo autoral autodenominado como “Producciones Peligrosas”. Juntos, Prior y Laperla, firmaron varias historietas para la editorial “La Cúpula” como, los también muy recomendados, “Rosario y los inagotables” o “Raymond Camille”, tebeos poco convencionales, muy originales, garantes de un surrealismo inusual y con una forma de narrar tan original como personal. Ya en solitario, Artur Laperla publicó, no hace demasiado, con “Bang Ediciones”, un cómic de corte erótico divertidísimo titulado “Melvin. Super Sexy Roller” y recientemente el título que hoy nos toca: “Maldita casa encantada”.

El autor catalán nos ofrece aquí una aventura en la cual nosotros tendremos en nuestras manos el destino de Angélica, la joven protagonista del relato, que, con la intención de rescatar a su pequeño perro llamado Peluche, se internará en una tétrica mansión embrujada. No faltarán todos los tópicos del género que ya habremos visto en muchos títulos míticos del género de terror. Su relato se desarrollará en una trama simple y lineal que podrá desembocar en trece finales diferentes, dándonos pie a una adictiva rejugabilidad, En nuestras manos estará el descubrirlos todos. Angélica se tropezará con la típica pandilla de adolescentes de extrarradio, con zombies antropófagos, vampiros en un desván, sectas diabólicas, posesiones infernales o demonios primigenios lovecranianos. Atención también a ese chorrazo de sangre que puede recordar a uno de los grandes títulos de terror moderno, que también combinaba a la perfección el humor negro más cafre, dirigido por Sam Raimi y protagonizado por el grandísimo Bruce Campbell. Y es que los referentes son totalmente reconocibles. Y todo ello con el característico estilo de dibujo de su autor, muy vistoso y particular, resultado un tebeo muy simpático y entretenido. Pese al aparentemente aspecto infantil del cómic, no nos dejemos engañar por ello. “Maldita casa encantada” es un tebeo para adultos. Así que mantenedlo lejos del alcance de los más pequeños puesto que tras esa falsa apariencia naif, culpa de ello lo tiene en gran medida el simpático estilo de su autor, encontraremos auténtico terror siempre salpicado con pequeños toques de humor negro. Como es costumbre en su trabajo, Laperla demuestra un acertado uso del color y de la narrativa, que gran narrador me parece este hombre, en un cómic ligero, fácil de leer y con el entretenimiento como bandera. Si no lo tenéis, yo de vosotros le daría una oportunidad.  Por cierto, en su prólogo, su autor promete más entregas, concretamente dos más, que conformarán lo que denomina como La Trilogía Maldita y en la que se volverá a los mismos personajes presentados aquí en nuevos escenarios típicos del género. Ganas tengo de verlo, la verdad.

[1] El autor recupera el título “The Haunted House” escrito por R. A. Montgomery y publicado en nuestro país en 1984 por la editorial Timun Mas en su colección “Elige tu propia aventura“.

Alien. La historia ilustrada (Archie Goodwin, Walter Simonson)

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Titulo original: Alien / Guión: Archie Goodwin / Dibujo: Walter Simonson / Portada: Walter Simonson / Formato: Cartoné / Páginas: 66 pags. / Editorial: Diábolo Ediciones / Precio: 15,95€. / ISBN: 978-84-15153-69-6


De regreso a la Tierra, la nave comercial Nostromo interrumpe su viaje: el ordenador central, MADRE, detecta una misteriosa transmisión de una forma de vida desconocida procedente de un planeta cercano. Interpretada como un SOS, la tripulación se ve obligada a investigar su origen. Sin embargo, un incidente con una forma alienígena provocará el apresurado regreso de la expedición de rescate trayendo consigo a un mortífero ser que convertirá su viaje de vuelta en una pesadilla.


