Marvel SUPERHEROES, el álbum de cromos de Panini

Ya lo tenemos el álbum de cromos de Panini de los Súper Héroes Marvel y como nos enrolla!!!

Echadle un ojo al vídeo donde os enseñamos cómo es la nueva colección de cromos de Panini!

 

 

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Déjame Entrar (nueva campaña Youfeelm en marcha)

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Suecia, 1982.

Oskar arrastra sus pies. Está solo. Pasea por el patio del bloque donde vive. Hace frío. La noche se cierne en los suburbios de Estocolmo. Se oyen sus pisadas en la nieve, su respiración preocupada, sus miedos y pensamientos de niño atormentado.

De repente, a su lado, su nueva vecina, una niña de sangre fría y colmillo afilado que le acompañará en sus miedos.

Ellos, Eli y Oskar, revolucionan el género de terror con tantas dosis de poesía como de terror.

Delicada, tierna, gélida y asombrosa, ‘Déjame entrar’ es elegancia pura.

 

Proyección de ‘Déjame entrar’ el próximo jueves 24 de agosto a as 21:50h, pero solamente si llegamos al 100% de la campaña en Youfeelm En caso contrario, no podremos realizarla. 

No paséis calor en casa y venid a disfrutar de esta historia tan especial.

Tenéis hasta el 15 de agosto para comprar la entrada en Youfeelm (en el caso de no llegar a cubrir el cupo mínimo, no temáis porque no se hará ningún cargo en vuestras tarjetas de crédito).

http://www.youfeelm.com/titulo/dejame-entrar-cineciutat-palma-de-mallorca

 

Ferris Bueller, el Espectacular Hombre Araña (mi opinión de Spiderman: Homecoming)

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SPOILERS MÍNIMOS

Hemos tenido que esperar largo tiempo, pero finalmente nuestra paciencia ha sido recompensada: Spiderman comparte el mismo universo cinematográfico que Los Vengadores. El acuerdo de custodia compartida entre Sony y Marvel Studios ya nos puso los dientes largos con la aparición del trepamuros en Capitán América Civil War y el anuncio de película en solitario no se hizo esperar. A partir de hoy podemos ver en las salas comerciales de nuestro país el nuevo (y esperemos definitivo) intento de trasladar las aventuras del amistoso y vecino Hombre Araña a la gran pantalla. Hoy se estrena Spiderman: Homecoming.

La tarea de encarnar a Peter Parker recae en el jovencísimo Tom Holland (Lo Imposible). En este caso no hablamos que actores rondando la treintena haciéndose pasar por adolescentes o jóvenes universitarios, sino de un auténtico teenager haciendo de teenager. Si a los problemas de la adolescencia le sumamos los poderes arácnidos… Menuda edad el pavo más difícil, ¿no?

Es de agradecer que no nos vuelvan a contar de nuevo la misma historia, es decir, que no tengamos que ver como la araña pica a Peter o como muere su tío Ben dejando al joven héroe con el peso de sentirse responsable del fallecimiento de éste. La película nos mete de lleno en la vida de un inexperto Spiderman que intenta encontrar su lugar, ayudar a los demás y probar a Tony Stark que es merecedor de un puesto en el grupo de héroes más poderoso de la Tierra. ¿La Liga de la Justicia? No, los Vengadores.

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Como hemos señalado, el joven Peter es joven. Es un adolescente. Va al instituto, tiene un colega tan nerd como él, una vida social y pública que deja mucho que desear y una tía sobre protectora interpretada por la muy atractiva Marisa Tomei. El tono de la peli es el de comedia juvenil con un humor blanco muy efectivo, aunque a veces pueda resultar cargante. El target de la cinta está muy claro: la chavalada.

La vida de Parker discurre entre su vida académica y su vida como súper héroe. En la primera conoceremos a todo un plantel de secundarios que parecen sacados (al menos en lo formal) de cualquiera de los films ochenteros de John Hughes como El Club de los Cinco o Todo en un día. Jon Watts, el director, incluso clona una escena del film de Ferris Bueller (que además incluye en un televisor). En la segunda somos testigos de cómo Spidey tiene buenas intenciones, pero (cual Kick Ass, pero con menos mala leche) no siempre resuelve las situaciones sin poner en peligro al prójimo. Con la consiguiente desaprobación de su mentor, Tony Stark.

En cuanto al personaje en sí, si eres un purista que sigue las aventuras del arácnido desde el principio de los tiempos (o desde hace tiempo) aquí no vas a encontrar a tu héroe urbano de toda la vida sino a una nueva interpretación del mismo. Nuevo traje con nuevos gadgets e incluso una IA incorporada. En esencia sigue siendo Spiderman, pero adaptado a los nuevos tiempos (cosa que particularmente no me desagrada). Aquí no hay lugar para J.J. Jameson y el Daily Bugle. No veremos al trepamuros balancearse entre rascacielos. Ni siquiera nos mostrarán los típicos problemas de pasta que han caracterizado al personaje. Sin embargo, aunque nadie menciona el famoso mantra “todo gran poder conlleva una gran responsabilidad”, sí que nos encontramos ante un Peter Parker incapaz de dejar de lado ese sentimiento y capaz de sacrificar lo que quiere para detener los planes de los malvados.

Y si el protagonista es una nueva y renovada versión del personaje de toda la vida, el malo de la función no se queda atrás. Michael Keaton encarna a Adrian Toomes, más conocido por el fandom como el Buitre. A diferencia de los cómics, aquí es el dueño de una empresa dedicaba a la recogida y retirada de escombros (concretamente los producidos en la batalla de los Vengadores contra los Chitauri en Nueva York) que cesa su actividad cuando Control de Daños la releva a la fuerza de su actividad. Ahí es cuando Toomes, currito y emprendedor (y con un sentido de la responsabilidad muy marcado hacia sus trabajadores y familia) toma la decisión de “tomar prestada” la tecnología proveniente de la chatarra recogida por Control de Daños de las mil y una batallas de los Héroes más poderosos de la Tierra (los Vengadores, sí) para crear sus propias armas y cachivaches con los que inundar el mercado negro.

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El personaje del Buitre comienza de una forma encomiable. Sus razones y motivaciones son creíbles. De hecho, es fácil identificarse con él. Está claro que luego la avaricia le hace perder el norte.  Su puesta en escena es poco más que espectacular. Sin embargo, y pese al gran trabajo de Keaton, el personaje se va desinflando hasta convertirse en un remedo de Norman Osborn (a.k.a. el Duende Verde) con un punto de inflexión, en la segunda parte del film, que resulta incluso pueril a mi parecer. Personalmente me gusta que se rodee de versiones (algo más callejeras) de villanos de Spiderman como el Shocker, el Chapucero o el Escorpión.

