Abrimos convocatoria para la cuarta edición de Weird Shots!!!

Weird Shots es el certamen de cortometrajes de género fantásticos de Weird Sci-Fi Show, la comunidad de fans de la cultura geek de Palma de Mallorca. Este 2020 queremos dar a conocer, desde nuestra humilde posición, a los talentos del futuro. A aquellos que, desde nuestro prisma (es decir, la ciencia ficción, terror, fantástico…) no sólo disfrutan, sino que se atreven a contar sus propias historias a través de un modo nunca dejado de lado y cada vez más valorado, como es el cortometraje. Vuelve Weird Shots, un Festival de Cortometrajes que, esperamos, se posicione como referente del corto de género a través de sus sucesivas ediciones. Desde luego la intención está puesta en ello: todo el equipo humano detrás de la Asociación se ha volcado en ofrecer un Festival a la altura.

¡Este año, además, ampliamos el festival con la categoría de largometrajes!

Así que os estamos esperando. Enviad vuestras obras. Serán tratadas con el máximo respeto, valoradas en su justa medida y premiadas (las que ganen) como corresponde. Bienvenidos al futurible festival de cortometrajes de género de referencia de Mallorca.

Bienvenidos a Weird Shots.

BASES CORTOMETRAJES

1A. Pueden participar personas de cualquier nacionalidad y de cualquier parte del mundo que sean mayores de 18 años.

2A. Cada autor puede presentar el número de cortos que desee.

3A. La temática del festival es concisa: CIENCIA FICCIÓN, TERROR Y FANTÁSTICO… Si el corto tiene aspecto de blockbuster o de película de serie B, eso lo decides tú, pudiendo ser de imagen real o animación. Lo único que pedimos es que se pueda clasificar dentro de uno de los géneros antes mencionado.

4A. La recepción de obras comenzará el 19 de enero de 2020 a las 00:01 horas y finalizará el 30 de julio del 2020 a las 23:59, quedando fuera de admisión los cortos entregados fuera de este plazo.

5A. Los cortos pueden inscribirse tanto a través de la plataforma Festhome (www.Festhome.com)como Click for Festivals (www.clickforfestivals.com). También se pueden enviar a infoweird@weirdscifishow.es

Inscriba su película

Click for Festivals - Connecting Films and Festivals

6A. Los idiomas de exhibición serán tanto el castellano como el catalán. Si el corto está en otro idioma, deberá traer incrustados los subtítulos cualquiera de los dos idiomas permitidos.

7A. El cortometraje deberá tener una duración mínima de 1 (un) minutos y un máximo de 15 (quince) minutos, títulos de crédito incluidos. Fuera de estas duraciones no podrán ser aceptadas dentro del festival.

8A. Los cortos admitidos a concurso serán seleccionados por un jurado especial, y los finalistas exhibidos en la ciudad de Palma de Mallorca en noviembre de 2020

9A. Las categoría a competir es: Mejor Cortometraje. Los premios no constan de dotación económica sino de mención con galardón acreditativo. El jurado se reserva la posibilidad de conceder tantas menciones especiales como vea conveniente sin dotación económica ni trofeo físico.

BASES LARGOMETRAJES

1B. Pueden participar personas de cualquier nacionalidad y de cualquier parte del mundo que sean mayores de 18 años.

2B. Cada autor puede presentar el número de largometrajes que desee.

3B. La temática del festival es concisa: CIENCIA FICCIÓN, TERROR Y FANTÁSTICO… Si el film tiene aspecto de blockbuster o de película de serie B, eso lo decides tú, pudiendo ser de imagen real o animación. Lo único que pedimos es que se pueda clasificar dentro de uno de los géneros antes mencionado.

4B. La recepción de obras comenzará el 19 de enero de 2020 a las 00:01 horas y finalizará el 30 de julio del 2020 a las 23:59, quedando fuera de admisión los cortos entregados fuera de este plazo.

5. Los largometrajes pueden inscribirse tanto a través de la plataforma Festhome (www.Festhome.com)como Click for Festivals (www.clickforfestivals.com). También se pueden enviar a infoweird@weirdscifishow.es

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6B. Los idiomas de exhibición serán tanto el castellano como el catalán. Si el film está en otro idioma, deberá traer incrustados los subtítulos cualquiera de los dos idiomas permitidos.

7B. El largometraje deberá tener una duración mínima de 70 (setenta) minutos y un máximo de 100 (cien) minutos, títulos de crédito incluidos. Fuera de estas duraciones no podrán ser aceptadas dentro del festival.