Sin duda alguna, “Alien, el Octavo Pasajero” (Alien, Ridley Scott, 1979) es uno de los indiscutibles clásicos del terror y de la ciencia ficción. Una genial reinterpretación de un cuento clásico de horror con un telón sci-fi de lo más evocador. La génesis del proyecto es (casi) por todos sabida: a principios de la década de los setenta, en la facultad de cine de la USC, la “University of Southern California”, unos jovenzuelos llamados Dan O’Bannon y John Carpenter se conocerían y comenzarían su colaboración en un cortometraje (al que luego convertirían en largo para poder estrenarlo en salas de cine) llamado “Dark Star” (Íd, John Carpenter, 1974). Los tibios resultados de la cinta (un simpático ejercicio de ciencia ficción de bajo presupuesto) más las discrepancias con quien años más tarde se convirtiera en uno de los realizadores de cine de “Serie B” más importante de todos los tiempos, llevó a que Dan O’Bannon intentara llevar a cabo en solitario esa historia como a él le hubiera gustado. Tras su periplo por Europa, donde fue reclutado como supervisor de efectos especiales por Alejandro Jodorowsky para su lisérgica y fallida adaptación del “Dune” de Frank Herbert, nuestro protagonista volvió a California totalmente arruinado y profundamente deprimido. Un amigo, Ronald Shushett, acabó por acogerle en su casa ofreciéndole un techo y un sofá en el que poder dormir. Shussett, guionista y productor de humilde categoría, tenía un sueño: acababa de adquirir los derechos del relato de Philip K. Dick “We Can Remember It for You Wholesale” (lo que luego conoceríamos como “Total Recall” o “Desafío Total”) para poder adaptarlo a una película. Era de esperar que tal empresa necesitara de un considerable dispendio económico con el que en aquel momento no contaba. Es por ello que hizo un trato con O’Bannon, primero intentarían llevar a cabo su proyecto (titulado en primera instancia como “Memory”, luego “Star Beast” y finalmente “Alien”), harían un buen dinero y lo invertirían en el proyecto de “Desafío Total” (sabemos, por la perspectiva que nos ofrece el tiempo, que esto ocurriría mucho tiempo después). El resto es historia del cine: O’Bannon y Shussett renunciarían a una oferta del mítico Roger Corman para aceptar la de la productora de Walter Hill, David Giler y Gordon Carroll (la Brandywine Productions), el guion se reescribió en varias ocasiones (siempre dejando la escena que impactó a los productores, es decir, aquella en la que el alienígena revienta el pecho de un pobre desgraciado para emerger de su interior), hubo grandes peleas y discrepancias por la autoría del mismo, se relegó a su creador (frustrando sus intenciones de dirigir el film) a un mero puesto de asesor, se elegiría a un por aquel entonces desconocido Ridley Scott como director de la cinta, O’Bannon consiguió traerse consigo a gran parte de la “troupe” que participó en el proyecto de “Dune” (entre ellos a un controvertido H. R. Giger, el definitivamente creador del aspecto del alien) o que la Fox, capitaneada por Alan Ladd Jr, finalmente dio luz verde al proyecto con intención de repetir el éxito de una cinta de ciencia ficción pulp que cambió la industria cinematográfica, es decir, “La Guerra de las Galaxias” (Star Wars, George Lucas, 1977).