Pero no temas si eres pureta porque hay pequeños destellos y situaciones que nos recordarán al Spidey más clásico como la escena en la que Peter, sepultado bajo toneladas de escombros, se encuentra a sí mismo y se da cuenta de que sólo él puede detener al Buitre. Por otro lado, si eres lector del personaje y lo vienes siguiendo regularmente notarás que se ha fusionado al personaje clásico con las versiones más modernas del trepamuros, es decir, con el Peter Parker adulto, millonario y dueño de su propia empresa de tecnología (Parker Industries) y con Miles Morales, el chavalín que sustituyó al Peter Parker del antiguo Universo Ultimate. Y de este último incluso se han traído a su colega nerd, aquí llamado Ned.

Algo a resaltar y que me parece positivo, después de todo el trabajo de cohesión del universo Marvel cinematográfico de estos últimos años (que, en ese sentido, me recuerda al de los cómics de las primeras décadas de la editorial), es la naturalidad con la que otros personajes de este mundillo de ficción puedan aparecer en pantalla. Me refiero, por un lado, a Happy Hogan (encargado de supervisar al chicho, aunque pase un poco de él) y, por el otro, de Tony Stark. Vistos los trailers daba la sensación que nos podríamos encontrar con otra entrega de Iron Man y no con una película del Hombre Araña, pero lo cierto es que las apariciones del Hombre de Hierro (con y sin armadura) están totalmente justificadas en la historia. Algo muy de agradecer.

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Como viene siendo habitual, la aparición del ya popular cameo de Stan Lee es marca registrada de la casa. Y si sois aficionados al cine de súper héroes de la Marvel, ya sabéis que hay dos escenas post-créditos. No te vayas de la sala antes de verlas.

En resumidas cuentas, nos encontramos ante una muy digna cinta de entretenimiento para que disfrutemos en la butaca del cine con nuestras palomitas y refresco. Mucha acción, mucho humor y un Spidey que ayuda a las ancianitas a cruzar la calle con los Ramones a toda mecha de fondo. ¿Es una película digna para un icono de la cultura pop como Spiderman? Ni idea. ¿Es un título trascendental dentro del Universo Marvel cinematográfico? Yo diría que no. Es un producto más en la línea de Ant-Man o el Doctor Extraño. Es probable que en el futuro el amigo Peter pueda desempeñar un papel más importante dentro del status quo marvelita, pero ahora mismo es un chavalín que se está descubriendo a sí mismo y desarrollándose como súper héroe sólo por el mero y divertido hecho de poder serlo. ¿Es mejor que las anteriores versiones? A mi no me lo parece, pero tampoco creo que haya que comparar. Tanto las películas de Raimi como las de Webb venían a adaptar al Spidey clásico. Personalmente me encanta la segunda entrega de Raimi y siempre he pensado que Tobey Maguire era un perfecto Peter Parker y que el trepamuros de Andrew Garfield se movía como el auténtico Spiderman. Tom Holland es un nuevo trepamuros que poco tiene que ver con los anteriores. Y además demuestra y transmite un grandísimo entusiasmo al interpretar al personaje que me enrolla mucho. ¿Tenemos ganas de más aventuras de este renovado Hombre Araña? Yo (y pese a que no es el trepamuros con el que crecí) tengo muchísimas.

Animaos e id a ver la peli. ¡Ya me contaréis!

Weird Shots: Palmarés

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El palmarés de la Primera Edición de #WeirdShots queda de la siguiente manera:

Ganador: THEY WILL ALL DIE IN SPACE de JAVIER CHILLÓN (España)

Segundo Clasificado: L’ENCENEDOR QUÀNTIC de PAU ESCRIBANO VALLS (España)

Tercer Clasificado: NADA S.A. de CAYE CASAS & ALBERT PINTÓ (España)

Enhorabuena a los autores. Vuestro trabajo es estupendo.

Estupendos también son el resto de cortos finalistas. Muchas gracias por haber participado a todos en nuestro humilde certamen.

Mil gracias!

Weird Shots: lista de cortos seleccionados

cartel-weirdshotsAnunciamos oficialmente la lista de cortos seleccionados para la Primera Edición de #WeirdShots, el certamen de cortometrajes de Weird Sci-Fi Show.

Primero de todo, queremos dar las gracias a todo aquel que nos ha enviado su cortometraje (casi unos 400 cortos hemos recibido) y que sepan que la selección ha sido dura. También queremos agradecer vuestra paciencia porque este certamen llega con una año de retraso debido a causas ajenas a nuestra voluntad. Muchas gracias de todo corazón.

Los cortos seleccionados que serán proyectados el próximo 2 de febrero en el Cine Rívoli de Palma de Mallorca son:

L’ENCENEDOR QUÀNTIC de PAU ESCRIBANO VALLS (España)

NADA S.A. de CAYE CASAS & ALBERT PINTÓ (España)

THEY WILL ALL DIE IN SPACE de JAVIER CHILLÓN (España)

ALCACHOFAS PIRAÑA DEL ABISMO PREHISTÓRICO de JAVIER LOZANO (España)

INTERIOR. FAMÍLIA. De GERARD QUINTO & DAVID TORRAS (España)

THALION LTD. de DIEGO ARJONA (España)

RESTART de OLGA OSORIO (España)

BENDITO MACHINE V – PULL THE TRIGGER de JOSSIE MALIS (España)

C.T.R.L de MARIANA CONDE (Reino Unido)

THE STOMACH de BEN STEINER (Reino Unido)

GOLCONDA  de MANUEL MARIA ALMEREYDA PERRONE (Francia)

ORIPEAUX de SONIA GERBEAUD & MATHIAS DE PANAFIEU (Francia)

FRANK ET STAN de BALMER FRED (Francia)

THE BLACK BEAR de MÉRYL FORTUNAT-ROSSI & XAVIER SERON (Bélgica/Francia)

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Dentro del Laberinto, la #WeirdSession

“Ojalá vinieran los goblins y se te llevaran ahora mismo!”

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Cuesta creer que el legado cinematográfico de Jim Henson, ahora convertido en objeto de culto, fuera en su momento un estrepitoso fracaso comercial y alejara al creador de los Teleñecos y Barrio Sésamo del mundillo del cine agotando también su delicada salud. Tanto Cristal Oscuro (1982) como Dentro del Laberinto (1986) son dos rara avis del panorama mainstream ochentero, pero que el formato doméstico y el siempre fiable dependiente del vídeo club las puso en su lugar y en el corazoncito de sus legiones de fans.