8B. Los largos admitidos a concurso serán seleccionados por un jurado especial, y los finalistas exhibidos en la ciudad de Palma de Mallorca en noviembre de 2020

9B. Las categoría a competir es: Mejor Largometraje. Los premios no constan de dotación económica sino de mención con galardón acreditativo. El jurado se reserva la posibilidad de conceder tantas menciones especiales como vea conveniente sin dotación económica ni trofeo físico.

ASUNTOS LEGALES

10. Cada concursante garantiza a la organización del festival que posee TODOS los derechos sobre la obra presentada (De todo o de la música, imágenes y sonidos de otros autores). De no ser así, deberá poseer POR ESCRITO la autorización expresa del autor de los derechos preexistentes; el festival no se hace responsable de las reclamaciones que pudieran surgir a partir de la infracción de este artículo, siendo el que presenta el corto el ÚNICO responsable de ofrecer las explicaciones oportunas a quien así lo requiera.

11. Los responsables de las obras enviadas ceden a la organización del festival (weird sci fi show) ciertos derechos mientras dure éste (fechas de recepción incluidos):

a- Los datos de carácter personal facilitados a efectos de participar en el festival (con la garantía ABSOLUTA de que no serán divulgados bajo ningún concepto)

b- Los derechos de cesión, exhibición y emisión gratuitamente de las obras a concurso, con el fin de poder no sólo emitirlos el día del festival en caso de resultar finalistas, sino con el objetivo de poder promocionar tanto el festival como las obras presentadas en los medios de comunicación que la organización del festival considere necesarios (radio, tv, redes sociales…) dando nuestra GARANTÍA absoluta de que en NINGÚN CASO se hará con fines de lucro y SOLO utilizándose un fragmento como parte de la publicidad, no exhibiéndose en NINGÚN CASO ningún cortometraje de forma íntegra fuera del ámbito del festival, y mucho menos fuera del día de exhibición de las obras finalistas, ni siendo una de estas ni no siéndolo.

c- Cualquier uso comercial o explotación de alguna de las obras presentadas a concurso antes, durante o posterior al festival deberá tratarse con el autor de los derechos de la obra.

d- Todos los derechos quedan cesados una vez el festival queda concluido.

12. La organización decidirá sobre cualquier
caso imprevisto que no se recojan en estas bases, siendo su veredicto inapelable.

13. Participar en el festival implica la aceptación de estas bases.

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Dragon Ball Super: Broly (Doragon Bōru Sūpā: Burorī, Tatsuya Nagamine, 2018)

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Titulo original: Doragon Bōru Sūpā: Burorī  / Año: 2018 (Japón) / Director: Tatsuya Nagamine / Guionista: Akira Toriyama / Productor: Toei Animation / Música: Norihito Sumitomo / Intérpretes: Masako Nozawa (Goku), Aya Hisakawa (Bulma), Ryô Horikawa (Vegeta), Ryûsei Nakao (Freezer), Toshio Furukawa (Piccolo), Bin Shimada (Broly), Katsuhisa Hôki (Paragus), Banjô Ginga (Rey Vegeta)


La paz ha regresado una vez más a la Tierra tras el Torneo de Poder. Después de descubrir que en los diferentes universos hay seres increíblemente poderosos que aún no ha visto, Goku tiene intención de seguir entrenando para hacerse aún más fuerte. Entonces, un día, un saiyan llamado Broly, al que nunca antes han visto, se presenta ante Goku y Vegeta. Pero se suponía que los saiyans habían quedado prácticamente extinguidos en la destrucción del Planeta Vegeta, así que, ¿qué está haciendo este en la Tierra? Incluso Freezer, de vuelta del infierno, se ve involucrado en este encuentro entre tres saiyans que han seguido destinos completamente diferentes y que no tarda en convertirse en una feroz batalla contra un guerrero que no parece tener límites.


La popularidad de Dragon Ball, probablemente la obra que más fama -y rédito económico- ha proporcionado a su creador Akira Toriyama, es innegable. Prueba de ello es el éxito mundial de su último filme estrenado en cines este 2019. En mi Mallorca natal afortunadamente conocimos la existencia de las Bolas de Dragón, de Goku, Bulma y compañía gracias a que a nuestra isla llegaba la señal de la cadena autonómica catalana TV3 (y también la de la extinta procedente de tierras valencianas Canal 9). A finales de los ochenta, al menos en mi ciudad, antes de la programación infantil de la generalista televisión pública nacional -encabezada sin duda por Barrio Sésamo- los niños nos congregábamos ante el catódico televisor durante las sobremesas para poder disfrutar de las aventuras, un tanto picantes a veces, de un chavalín con cola de mono que era un crack de las artes marciales y recorría el mundo junto a una adolescente de pelo verde buscando unas mágicas bolas doradas capaces de conceder tus deseos si acababas reuniéndolas todas. Por cierto, un servidor pese a su condición de castellano parlante no puede evitar de pensar en la serie como Bola de Drac e incluso revisionarla en catalán cuando es menester. Buscando por la red de redes he podido confirmar que los primeros veintiséis episodios se pudieron ver en el lejano ya año 1989 para, un año después, proseguir la serie ininterrumpidamente durante varios años. Lo cual ratifica mi vago recuerdo de que la serie un día acabó de emitirse sin más dejándonos atónitos en mitad del primer Torneo de las Artes Marciales al que Goku asistió. Pero eso forma parte de un anecdotario personal sin ánimo alguno de desviarse del tema a tratar.