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La película cuenta la historia de la tripulación de la nave Nostromo, un carguero espacial que se encuentra en pleno viaje de regreso a la Tierra. El viaje se verá interrumpido cuando se topan con una aterradora y peligrosa especie extraterrestre tras acudir en respuesta a una, en apariencia, llamada de socorro realizada desde un planeta desconocido. Uno tras otro, los tripulantes irán siendo víctimas de la terrible máquina de matar que han subido a bordo. “Alien, el Octavo Pasajero” recibió una gran acogida por la crítica y un gran éxito de taquilla, recibiendo un premio Óscar a los Mejores Efectos Especiales como recompensa. Su éxito no sólo encumbró a su director, Ridley Scott, sino que acabaría convirtiéndose en una popular saga cinematográfica (sobre todo tras el paso del genial James Cameron en su secuela, “Aliens, el Regreso” [Aliens, James Cameron, 1986]) Todo ello generó una franquicia de novelas, cómics, videojuegos y juguetes. Uno de esos productos es el cómic que nos ocupa, es decir, la adaptación al cómic de la película a cargo de dos pesos pesados del medio: Archie Goodwin y Walter Simonson. Goodwin es probablemente el mejor editor de cómics de la era moderna y uno de los grandes guionistas de cómics que la historia ha dado. Fue editor “Marvel Comics” en los setenta (salvándola de la ruina gracias a su adaptación de Star Wars) y artífice de los cómics de la Warren (Creepy, Eerie) entre otras muchas cosas que darían para mucho escribir y maravillarse. Walter Simonson tampoco necesita presentación. Gran guionista y dibujante de cómics reconocido principalmente por su trabajo en la serie Mighty Thor. Dibujante de trazo vigoroso y original, su estilo es diferente e inconfundible. Y, además, es un narrador colosal. Sus trabajos más reconocidos se sitúan en la Marvel de los 80 en series tales como, la ya mencionada, Mighty Thor, Los Cuatro Fantásticos o Factor X.

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El estreno de “Prometheus” (Íd, Ridley Scott, 2012) fue el detonante de una magnífica reedición de lujo total, de un mayor tamaño, tapa dura, papel excelente y con las páginas recoloreadas para la ocasión mejorando considerablemente la anterior edición, con más de 30 años de antigüedad. En nuestro país, fue Diábolo Ediciones la responsable de maravillarnos con esta joya. Para tal empresa, el texto del cómic está extraído directamente del doblaje castellano de la película, del que se rescataron diálogos completos de sus personajes. En lo que se refiere a su contenido, nos encontramos ante una adaptación muy fiel al original (salvo pequeños, pequeñísimos, detalles insignificantes), dibujada y narrada de forma magistral, espectacular, y que hará las delicias del aficionado. “Impactante” es la primera palabra que me viene a la cabeza para poder describirlo. El nivel de detalle es impresionante, así como la recreación de la atmósfera que ya nos ofreciera Ridley Scott en la gran pantalla. En definitiva, “Alien. La historia ilustrada” es una compra obligada para todos aquellos fans de los xenomorfos más famosos del Séptimo Arte, así como de aquellos que disfrutan del buen cómic en general y del arte de Walter Simonson en particular. Esta cuidada edición de Diábolo Ediciones es de una calidad extrema como pocas que podamos haber visto en nuestro panorama editorial. Recomendado queda.

Crítica de “Nosotros” (Us, Jordan Peele, 2019)

Us Movie 2019


Título original: Us / Año: 2019 / País: Estados Unidos / Duración: 116 minutos /Director: Jordan Peele / Producción: Jason Blum, Ian Cooper, Sean McKittrick, Jordan Peele / Productora: Blumhouse Productions, Monkeypaw Productions, QC Entertainment / Distribución: Universal Studios / Guion: Jordan Peele / Música: Michael Abels / Fotografía: Mike Gioulakis / Montaje: Nicholas Monsour / Diseño de producción: Ruth De Jong / Reparto: Lupita Nyong’o, Winston Duke, Elisabeth Moss, Tim Heidecker, Shahadi Wright Joseph, Evan Alex, Cali Sheldon, Noelle Sheldon, Alan Frazier / Presupuesto: 20.000.000$


Como cada año en época estival, la familia Wilson se instala en su residencia de veraneo en la soleada localidad californiana de Santa Cruz. Tras una tensa jornada en la playa junto a unos amigos, la familia descubre esa misma noche la silueta de cuatro figuras cogidas de la mano y en pie frente a la entrada de su casa. Para su sorpresa, descubrirán que sus visitantes no sólo tienen hostiles intenciones, sino que son una versión malvada de ellos mismos. 


ATENCIÓN A USUARIOS:

Esta crítica contiene “spoilers”. Si no has visto la película, te recomiendo que no la leas hasta haberlo hecho. El texto escrito a continuación responde a una opinión personal del autor sin ánimo de sentar cátedra.