Dentro del Laberinto venía precedida por Cristal Oscuro, una peculiar cinta a la que el paso de los años le ha sentado de maravilla y que tiene una particularidad: todos los personajes son marionetas. Colaborando con Henson estaba su buen amigo Frank Oz (para más señas, la persona tras la voz y la “vida” del Maestro Yoda), quien para el nuevo proyecto se trajo consigo nada más y nada menos que al mismísimo George Lucas que haría las veces de asesor y productor ejecutivo (de “prestigio” me atrevería a añadir).

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Dentro del Laberinto pretendía dar un paso más respecto a Cristal Oscuro. Pese a que estaba pensada en un inicio a estar también interpretada por muppets, se quiso que éstos interactuaran con actores de verdad. Para ello contaron con una jovencísima y preciosa Jennifer Connelly (tras desechar a Helena Bohan Carter) y a una importante figura del pop/rock: el mismísimo Duque Blanco, el gran David Bowie.

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La idea de la película partía de una de las ilustraciones del artista conceptual Brian Froud, que también trabajara en Cristal Oscuro. Este dibujo mostraba a un niño, Toby Froud (hijo del ilustrador), rodeado de muchísimos duendes. La cosa no se quedó ahí, sino que Froud realizó un sin fin de diseños que ayudaron al ex-Monty Python Terry Jones a conformar el primer esbozo de guión de la nueva película. Un libreto que, por diversas razones, fue reescrito varias veces sobre todo por la incapacidad de los medios de la época para trasladarlo de forma coherente y digna a la pantalla.

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La historia de Dentro del Laberinto nos cuenta como Sarah, una pre-adolescente egoísta y  ensimismada con su propio mundo de fantasía, se embarca en la búsqueda de su pequeño hermanastro secuestrado por Jareth, el Rey de los Goblins. Lo que en un principio parece una historia de aventuras se acabará convirtiendo en una suerte de fábula con moraleja final: hacerse mayor implica tomar decisiones y cómo sobrevaloramos nuestras pertenencias materiales cuando lo verdaderamente importante es estar a gusto con nosotros mismos y con nuestros seres queridos. Para mostrárnoslo, Henson no esconde sus influencias. De hecho, en el cuarto de Sarah vemos ejemplares de El Mago de Oz, de Alicia en el País de las Maravillas e incluso uno de Donde Viven los Monstruos de Maurice Sendak, a quien Henson menciona en los agradecimientos finales.

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Acompañando a Sarah en su viaje encontraremos a personajes variopintos que con sus carencias y sus virtudes complementaran a la joven. El primer compañero será Hoggle. Huraño, perdedor y cobarde, pero con pequeños destellos de héroe refleja la influencia más clara de El Mago de Oz: Hoggle carece de valor y de auto-estima hasta que su encuentro con Sarah le enseña a valorarse y quererse a sí mismo. Dentro del disfraz de Hoggle había una chica de pequeña estatura y su máscara tenía hasta dieciocho motores que se controlaban por control remoto. Visto actualmente, más de uno se queda boquiabierto ante tal prodigio. Eco del guión original de Terry Jones es sin duda alguna Sir Didymus, un pequeño perro caballero andante, reflejo de la caballería clásica. Galante, refinado y valiente en exceso es incluso un insensato. Siempre acompañado por su fiel corcel Ambrosius. Y cerrando el grupo encontraríamos a Ludo, una especie de Chewbacca bestial pero dulce y tímido a la vez.

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Para interpretar a Jareth, el Rey de los Goblins se pensó en una estrella de la música pop/rock del momento aunque en un principio Jareth iba a ser una marioneta más. Se pensó en Sting y en Michael Jackson, pero finalmente el papel recaería en David Bowie. Un Bowie que está genial en su rol y que se entusiasmó e implicó tanto en el proyecto que, además de componer cinco temas para la banda sonora, incluso costeó dos de los vídeo clips promocionales de la película. Es probable que algunos recuerden sus tacones, sus mallas y su pelazo como una representación del aspecto más hortera de los ochenta, pero es sin duda su estética la que caló hondo en el personaje y siga treinta años después recordado y querido por los fans. Y si hablamos de las canciones, quién no se lanza a bailar en cuanto escucha el Magic Dance?

Hablamos de un film de 1986 y en aquel momento lo que ahora conocemos como CGI estaba dando sus primeros pasitos. Un año después del primer efecto realizado enteramente por ordenador, es decir, el caballero de la vidriera de (un también clásico incomprendido e infravalorado en su momento) El Secreto de la Pirámide (1985), veríamos en los títulos de crédito de Dentro del Laberinto una lechuza hecha por ordenador. El resto de los efectos de la peli son totalmente artesanales. De hecho, esta cinta es una de las cimas en lo que se refiere al uso de muppets, disfraces y animatrónica. Un ejemplo de ellos es una de las escenas más representativas del film: la escena del Magic Dance. Una escena pensada en inicio para veinte marionetistas (entre los cuales se encontraba Brian Henson, hijo de Jim Henson) y que acabaría con cincuenta profesionales realizando un verdadero prodigio visual. En muchos sentidos, es un producto muy cuidado y ese aire de cuento de hadas le confiere un toque de atemporalidad que la hace disfrutable 100% hoy día.

Es por ello que nos llena de orgullo poder incorporar este clásico título a nuestro ciclo de Weird Sessions. El próximo 29 de diciembre a las 20:30h podremos revivir las aventuras de Sarah, Hoggle, Didymus, Ludo y todos los goblins en el cine con más solera de Palma de Mallorca, es decir, en el Cine Rívoli. Volvemos a colaborar con la buena gente de Youfeelm para poder ofreceros otro gran clásico de esa mágica década de los Ochenta. Y esperamos llenar la sala como de costumbre para que el evento sea toda una fiesta. O no es así como se disfruta más de una película?

Dentro del Laberinto el próximo jueves 29 de diciembre a las 20:30h en el Cine Rívoli. Y por sólo cinco euros! Podéis adquirir vuestras localidades en la web de Youfeelm, es decir, aquí.

#WeirdSession de La Princesa Prometida a la vista!!!

brideNo estamos seguros de si se fueron alguna vez, pero los ochenta han vuelto y vienen para quedarse. La música, la moda o la televisión con productos como la magnífica serie Stranger Things (la sensación de este verano) certifican tal afirmación. Hace ya un tiempo que Nacho Cerdà y su Phenomena Experience (tanto con sus puntuales eventos en Madrid y Barcelona o con su maravilloso Templo del Séptimo Arte que se encuentra en la Ciudad Condal) resucitaron en nuestro país este revival ochentero con sus grandes pases dobles y triples de blockbusters que llenaron las estanterías de los videoclubes. En nuestra pequeña ciudad, Palma de Mallorca, y a un nivel mucho más humilde, los chicos de Weird Sci-Fi Show (esa comunidad de fans del cine fantástico, terror y serie b que mamaron en su infancia y adolescencia, es decir, nosotros) nos han ofrecido agradables veladas nostálgicas en el (también maravilloso) Cine Rívoli. Películas como Regreso al Futuro, la Cosa de John Carpeter, los Goonies o La Historia Interminable han pasado recientemente por la increíble (y recién renovada) Sala Uno de ese pedacito de nuestra historia local que es dicho cine.