Durante la friolera de 153 episodios, no sólo vimos crecer a Goku sino que vibramos con cada una de las nuevas situaciones a las que se veían expuestos tanto él como sus amigos. También asistimos a su crecimiento personal como guerrero y nos encariñamos de muchos de los entrañables personajes salidos de la mente del Toriyama. Tanto la serie de animación como el manga en el que se basaba -que pudimos leer con mucha más posteridad gracias a su publicación por parte de la editorial Planeta De Agostini en plena ebullición del fenómeno conocido como Mangamanía en la España de los noventa- combinaban una serie de elementos muy atractivos e interesantes para los chavales que, tarde a tarde, disfrutábamos de espectaculares combates cuerpo a cuerpo -a los que poco a poco fueron añadiéndose impactantes explosiones de energía producidas por los propios combatientes como los famosos Kame Hame Ha- y aventuras del más puro corte clásico e incluso con fuerte sabor a western crepuscular en muchas ocasiones. Sin embargo, tras muchos avatares, combatir con diversos monstruos, demonios, insólitos oponentes en un tatami no menos exótico o incluso conocer a Arale -la otra creación más popular del Maestro Toriyama procedente de la serie Dr. Slump- Goku encontraría el amor junto a Chi-Chi, la que sería su futura esposa y madre de sus hijos, y tras vencer al demoníaco Piccolo Jr en la vigésimo tercera edición del Torneo de las Artes Marciales  la serie, para horror de muchos, parecía dar fin a sus andanzas dejando huérfanos a muchos de sus fans alrededor del mundo. Sin embargo, aquello era meramente un espejismo y marcaría solamente un punto y aparte y Goku acabaría volviendo en una serie nueva, DragonBall Z, que no solamente retomaría sus fantásticas aventuras durante su etapa adulta presentando a nuevos personajes, como su primogénito Son Gohan, sino que el tono de la serie cambiaría radicalmente.

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DragonBall Z supuso, por una parte, el abandono de un contenido aventurero en el que predominaban ciertos destellos de comedia desenfadada para convertirse en una historia más oscura y compleja. La serie acabaría adoptando un repetitivo esquema en el que los protagonistas se envolverían en un interminable ciclo de batallas, triunfos, derrotas, tragedias y largos entrenamientos con objeto de aumentar sus niveles de poder y de fuerza. La muerte de muchos de ellos dejará de tener sentido ya que el abusivo uso de sus resurrecciones será un recurso que acabará por sustraer toda carga dramática a la Parca. Por otra parte, inicialmente se pondrá especial interés en el origen de Goku. Recordemos que su pasado era prácticamente incierto y que poco sabíamos más aparte de que fue encontrado por un Gran Guerrero cuando era pequeño. Con la llega de Raditz a la Tierra, descubríamos que éste no sólo era el hermano de nuestro protagonista, sino que también pertenecía a una raza de guerreros espaciales, los Saiyans, procedentes del planeta Vegeta.  Éstos, en su énfasis imperialista y colonialista, enviaban a sus infantes a otros planetas con la intención de que los conquistasen. A partir de la pírrica derrota de Raditz, con la muerte de Goku como principal desatino, comenzará el mencionado ciclo interminable de oponentes más poderosos que sus precedentes y que, con tal de poder derrotarlos, llevará a nuestros personajes favoritos a someterse a durísimos entrenamientos con los que poder abatir a las nuevas amenazas.