“Existe una quinta dimensión más allá de las conocidas por el hombre. Una dimensión tan vasta como el espacio y tan eterna como el infinito. Es la zona intermedia entre la luz y la penumbra. Se encuentra entre el abismo de los temores del hombre y la cima de su conocimiento. Se trata de la dimensión de la imaginación. Un espacio que llamamos ‘La dimensión desconocida’” (Rod Serling)

Creada por el genial e inimitable Rod Serling, “The Twilight Zone” (traducida en nuestro país como “La Dimensión desconocida”) es uno de los principales referentes del género fantástico por antonomasia por el cual pasaron grandes de las letras como Richard Matheson o Charles Beaumont y directores de la talla de Richard Donner, Don Siegel o Christian Nyby entre muchísimos más profesionales. Su influencia es tan importante que muchos de los grandes realizadores del género han manifestado en multitud de ocasiones su gratitud a la misma (el grandísimo y mismísimo Steven Spielberg incluido) y que todavía se deja notar hoy día en muchísimos productos de corte fantástico y en el bagaje de sus creadores. Es por ello que me es fácil imaginar a un joven Jordan Peele pegado a la catódica pantalla de su televisor maravillado por la criatura televisiva de Serling. Quien dice Jordan Peele podría decir que a cualquier hijo de vecino debido a que la calidad de la serie es francamente indiscutible vista a día de hoy (cincuenta años después de su estreno). Sin embargo, la razón por la que nombro a Peele viene dada por su implicación en la producción ejecutiva del nuevo revival de la serie (donde hará también las veces de anfitrión narrador) de inminente aparición en la plataforma streamingCBS All Access” (1) y porque el antaño cómico y ganador de un Oscar de la Academia al “Mejor guion original” por “Déjame salir” (Get Out, 2017) ha creado su particular “micro universo” de clara inspiración en dicha serie con la película mencionada y con su último trabajo, “Nosotros” (Us, 2019). Convirtiéndose por ello en uno de los referentes del terror/thriller fantástico/psicológico a tener en cuenta del panorama cinematográfico actual. Muchas voces ya lo han clamado como el “Nuevo Kubrick” o el “Nuevo Hitchcock”. Etiquetas que sean tal vez exageradas o prematuras, pero que podrían llegar a confirmarse en cuanto que el joven realizador afroamericano, con solamente dos filmes en su haber, nos ofrezca más historias y mantenga el listón, en lo que a calidad se refiere, probado hasta el momento.

Proveniente del mundo de la comedia (junto a Keegan-Michael Key en el canal Comedy Central), Peele sorprendió a propios y a extraños con su “Ópera Prima”. Una historia que bien podría haber sido un capítulo de la mencionada serie de Rod Serling. Asociado para la ocasión con el popular productor Jason Blum, “Déjame salir” (Get Out, 2017) nos ponía en la piel de un joven afroamericano que acudía a conocer a sus suegros -blancos y de clase acomodada- durante un fin de semana. Lo que en apariencia parecía lo que muchos de nosotros hemos tenido que “padecer” alguna vez, es decir, conocer a los progenitores de nuestra pareja, aquí acababa inmerso en un total ambiente de pesadilla donde unos “Mad Doctors” realizaban una suerte trasplantes de conciencia, mediante una operación cerebral, a todo aquel o aquella que pudiera permitirse comprar un cuerpo joven y lozano como el del joven protagonista. Un giro en su argumento totalmente inesperado en una cinta que apuntaba más a la comedia con toques de terror o de thriller psicológico en un relato con cierto poso de crítica social y racial. Una cinta que partía de una premisa del tipo de “Adivina quién viene a cenar esta noche” (Guess Who’s Coming to Dinner, Stanley Kramer, 1967) y que acababa asimilando la subyacente “conspiranoia” de la ciencia ficción de los cincuenta, con una cinta tan importante para el género como “La invasión de los ladrones de cuerpos” (Invasion of the Body Snatchers, Don Siegel, 1956) -o de la novela de Robert Heinlein, Amos de títeres– en el punto de mira, por ejemplo. Todo ello con una espectacular puesta en escena, tomando elementos de aquí y de allí de otros importantes referentes tales como “El Resplandor” (The Shinning, Stanley Kubrick, 1980) o recursos técnicos como “widescreen” y el barrido lateral ya utilizados por John Carpenter en “La noche de Halloween” (Halloween, 1978) para generar desasosiego y terror. Muchos vieron también una crítica a la sociedad americana del “Trumpismo” y del racismo vigente en el seno de la sociedad del país de las Barras y Estrellas, algo que tampoco nunca ha desmentido su responsable, mientras que el resto que también apreciamos dicho mensaje descubrimos uno de los mejores títulos de terror de dicha temporada (al menos en la humilde opinión de aquel que suscribe estas palabras). Aupado por la prensa especializada, Jordan Peele se convertía en una de esas figuras a las que no había que perder de vista y es principalmente por ello que su nuevo trabajo, “Nosotros” (Us, 2019) se esperaba con gran expectación por parte de crítica y público.