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El próximo jueves 20 de octubre Weird Sci-Fi Show (en colaboración con la plataforma de cine bajo demanda Youfeelm) vuelve a la carga y nos trae al Rívoli una de esas cintas que forman parte de la memoria colectiva de todo aquel o aquella que creciera en la mágica década de los ochenta. Nos referimos a La Princesa Prometida de Rob Reiner (realizador de otros títulos enormes, interesantes y muy recomendables como la emotiva Cuenta Conmigo o Cuando Harry encontró a Sally).

princess-bride-prepare-to-die-poster-t-shirt-lFracaso de taquilla en su momento, el paso del tiempo y el formato doméstico han convertido la historia de amor entre Buttercup (la bellísima Robin Wright) y Westley (Cary Elwes) en una película de culto muy querida por sus fans. No en vano, frases como ese “me llamo Íñigo Montoya. Tú mataste a mi padre. Prepárate a morir” pronunciadas por (el ahora televisivo) Mandy Patinkin siguen provocando sonrisas, protagonizando memes o estampando camisetas.

Película que combina el cine de aventuras tradicional con la fantasía más enternecedora es una cinta ideal para el público de todas las edades. Amor, piratas y magníficos duelos de espadachines coreografiados por Bob Anderson, responsable también de los combates en El Señor de los Anillos y Star Wars. Banda sonora firmada por Mark Knopfler (su tema Storybook Love estuvo nominado en 1988 en la categoría de Mejor Canción Original en los Oscar). Un plantel de actores estupendo donde podemos encontrar, además de a los citados anteriormente, a Chris Sarandon, Peter Falk, Fred Savage, Billy Cristal o al (ya fallecido) famoso luchador de wrestling André, el gigante. Muchas razones hay para revisitar este clásico en pantalla grande.

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Solamente habrá un único pase. No dejéis escapar la oportunidad de disfrutar de esta gran historia en la renovada Sala Uno del Cine Rívoli con esas butacas de última generación, tan bonitas como cómodas, el próximo jueves 20 de octubre a las 20:30h. Las entradas están a disposición de todo aquel que esté interesado en la web de la plataforma Youfeelm por sólo CINCO EUROS

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Recordad además que con vuestra entrada tenéis tres horas gratis de parking y que previamente a la proyección haremos el sorteo de varios premios!!!

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Charlas Palma 80’s Café: Gremlins (1984) de Joe Dante

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Cuando un servidor se para a pensar en Gremlins de Joe Dante la primera palabra que le viene a la cabeza es (¿cómo no?) nostalgia. Nostalgia por la fiesta que suponía ir al cine un sábado por la tarde acompañados mi hermano y yo por mi padre. La magia que nos envolvía en la sala sentados frente a una gran pantalla (posiblemente existían televisores de más 50 pulgadas, pero no los teníamos en el salón de casa) con una película de la que, con suerte, sabíamos poco.

Decir que Gremlins es un referente del cine comercial de los ochenta es quedarse corto a mi parecer. Gremlins es un icono, es cultura pop. Está tan enraizada en nuestra memoria colectiva que incluso actualmente se siguen haciendo promos o anuncios con estos bichejos (o su contrapartida benigna) como protagonistas.

14264802_1851499025071024_3136530773916413181_nAdemás de blockbuster de cabecera, la película del director de Piraña o Aullidos (tan buenas como recomendables, como siempre desde el punto de vista de aquel que suscribe estas palabras) es una de las cintas más representativas de la productora Amblin o, lo que es lo mismo, de la faceta como productor del Rey Midas del cine comercial: Steven Spielberg. Éste siempre acompañado por otras dos grandes figuras del showbiz como son Frank Marshall y Kathleen Kennedy.

Y por otro lado, Gremlins es una película inclasificable donde las haya, ¿cierto? ¿Es una comedia? ¿Es una película de aventuras? ¿Es un film de terror? ¿Es para niños? Es muy probable que el encanto que tiene la cinta se deba a ello y a su toque de atemporal fábula macabra, como aquellos cuentos tradicionales que nos llegaron con formas más suaves pero que en origen eran mucho más heavys.

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Pero como todo en este mundo, la entrañable y, a la vez, truculenta historia de cómo la pequeña localidad de Kingston Falls se ve asediada por el envite de una horda de pequeños y, por qué no decirlo, cabroncetes bichejos tiene un origen. Ahí se encuentra un tal Chris Columbus que para las fechas no era más que un aspirante muy lejos de la fama que alcanzaría posteriormente. Gremlins es un guión, un libreto de prueba cuya inspiración se encontraba en el ruidito que los roedores que cohabitaban con Columbus en su casa producían por las noches, que iba dejando de despacho en despacho hasta que éste lo encontró Spielberg buscando ideas para hacer un peli serie B con invasión extraterrestre incluida.

Aunque sus responsables lo desmentieran alguna vez, éstos Gremlins vienen de mucho más atrás. Al menos, hay otros Gremlins que aparecieron mucho antes que los de Dante y me refiero a aquellos que los pilotos de la Royal AirForce veían en las alas de sus cazas de combate durante la Guerra Mundial y a los que achacaban todos los fallos de sus aparatos. Algo así comenta el Sr. Futterman (ese inolvidable y carismático Dick Miller) en una de las escenas de la película, ¿no? El joven aviador y escritor llamado Roald Dahl (autor de, entre otras muchas y recomendables cosas, Matilda o Charlie y la fábrica de chocolate) recibió por aquel entonces el encargo de escribir un libro (para su posterior adaptación cinematográfica por parte de Disney) sobre estas criaturas. Proyecto que desestimó el estudio del ratón más famoso de la historia (con el permiso del Ratoncito Pérez) y que acabó en forma de cortos de animación de la Warner. Pero eso es otra historia para otro rato.

Lo que sí podemos añadir para acabar este inciso es que esta historia de criaturas de que sabotean aviones en pleno vuelo fue fuente de inspiración para Richard Matheson a la hora de escribir uno de los mejores episodios de la serie Twilight Zone de Rod Serling titulado Pesadilla a 20.000 pies dirigido por Richard Donner y protagonizado por William Shatner. Episodio del que se rodó una nueva versión en el homenaje que (también) Spielberg y John Landis realizaron en la primera mitad de los ochenta con esa película (ahora considerada como maldita) llamada aquí En los Límites de la Realidad (The Twilight Zone, the movie). Una película que recopilaba cuatro historias, tres adaptaciones de capítulos de la serie original más el inédito de Landis, y que cerraba la nueva versión de Pesadilla a 20.000 pies dirigida por George Miller (Mad Max) y protagonizada por un excelente John Lithgow. En ese proyecto también participó el que sería director de la peli que nos ocupa, Joe Dante, con It’s a Good Life. Segmento en el que vemos muchas de las características propias de este genial y particular director.

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Joe Dante, director formado y curtido en la factoría de Roger Corman. No sólo un técnico sino un auténtico cinéfilo, forma parte de esa generación de directores criados frente a un televisor en la década de los cincuenta. La caja tonta, fuente de toda la serie b del momento, de los cortos de animación de la Warner, de historias de alienígenas, de invasiones de insectos gigantes,… De todo aquello que nos enrolla y que al pequeño Joe también y que ha sabido reflejar perfectamente en toda su filmografía.

A Dante hoy le llamaríamos amigablemente “friki” porque en sus pelis podemos ver muchísimas referencias y guiños a toda esa cultura popular con la que creció y que ya hemos comentado. Como cinéfilo que es, vemos en muchas ocasiones a sus personajes disfrutando de la experiencia del cine ya sea en una tele o en una sala (de hecho, gran parte de su Matiné transcurre en un cine). Incluso alguna vez sus personajes o la trama rompen la cuarta pared y se interpelan miradas hacia el espectador, es decir, hacia nosotros. A pesar de ser muy versátil, encuentra en el fantástico un género que le va como un guante y plasma todo ese gusto que tiene por el cartoon, el humor negro y el slapstick. Pero si hay una constante en el cine de Dante, algo que podemos ver en todas y cada una de sus películas, es la participación de Dick Miller y, en menor medida, Robert Picardo. Dos de sus actores fetiche.

Aunque se dice que la primera opción para sentarse en la silla de director fue un jovencísimo Tim Burton, Spielberg pensó que el director (hasta el momento) del interesante corto Vincent estaba todavía muy verde y se decantó por Dante. De hecho, éste pensó que se trataba de una broma cuando le llegó el guión. No sólo eso, sino que se sintió en un apuro cuando tuvo que entrevistarse con el director de E.T. porque su primera peli era un exploit descarado de Tiburón. Spielberg no sólo le dijo que era fan de su Piraña y de su Aullidos (cartas de presentación del joven Dante) sino que eran magníficas películas.

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La pre-producción de Gremlins se alargó, lo que propició a Dante poder participar junto a su amigo John Landis en el proyecto de En los límites de la Realidad. Y lo que, en un principio, era una película serie B homenaje a todas aquellas películas de invasiones alienígenas de los años cincuenta se fue disparando de presupuesto. Razón por la cual se fue suavizando hasta convertirse en lo que todos vimos en cines. Cuanta más gente entre al cine a verla, más dinero se recuperará del proyecto, debió pensar ese joven Spielberg metido en la piel de un productor. Pese a la edulcoración del guión, la cinta lo pasó mal con la calificación para espectadores sacándose de la manga el director de Tiburón una nueva, la PG13, debido a que su Indiana Jones y el Templo Maldito adolecía de los mismo síntomas, es decir, era demasiado heavy para ser amable y demasiado amable para ser heavy. Ambas cintas inauguraron dicha calificación ese verano de 1984.

Pese a que la fama y el protagonismo se lo llevaron las criatura creadas por un grande de los efectos especiales llamado Chris Wallas, existe un casting. Un reparto del que hoy casi nadie se acuerda porque tanto los Mogwais como los Gremlins se lo comieron todo. Tampoco las carreras de Zach Galligan o Phoebe Cates pudieron levantar el vuelo muy lejos de estas criaturas. Lo cierto es que desde un principio se optó por un casting desconocido. Galligan interpretaría a Billy Peltzer, un joven responsable y anónimo de una pequeña comunidad americana (el típico “pringao”) cuya existencia la trastoca la irrupción de algo fantástico. ¿Cuántas veces hemos visto algo así en películas no sólo de la Amblin sino de la década de los ochenta? Dicen que se disputó el papel con Emilio Estévez y Judd Nelson, pero que la química que desprendía con su partenair, Phoebe Cates, hizo que tanto Spielberg como el estudio se decantaran por la elección de ambos. Aunque hay que decir que la elección de Cates (que por otro lado está adorable en todo el metraje) fue más polémica por la participación de ésta en comedias subidas de tono tipo Porky’s, famosas por esos inocentes e inocuos desnudos.

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Otra cara, más conocida, que podemos ver en Gremlins es la de Corey Feldman, el futuro Bocazas de los Goonies y todo un icono de los ochenta, en un pequeño y entrañable papel. Hoyt Axton como Randall Peltzer, inventor amateur cuyos inventos rara vez funcionaban bien. Sufriendo y testeando todo el catálogo de productos Peltzer tenemos a Frances Lee McCain como Lynn Peltzer que sólo un año después la volveríamos a ver como abuela de Marty McFly en Regreso al Futuro. Pero sin duda, siempre que pienso en Gremlins me acuerdo del Sr. Wing (no nombrado en toda la peli por su nombre) interpretado por Keye Luke (el Maestro del Pequeño Saltamontes más famoso de la tele y de su templo Shao Ling) y, por supuesto, del Sr. Futterman interpretado por el carismático Dick Miller y que convierte a su personaje en uno de los más queridos y divertidos de la peli.

Hemos mencionado antes a Chris Wallas (Humanoides del Abismo, En busca del Arca Perdida o La Mosca, por los cuales ganó un Óscar de la Academia) como responsable de los efectos especiales, del diseño de los Mogwais y Gremlins y responsable de que todos esos muppets y animatronics sean capaces de transmitir una sensación de realidad que no ha envejecido nada mal y que coloca a Gremlins como una de las cimas de los efectos artesanales (al menos en la opinión del que esto suscribe). Sin embargo, la idea primigenia de Spielberg era la de utilizar monos, monos tití, maquillados. Por supuesto, la práctica de la idea se fue al traste. A servidor le hace gracia que el Steven productor cayera (supongo que llevado por la idea de ahorro en el presupuesto de un proyecto que se disparaba de precio) en el mismo error en el que cayeron Zanuck y Brown cuando quisieron que el escualo protagonista de esa Obra Maestra llamada Tiburón (Jaws) fuera un tiburón amaestrado y no un tiburón mecánico.  El hombre es el único animal capaz de tropezar dos o tres veces con la misma piedra o incluso morir en el intento.