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Toc, toc… Hemos llegado para quedarnos!

Si juntamos, por un lado, la lista de películas que el director puso como deberes a sus actores (2) -entre las que encontramos títulos tan estimulantes como “Los Pájaros” (Alfred Hitchcock’s The Birds, Alfred Hitchcock, 1963), “El Resplandor” (The Shinning, Stanley Kubrick, 1980), “Morir todavía” (Dead again, Kenneth Branagh, 1991), “El Sexto Sentido” (The Sixth Sense, M. Night Shyamalan, 1999), “Funny Games” (Íd, Michael Haneke, 1997), “Dos hermanas” (Janghwa, Hongryeon. A Tale of Two Sisters, Kim Jee-woon, 2003), “Martyrs” (Íd, Pascal Laugier, 2008), “Déjame entrar” (Let the Right One In, Tomas Alfredson, 2008), “Babadook” (Íd, Jennifer Kent, 2014) e “It Follows” (Íd, David Robert Mitchell, 2014)- y, por el otro, su sugerente premisa -una familia de clase media afroamericana que es asediada una noche en su casa de veraneo por una versión malvada de ellos mismos- es fácil dejar volar nuestra imaginación y que nuestras expectativas como espectadores esperen, como mínimo, un ejercicio de tensión implacable donde el suspense y los giros en su guion sean capaces de tenernos pegados a la butaca de la sala comercial de turno en la cual visionemos la película. Ante tales referencias, uno puede esperar que el nuevo trabajo del director de “Déjame salir” (Get Out, 2017) sea una cinta capaz de crear una atmósfera terrorífica enrareciendo incluso el más cotidiano de los entornos. Ya en los sesenta el Maestro Hitchcock, con esa obra maestra del Séptimo arte titulada “Psicosis” (Psycho, 1960), fue capaz de abandonar el antaño imperante “goticismo” sobrenatural de aquellos castillos encantados habitados por fantasmas y vampiros del cine de terror de la época para mostrarnos que el horror podía encontrarse a pie de calle, allí donde menos lo podíamos esperar, es decir, en el interior de nuestros propios vecinos de modales afables. Cualquiera podía albergar el mal y en este caso concreto se manifestaba en la perturbada mente del jovencísimo Norman Bates. Jordan Peele va un paso más allá estableciendo la propia amenaza en nosotros mismos (incluso uno de los protagonistas llega a pronunciarlo) apelando a esa dualidad benigna/malvada inherente en todo ser humano. Un peligro del que no podremos escapar y a lo que bien alude el profetizador versículo “Jeremías 11:11” (3) que aparece en reiteradas ocasiones a lo largo del metraje. Aunque también es cierto que esta es una cinta cargada de simbolismos y ese “Us” del título (que nosotros al traducirlo al castellano perdemos) también puede interpretarse como acrónimo de “United States” a tenor de la respuesta de la líder de los asaltantes con un “We´re americans” cuando se le pregunta quiénes son (¿podría interpretarse como una denuncia a aquellos que votaron a Donald Trump sin manifestarlo abiertamente y que conviven con aquellos que no lo hicieron y sienten total repulsa por su presidente y por lo que representa?). De hecho, a sabiendas de que el director que nos ocupa no esconde sus intenciones de dejar cierto poso crítico en sus obras, su película posee distintas capas y/o lecturas en las que se intenta deliberadamente concienciarnos de la brecha social y de la lucha de clases mostrando sutilmente las diferencias entre aquellos que están arriba disfrutando de ciertos privilegios y los menos favorecidos que están abajo, como sombras, viviendo de los restos, de las migajas, de los anteriores.