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¿Y qué decir de la música? Lo que fue una imposición en En los límites de la Realidad acabó siendo una de las más fructíferas relaciones profesionales y es que Jerry Goldsmith ha trabajado con Dante en muchos de sus filmes posteriores. Para la ocasión tiene un tema principal muy potente, su Gremlins Rag, pero también hay cabida para melodías más entrañables y emotivas como las que Gizmo tararea o el score final, por ejemplo.

Con motivo del treinta aniversario de la película, la revista Empire reunió a parte del equipo para una entrevista y otros medios plantaron su atención ante este clásico que cumplía una respetable edad. Tengo entendido que Columbus hizo una entrevista en la que hablaba de la nueva entrega/reboot/remake de Gremlins y se quejó de cómo su guión fue transformado. El guión original (que un servidor sepa) no ha salido nunca a la luz, pero sí una séptima reescritura del mismo que posee todavía esa mala leche y características de película de terror que tanto la Warner, Dante y Spielberg suavizaron para que la cinta llegara a más público que el aficionado al horror.

Uno de los cambios más significativos que sufrió el guión fue el de separar a Gizmo y a Stripe en dos personajes diferentes puesto que, en origen, eran el mismo. La idea era que el público se encariñara con Gizmo para que luego se transformara en Stripe traumatizando a más de un espectador. Se dice que Spielberg se negó en rotundo. Como también se negó a la muerte de este Gizmo/Stripe convirtiéndose en mariposa. ¿Qué narices debía tener, con todos mis respetos, Chris Columbus en la cabeza cuando pensó algo así? Otros cambios significativos tienen que ver con el tono y con la muerte de personajes. Por ejemplo, el Profesor Hanson (interpretado por Glynn Turman, a quien pudimos ver también en Super 8 de J. J. Abrams) moría con agujas clavadas en los ojos por el Gremlin al que pinchó antes para sacarle sangre. Los Futterman, a diferencia de la versión final, morían aplastados lentamente por la excavadora (esa Kentucky Harvester que nunca falla). Un grupo de Gremlins aparecería en un McDonnalds (aunque podemos ver un Burger King en la bucólica localidad de Kingston Falls) y se comerían a los clientes. Barney, el perro de Billy, también moría (¿pero Chris, no sabes que en las pelis de Spielberg los animales no mueren?). Y lo más fuerte está por llegar, Lynn Peltzer (esa aguerrida ama de casa que se cepilla a tres bichos en la cocina de su casa) moría decapitada y su cabeza se la lanzaban a Billy nada más llegar a casa. Estoy convencido que más de uno o una pagaría por ver una versión así.

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Otros cambios en la película los podemos ver en toda esa subtrama homenaje a la figura de Frank Capra que, aunque no aporta mucho a la historia, contribuye a hacer un poco más creíble el pueblo y sus gentes. A imagen y semejanza que en Qué bello es vivir (que aparece en un pequeño televisor de la cocina de los Peltzer), en Gremlins hay una pequeña historia de especulación inmobiliaria por parte del banco local y de la Sra. Deagle (que nos podría recordar al malvado Sr. Potter que tanto le hizo la vida imposible a George Bailey de la cinta de Capra). El nombre de Kingston Falls ya nos evoca al Bedford Falls de Capra. Tomaría un poco más protagonismo el personaje de Gerald, interpretado por otra cara conocida de los 80 como es Judge Reinhold (el detective Rosewood de la también famosa SúperDetective en Hollywood), que sería la voz de ese macabro relato que finalmente protagonizó Phoebe Cates acerca de lo peor que le pasó en su vida y que ocurrió en Navidad: la muerte de su padre. Por cierto, el estudio no quería esta escena pero Dante, con la ayuda de Spielberg, logró meterla en el montaje final. Otros homenajes un poco más rebuscados a Capra que podemos encontrar son la proyección de Hemo, the magnifient (1957) en el colegio o el retrato de Edward Arnold en la mesa de la Sra. Deagle.

Y si hablamos de homenajes y guiños, hay muchos más. Nada más empezar la película vemos el logo antiguo de la Warner que Dante pidió expresamente. Y cuando vemos por primera vez Kingston Falls hay un cartel enorme publicitando al programa de radio más popular del pueblo, el de Rock’n Ricky Rialto con la tipografía y caricaturizado como Indiana Jones. Otros easter eggs relacionados con el mundo Amblin son las referencias a E.T., un peluche y un “teléfono, mi casa” aparecen por ahí. Incluso Spielberg no pudo resistirse a hacer un cameo en la convención de inventores (aparece en una especie de bicicleta). Esa convención tiene miga porque también aparecen Jerry Goldsmith, Robbie el Robot de Planeta Prohibido y la máquina del tiempo de El tiempo en sus manos que, además, desaparece para el asombro de los allí presentes. Cameos como los de Chuck Jones y Kenneth Tobey y otras referencias mucho más directas como la película Indianapolis, La invasión de los ladrones de cuerpos (con las vainas abriéndose justo antes de ver lo mismo con los capullos donde los mogwais sufren su metamorfosis en gremlins), la inclusión del primer film de animación Blancanieves o esa motosierra amarilla con la que Stripe ataca a Billy.  Además, en el cuarto de Billy vemos cómics y pósters de películas y serie como (¿otra vez?) The Twilight Zone. Como curiosidad, aunque parezca un pueblo de verdad Kingston Falls es un set de los estudios Universal llamado CourtHouse Square donde se rodó el episodio piloto de la ya mencionada Twilight Zone y Regreso al Futuro, es decir, Kingston Falls es Hill Valley. Lamentablemente se quemó en 2008 y sólo queda el edificio del ayuntamiento.

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Es evidente que, si estamos escribiendo de la película más de treinta años después de su estreno, Gremlins fue todo un éxito de taquilla. No sólo eso sino que muchos de nosotros nos quedamos estupefactos con ella. ¿Quién no quiso tener a un Mogwai como mascota? De sus once millones de dólares de presupuesto se generaron unos ciento cincuenta millones llegando a ser la cuarta película más taquillera del 84. Un año muy prolífico en lo que a grandes pelis se refiere porque fue el año de Cazafantasmas (ambas se estrenaron el mismo fin de semana de junio de 1984), Súper Detective en Hollywood, Foot Loose, Karate Kid, Indiana Jones y el Templo Maldito, Terminator, La historia interminable,… Lo dicho, una buena cosecha.

El pasado viernes 16 de septiembre y dentro de nuestro ciclo de charlas nostálgicas de pelis en la cafetería más retro de Palma de Mallorca, Palma 80’s Café, dedicamos más de hora y media para charlar de esta cinta que todavía nos fascina. Como todas las charlas que venimos haciendo desde 2014 en el Ochentas, éstas son charlas de fan a fan. Dirigida y conducida por José Manuel Sarabia (creador, director y administrador de Weird Sci-Fi Show y autor de estas palabras), se comentaron detalles, curiosidades, anécdotas y escenas de la peli además del tradicional concurso de preguntas y sorteos de premios cedidos para la ocasión por El Món d’en Kaito Videojocs y Oyachu Creations. Os dejamos un video extracto de la charla:

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Os esperamos en próximas citas!!!

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Marshal Law: Miedo y Asco

“Marshal Law todavía es mi cómic favorito de todos los tiempos”

(Mark Millar)

marshal LawActualmente es normal encontrar en el mercado obras irreverentes, atrevidas y provocadoras que hacen uso de la exageración como vehículo conductor de sus historias y cuyos máximos exponentes son autores como Mark Millar o Garth Ennis entre muchos otros (además de sus imitadores). Éstos son cómics donde se hace mofa de cualquier género (principalmente del de los tipos superpoderosos en pijama)  en un intento de reinventar (o darle otra vuelta de tuerca a) la fórmula y conseguir un súper-ventas. Hace treinta años era difícil encontrarnos en dicha tesitura y es en ese marco donde nació Marshal Law.

Marshal Law fue creado por el guionista Pat Mills y el dibujante Kevin O’Neill en 1.987 y publicado bajo el sello Epic de Marvel. De esta forma se permitía a los autores mantener los derechos de los personajes. Pat Mills (Slaine) es un veterano guionista de origen británico curtido en el mundo del cómic en el seno de la revista 2000 AD, una publicación que él mismo crearía. Bajo el manto de la mismísima 2000 AD, el dibujante Kevin O’Neill (The League of Extraordinary Gentlemen) sorprendería al fandom con su peculiar, grotesco y delirante grafismo.

Interior_marshal_law_miedo_y_asco_4En un futuro no muy lejano, la gran urbe californiana de San Futuro (anteriormente San Francisco), metrópoli  que nació de las cenizas del siempre temido gran terremoto de la falla de San Andrés, acoge la vuelta de los llamados súper-héroes tras finalizar el conflicto bélico en el Canal de Panamá, un lugar llamado La Zona donde hombres genéticamente alterados en laboratorios clandestinos lucharon en nombre de los Estados Unidos de América. Estos metahumanos, carentes de todo sentido del honor y la justicia,  escupen en el respeto por la vida del prójimo. Son demasiados perros rabiosos que se organizan y se dedican a matar, a robar y a violar a todo aquel que consideren indigno de aparecer en su campo visual. Sin embargo, no todos los veteranos de la Zona son del mismo palo, Marshal Law combatió en el frente y es ahora un híper-violento cazador de súper-humanos que patrulla las ruinas de la gran ciudad y que no duda un ápice en hacer uso de los métodos más expeditivos para acabar con lo que él considera una enfermedad.

Marshall_Law_numerocero580x285Paralelamente, la aparición de un asesino en serie al que llaman El Durmiente y que se dedica a violar a jóvenes disfrazadas como Celeste, una de las metahumanas más célebres de la ciudad, convierte, a ojos de Marshal, al Coronel Caine, más conocido como Espíritu Público, en su principal sospechoso. De cara a la galería, Caine representa a la perfección el máximo exponente del Bien, la Justicia y el Sueño Americano escondiendo en la trastienda de su psique a un enfermo adicto a las drogas y con un insaciable apetito sexual. Como podéis ver, todo un “angelito”.

marshal-law-2Marshal Law es la mejor manera de hacer un cómic de súper héroes utilizando la complicidad del aficionado para desmontarlo, destrozarlo y ridiculizarlo. Su guionista Pat Mills odia a los súper-héroes y aprovecha a su personaje para ponerlos en ridículo.  El estilo de Kevin O’Neill destila la perversidad necesaria para que la máquina funcione perfectamente. A lo largo de su carrera, Marshal Law ha ido destrozando a los grandes mitos (iconos) del género como Superman, Batman o el Capitán América mostrando siempre un odio y una mala baba poco corrientes en el cómic americano de la época. El mundo de Marshal Law está repleto de enfermos, sádicos, violadores y variopintos elementos con patologías homicidas que convierten lo anormal en norma y se burlan descaradamente de los tópicos y clichés del género. La exageración y el exceso funcionan de tal manera que nos encontramos ante una obra divertida e ingeniosa que se convierte en un perfecto manifiesto anti-súper-héroes y anti-maimstream de lo más delirante. Sobra decir que no debemos tomarnos en serio esta arma de provocación y exacerbación de la violencia (tanto verbal como física y moral).

Esta primera aventura de Marshal Law la podemos encontrar en el primer volumen (de tres) que ECC Ediciones publicó no hace mucho y es el fruto de la disección por parte de la editorial patria del Marshal Law The Deluxe Edition que publicó DC Comis algo antes. Un increíble tomo cartoné de mayor tamaño que el comic-book tradicional que es una auténtica joya y que podéis encontrar por cuatro duros en tiendas online. Es una pena que la editorial de nuestro país haya realizado tal experimento con el bueno de Marshal (como si no le hubieran bastado los experimentos genéticos en los laboratorios clandestinos que lo llevaron a librar batallas por su gobierno).

arex47_04Sin embargo, no es la primera vez que Marshal Law aterriza en nuestro país. En 1.991 Cómics Fórum lanzó una colección llamada Epic Presents en la cual se publicaron los seis números de la miniserie que recopila el tomo del que hablamos.

Ésta es una buena oportunidad para conocer un cómic que podría considerarse como precursor, como el germen, de grandes clásicos súper-ventas posteriores como The Authority o The Boys. Si nunca has visitado San Futuro, ésta es una buena época del año para acercarte: buen clima, buena comida basura y cientos de metahumanos dispuestos a arrancarte la cabeza por el contenido de tu cartera.

Freakland Fanzine… Mucho más que un referente!

howardHoward Un nuevo héroe (1986) tiene el honor de ser la primera adaptación a la pantalla grande de un personaje de la Marvel Comics. No sólo eso, sino que el gran George Lucas y la Universal invirtieron tiempo, dinero y esperanzas en un producto que, en su momento, resultó fallido. Digo en su momento porque, siempre con la perspectiva y la nostalgia de por medio, la cinta dirigida por Willard Huyck ha alcanzado actualmente el status de película de culto. Creado por un grande entre grandes, Steve Gerber, Howard el Pato comenzó siendo un secundario de la serie Adventure into Fear normalmente protagonizada por otro personaje secundario (al que siempre se le ha tachado de mero exploit de La Cosa del Pantano de DC) llamado Man-Thing (cuya mejor etapa escribió Gerber). Howard era la voz crítica de Gerber y normalmente ponía el dedo sobre la llaga en aquellos temas de índole social que el autor denunciaba desde las viñetas. Sobra decir que su adaptación cinematográfica aparcaba todo ese rollo de denuncia social para acabar siendo una entretenida cinta de aventuras, con un poquito de sci-fi de por medio, en la que nuestro protagonista, residente en una dimensión paralela muy parecida a la nuestra donde los palmípedos acabaron siendo la especie predominante, llega a nuestro mundo a partir de un experimento fallido con un láser.