La verdad es que el máximo responsable de la cinta no inventa nada nuevo y nos muestra su reinterpretación, a su peculiar manera, de elementos del terror de los setenta y los ochenta con una magnífica puesta en escena e intentando jugar todo el rato al despiste. Trampeando en todo momento para ello al más puro estilo del coetáneo M. Night Shyamalan. Cierto es que muchos de sus giros argumentales, incluido el final, se ven venir de lejos y se puede poner un “gran pero” a ese exceso de información al tratar de explicar al Gran público, de explicarnos con pelos y señales, como encajan todas las piezas de su intrincado rompecabezas. Sin embargo, gracias al ritmo de un montaje totalmente trepidante y en el cual se hila y se balancea perfectamente el horror y la comedia (para aliviar tensiones), Peele consigue mantenernos expectantes a la pantalla. Incluso el diegético uso de un soundtrack, elegido a conciencia, ayuda a que el envoltorio de su película sea un envoltorio cuidado con mucho cariño. El score de Michael Abels, sencillamente espectacular, con piezas totalmente inquietantes incluidas. Por supuesto no todo es bueno ni funciona al 100%, pero tiene mérito que no logre sacarnos de la trama ya que está tan bien hilado en una cinta que comienza como una “home invasión” de manual, que luego sigue por los derroteros de un “modo slasher” de violencia exacerbada sazonada con toques de humor negro y que para finalizar acaba decantándose por una historia de invasiones a mayor escala (al más puro estilo de “La invasión de los ultracuerpos” [The Body Snatchers, Philip Kaufman, 1978] o “The Crazies” [Íd, George A. Romero, 1973]) donde una raza de “dobles intraterrestres” tienen como meta acabar con sus contrapartes de la superficie -entendemos que americana- y revelarse al mundo cogidos de la mano formando una gran cadena de costa a costa de los Estados Unidos para acabar de una vez por todas con nuestro modo de vida que, contradictoriamente, ellos mismos ansían.

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Abandonados a su suerte en unas vastas instalaciones subterráneas bajo un parque de atracciones (el mismo que, según propias palabras del director, aparecía en el clásico ochentero “Jóvenes Ocultos” [The Lost boys, Joel Schumacher, 1987]), estos doppelgängers (termino de origen alemán que se utilizar para definir el doble fantasmagórico o sosias malvado de una persona viva) parecen ser el resultado de un fallido experimento realizado quizás por el gobierno estadounidense, siempre en permanente conspiración. En un primer momento nos muestran multitud de conejos blancos en jaulas, preliminares sujetos de dicha experimentación con la clonación, para después mostrarnos a los autodenominados “Ligados”, esos dobles que sólo conocen la maldad inherente en ese ser humano del que ellos son sólo copias vacías, cascarones sin espíritu, y que podríamos ver como una perfecta alegoría de las diferencias entre las clases más ricas y poderosas (los de arriba) y aquellos mucho menos pudientes (los de abajo). Poco se sabe de las razones por las cuales sus responsables lo consideraron un fracaso y los condenaron a vivir como una sombra, como un espejismo de la realidad de la gente de arriba. Pero en un momento dado, la aparentemente doble malvada de Adelaide, la madre de nuestra familia protagonista, menciona la imposibilidad de replicar el alma. Lo cual me lleva a pensar, teniendo en cuenta las declaraciones de Peele al afirmar que sus dos filmes están conectados en su peculiar universo (dimensión desconocida) particular, que puede que estos clones fueran una fase temprana de la experimentación con el trasvase de conciencia que vimos en “Déjame salir” (Get Out, 2017) por parte de la familia Armitage.

Por otra parte, es de agradecer la intención del director afroamericano de crear un nuevo tipo de monstruo en un mundo, tanto el real como el de la ficción, en el que todos los monstruos parecen estar inventados. En una primera instancia podríamos decir que los monstruos son ellos, pero al final (tras la última -y, por qué no decirlo, previsible revelación) no nos queda más remedio que admitir que los monstruos, como reza el título del filme, somos nosotros. Peele quiere hacernos trampa al respecto y provocar que nuestras cabecitas reflexionen sobre ello cuando salgamos de la sala de cine. Ese magistral prólogo en el que se nos relata el primer encuentro de la joven Adelaide con su doble malvado que engañosamente nos intentan colar como una experiencia traumática para la niña, acaba desvelándose como la usurpación de la identidad de la niña por parte de su doppelgänger. Éste, envidioso de la amable existencia de los de arriba, logra mantener a raya su vil naturaleza encontrando el amor en la superficie, mientras que la auténtica Adelaide se ve forzada a coexistir en un mundo de pesadilla con una especie incapaz de apreciar la vida. Solamente cuando su contrapartida logra superar su condición de “ligado” -a través del arte, en este caso el ballet-, la joven cautiva en el mundo subterráneo logra alzar la voz y erigirse en líder de tan peculiar colectivo dando razón de ser al popular dicho que dice que “el tuerto es el rey en el país de los ciegos”. Para la elaboración de su plan toma aquello que conocía de su antiguo hogar y que formaba parte de su usurpada realidad, es decir, la campaña solidaria “Hands across America” -cuya intención era la de crear una macrocadena humana de gente dándose la mano para mostrar la unión de todo el país de costa a costa- que vio de pequeña en la televisión, las tijeras con las que recortó aquellos muñequitos de papel unidos por las extremidades y las peculiares vestimentas rojas y los guantes que…¿Podríamos decir, al ver que la niña era fan de Michael Jackson, intentaban emular a su ídolo que vestía de forma similar color en el videoclip del tema Thriller? En el momento de la confrontación final, además de las ansias de venganza de mueven a la Adelaide de abajo, ambas mujeres ansían lo mismo: la vida en la superficie. Aquella que convivió con los “ligados” desea fervientemente volver a la realidad de la que se le privó y aquella que usurpó su identidad no tiene intención de abandonarla ya que allí pudo disfrutar del libre albedrío y formar una familia. Sin embargo, ¿quién es el monstruo?  ¿Ellos? ¿Nosotros? Difícil respuesta, ¿no?

 