Considerada por algunos como un pestiño, he de confesar que siempre he sentido fascinación por Howard Un nuevo héroe. Una de las razones principales es que está protagonizada por uno de mis amores de juventud: la siempre sexy y guapa Lea Thompson (la madre de Marty McFly, Lorraine, en Regreso al Futuro). Mi afición por las historias inter-dimensionales con realidades paralelas es otro motivo. Pero quizá la razón de peso es Howard. El diseño del protagonista patuno es tan realista y está tan bien realizado que siempre me ha gustado mucho. En definitiva, es una película que ya me agradó en su momento y que cada cierto tiempo revisito. Además, la peli me descubrió al personaje de cómic ( lo poco que hay está muy mal editado en España y el grueso de sus aventuras sigue inédito).

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He aquí la prueba del delito!

Esta fascinación por Howard me metió en un lío embarazoso (otro más dirán algunos). Allá por marzo de 2014 Weird Sci-Fi Show era otro rollo. Ni siquiera se llamaba como ahora y no existían ni las charlas en Palma 80’s ni las #WeirdSessions. WSFS era una pequeña página (aún lo es) en el feudo de Mark Fuckerberg que intentaba hacerse hueco en el sórdido y duro mundillo de las FanPages y las redes sociales. Eran tiempos en los que un servidor le echaba horas y horas a arañar likes y hacía fotomontajes cutres para la imagen de portada de la página de FB. Éstos consistían en pegar el antiguo logo (creado por un servidor con los escasos recursos de los que disponía) sobre una imagen chula (a mi parecer, claro). Una de esas imágenes era la del póster de la peli del amigo Howard. Una vez localizada la imagen era cuestión de echarle diez minutos de PhotoShop y andando que es gerundio. La fortuna es impredecible y lo que en un primer momento parecía estar del lado negativo acabó posicionándose en el lado bueno. Resulta que la imagen que tomé prestada para mis experimentos era la imagen de alguien que ya tuvo la misma idea que yo mucho antes. La imagen que un servidor perpetró (de la manera más burda) era la portada del primer número de Freakland Fanzine. Por supuesto, la imagen duró menos que un pastelito en la puerta de un colegio y la retiré (con sus debidas disculpas). Toda esta historia introductoria me llevó a conocer (de momento desde la distancia pero es algo a lo que quiero poner remedio) a alguien a quien admiro y aprecio: Robert Ramos Cata.

02Robert es profeta en su tierra, Lloret de Mar (Girona), y es el creador de Freakland Fanzine, una publicación aperiódica (que él llama fanzine pero que os aseguro que tiene una calidad más que profesional) hecha por y para amantes y nostálgicos del cine de los ochenta donde la pasión por el séptimo arte y el género fantástico te llega a emocionar y embriagar mientras vas pasando cada una de sus páginas. En su interior encontramos artículos de gran calidad y entrevistas a grandes (muy grandes) como Caroline Munro o a Ruggero Deodato entre otras. Freakland Fanzine es una reunión de amigos con intereses comunes y con la única ambición de compartir su afición y pasar un rato agradable. Una auténtica gozada, vamos.

critterPero Freakland no es sólo su “fanzine”. Freakland es mucho más. Freakland tiene toda una gama de productos increíbles como sus props y esculturas de personajes míticos de la dorada década de los ochenta. Todos hemos visto y babeado frente al monitor de nuestro ordenador (o la pantalla de nuestro Smartphone) ante sus Critters. Como absoluto fan de esos cabroncetes con espinas, tengo en un lugar de honor de mi Sancta Sanctorum a un par de ellos. Pero no sólo de Critters vive Freakland. Otras figuras como su Ghoulie, su busto/homenaje a John Carpenter, su Bad Taste o una de las protas de Demons (así como la máscara) son impresionantes. Pero para impresionar (pero de verdad) están su descomunal graboide de la peli Temblores o su homenaje a H.G. Giger que son para quitarse el sombrero.

fest2011No se vayan todavía porque aún hay más!!! FreakLand, con Robert como co-creador y director, llevó a su tierra Festerror, el Festival de Terror y Cine Fantástico de Lloret de Mar, celebrando varias ediciones que a más de uno (incluido un servidor) ponen la piel de gallina. En su edición de 2014 se trajeron del brazo a la encantadora y bellísima Caroline Munro y a Salvador Sainz, atrecista de ese film de culto llamado La Grieta de Juan Piquer Simón. Pero es que en su edición de 2011 juntaron a tres grandes: Lamberto Bava, Sergio Stivaletti y Bobby Rhodes! Lo dicho, la piel de gallina… Freakland también ha colaborado también en las dos últimas ediciones de la CutreCon en Madrid con sendas exposiciones. La última de ellas dedicada a la Cannon Films llamada Cineastas por accidente para la cual crearon dos extraordinarias piezas a propósito: el He-Man de la película Masters de Universo y el increíble marciano creado por Stan Winston para Invaders form Mars de Tobe Hooper.

Recién salidos del taller los Weird Rockets que se llevarán los ganadores de las principales categorías del Weird Shots!
Recién salidos del taller los Weird Rockets que se llevarán los ganadores de las principales categorías del Weird Shots!

En definitiva, Freakland no es que mole mucho, mola muchísimo. Siempre que anuncian nuevo proyecto, a un servidor le asalta la envidia sana. Y no sólo eso, sino que Robert es un tipo muy majo, muy cercano, al que (tengo que poner remedio eso de no conocerle en persona) admiro, respeto y aprecio. Un brother, como él diría. Hace unos meses, cuando le comenté y me asesoró acerca de nuestro festival de cortos, le pedí si Freakland podría hacernos los trofeos para las principales categorías. Pues dicho y hecho!  Aquí a la derecha podéis ver los Weird Rockets que Freakland nos ha realizado y que los ganadores de las principales categorías de Weird Shots podrán lucir en sus casitas. Es un trabajo increíble. Lucen magníficamente como no podría ser de otra forma estando Freakland y Robert metidos por medio.

La verdad es que de mayor yo quiero ser como Robert! Un fuerte abrazo, bro y a seguir luchando!!!

Podéis encontrar más info sobre Freakland en su web http://www.freaklandshop.com y en su perfil de Facebook .

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