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Sin duda, esta dualidad entre las gentes de la superficie y los “ligados” no sería creíble de no ser por el gran trabajo de la mayor parte del reparto, encabezado por una soberbia Lupita Nyong’o que, como el resto de sus compañeros, ha de realizar la doble labor actoral de encarnar a sus antagonistas versiones.  La joven actriz, a la que pudimos ver en títulos como “Black Panther” (Íd, Ryan Coogler, 2018) y fuera oscarizada por su papel en “12 años de esclavitud” (12 Years a Slave, Steve McQueen, 2013), realiza una formidable labor poniendo piel a una protectora madre que lucha por la supervivencia de su familia, por un lado, a la vez que logra que las ansias de venganza de su otro papel consigan estremecernos. Merecedora sin duda alguna de cualquier distinción que premie/recompense su actuación y de todos los elogios puesto que ella sobresale de entre el resto de sus compañeros. Estos le van a la zaga realizando un trabajo igualmente notable tanto como familia Wilson “de la superficie” como su contrapartida subterránea. Wiston Duke, como Gabe Winston, es probable el más cargante de sus componentes ya que se le usa como alivio cómico en la mayor parte de sus intervenciones (incluso su pelea con su doble malvado sigue los tropos de la comedia). Bobalicón, simple y ansioso por mejorar su estatus social, Gabe se pondrá como meta el poder igualarse a su amigo/conocido/compañero de trabajo Josh Tyler (interpretado por el actor Tim Heidecker). Personaje que representa, junto a su familia (retratada con total patetismo), a la “white trash” americana más acomodada. Muchos han querido ver en la familia Tyler un componente de denuncia, pero, en mi humilde opinión, están tan llevados al extremo, tan satirizados, que se me hace difícil tomarlos en serio. Sin embargo, sus contrapartidas malvadas son totalmente escalofriantes. El asalto a su domicilio llegó a recordarme al cómic creado por el escritor irlandés Garth Ennis, para la Editorial Avatar, “Crossed” (una historia donde la humanidad cae a merced de una plaga que convierte a las gentes normales en sanguinarias y depravadas criaturas que dan rienda suelta sus más bajos instintos).

Pero, como he comentado antes, no todo es bueno en la nueva cinta de Jordan Peele. “Nosotros” (Us, 2019) ensalza a su responsable como un gran director y creador de suspense, pero, por otro lado, su faceta como narrador se ve entorpecida por esa insistencia -no sabría decir si voluntaria o no- de querer explicarlo todo para que nosotros como espectadores lo podamos entender. Particularmente, preferiría rellenar los huecos por mí mismo, pero es probable que al “gran público” no. De hecho, y aunque las comparaciones son odiosas, la crítica está dividida entre aquellos que ensalzan este trabajo y aquellos que señalar que no le ha quedado tan redondo como su predecesor. De todas formas, Peele es un gran técnico que cuida hasta el último detalle, pese a demostrar ciertas carencias en las escenas de acción, por ejemplo, donde no sobresale demasiado. Pero es capaz de disimularlo jugando con el fuera de plano o cortando abruptamente muchas de sus secuencias. Yo me posiciono entre aquellos que le consideran un prodigio del suspense y espero con ansia su remake de la popular serie de Rod Serling así como nuevos proyectos y trabajos cinematográficos. Demostrado queda su bagaje y no esconde sus referentes. El metraje está lleno de guiños y/u homenajes (una de mis escenas favoritas es la de la playa, sólo falta ahí del dolly zoom utilizado por Spielberg para hacer aún más evidente el homenaje a “Tiburón” [Jaws, 1975]) que harán las delicias del aficionado al género. Si este es el nivel, si este es el grado de satisfacción, larga vida a Jordan Peele.

Un momento: durante el asalto a la residencia de los Tyler, el chascarrillo con el tema “Fuck the police” de NWA es, a mi juicio, una gran ocurrencia. Sin duda levantó multitudinarias risas en la sala. Al ver la película en versión original, me asaltó la curiosidad. ¿Cómo resolverían el chiste en la versión doblada? Sin duda, un “Hodor” en toda regla.

Una pregunta: Cómo interpretáis la mirada cómplice de madre e hijo del final? Si te apetece compartir tu teoría, puede dejarla en los comentarios.

 

  1. Fecha de estreno anunciada para el 11 de abril de 2019.
  2. La actriz protagonista, Lupita Nyong’o, confirmó la nutrida (y recomendable) lista  a “Entertainment Weekley”. Más detalles aquí.
  3. “Por tanto, así dijo el SEÑOR: He aquí, yo traigo sobre ellos mal del cual no podrán salir; y clamarán a mí, y no los oiré”. (Jeremías 11:11)

VideoClub Weird: Critters (Íd, Stephen Herek, 1986)

Hoy hemos bajado al vídeo club y nos hemos alquilado todo un clásico: Critters!

Echadle un ojo al vídeo que os hablamos un ratejo de estos bichejos tan cachondos!

Y tened cuidado porque MUERDEN!!!

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