La derrota del hermano proveniente del espacio de Goku traerá consigo la siguiente amenaza. Camino de la Tierra, dos peligrosos Saiyans llegarán con ansias de venganza. Con la presentación -y posterior derrota- de Nappa y Vegeta se nos acabará contando que el Universo no es sólo vasto e interminable, sino que, mientras los humanos lo desconocemos totalmente, está dominado por el implacable y brutal dictador Freezer, jefe supremo del Imperio Galáctico. Toda la saga perteneciente a Freezer es uno de los momentos álgidos de la serie. Nuestros protagonistas acabarán viajando por las estrellas para llegar al Planeta Namek -del cual, sorpresivamente, son originaros tanto Piccolo como quien ejerce de Dios en la Tierra- con objeto de impedir que el villano de la función se haga con las Bolas de Dragón que existen en tal lejano paraje. Todo ello salpicado de espectaculares peleas, muertes, traiciones y el esperadísimo combate final entre Son Goku y Freezer. Un enfrentamiento tan épico como interminable que nos mostraba a un poderosísimo mutante alienígena capaz de hacer crecer su poder con impactantes transformaciones de su cuerpo -una de ellas claramente inspirada en el xenomorfo más famoso del Séptimo Arte-. Goku tampoco se quedaría atrás y seríamos testigos de su conversión en Súper Saiyan, es decir, una evolución de su propio organismo que le otorga más poder y mejoras en sus aptitudes de combate, además de cambiar el color de sus cabellos. Hasta ese momento, dicha mutación sería totalmente legendaria y, nosotros los espectadores, ignoraríamos que sería la primera de muchas. Freezer acabaría siendo derrotado. Su aparente muerte en el Planeta Namek otorgaría un respiro a nuestros protagonistas hasta sus evidentes futuras apariciones en la serie. Sus retornos a las vidas de Goku y compañía han sido celebrados unánimemente por el fandom. Pero, si el popular villano tiene algo más aparte de su impresionante carisma es un pasado exponencialmente interesante que los responsables de la franquicia no habían explotado demasiado. Un pasado, una historia compartida entre Freezer, el Imperio Galáctico y los Saiyans que a muchos de nosotros nos llamaba mucho la atención. Algunas píldoras en forma de películas se nos iban ofreciendo, pero todo ello cambiaría con la llegada de la primera película de Dragon Ball Super, Dragon Ball Super: Broly (Doragon Bōru Sūpā: Burorī, Tatsuya Naganime, 2018).

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Dragon Ball Super, continuación de las andanzas de nuestros personajes favoritos mucho después del final de Dragon Ball Z (sin tener en cuenta fiascos como Dragon Ball GT), fue la serie de anime que consiguió que miles de espectadores se congregaran frente a sus televisores (dígase también móviles, tablets o pantallas de ordenador) convirtiéndola en Trending Topic en Twitter en multitud de ocasiones. La serie ponía su punto final (o más bien punto y aparte) el pasado 25 de marzo de 2018. Con su capítulo 131, emitido en Japón por la cadena de televisión Fuji TV, los responsables de la serie revelaban la inesperada conclusión a la conocida como La Saga del Torneo de la Fuerza, en la cual se decidía el destino de los universos conocidos mediante los épicos combates de aquellos que los representaban. Un final legendario que mostró insólitas alianzas y que ponía el broche de oro a una serie no carente de polémica a la cual los fans más veteranos de las aventuras de Son Goku han atacado desde sus inicios por sus ciertas incongruencias argumentales o un estilo artístico en ocasiones de dudosa calidad. Sin embargo, se hace difícil creer que, con el éxito obtenido y la vuelta al candelero de uno de los universos de ficción con más aceptación en el fandom, se acabaran definitivamente las aventuras y batallas de los Saiyans. Toei Animation había logrado revivir la franquicia creada por el Maestro Akira Toriyama y no tardaría mucho en ir soltando pequeñas píldoras de información acerca de su futuro. Por lo pronto, una semana después de la conclusión del Anime, el estudio anunció (1) que estaba acometiendo cambios estructurales y organizativos centrados en potenciar la marca Dragon Ball. La nueva estructuración de las diversas divisiones sumada a la creación de un departamento al que bautizaron como de Planificación del anime, encabezado por Atsushi Suzuki (productor de Digimon Adventure Tri), sería la primera medida para centrar el área de negocio en la franquicia de Toriyama. Un proyecto que seguía los pasos de la Dragon Ball Room que Shueisha, la editorial que publica el manga, creó en 2016 con objeto de unificar todas sus subdivisiones relacionadas con el Universo Dragon Ball.

Además de este anuncio de reestructuración y estrategia comercial, semanas antes, las redes sociales de la Toei comenzaron a mostrar, poco a poco, imágenes de un nuevo largometraje de Son Goku titulado, en aquellos momentos, con la designación provisional de Dragon Ball Super: The Movie. Con cuentagotas aparecieron más informaciones entre las cuales se fueron confirmando a los responsables de su realización (2) entre los que se destacaban los nombres de Akira Toriyama -el Creador de todo- como encargado del guion y del diseño de los personajes, el de Tatsuya Naganime como director del nuevo filme y, para sorpresa y agrado de los Fans, acometiendo las labores de supervisor de la animación estaría Naohiro Shintani. Shintani es un joven y reputado animador de la Toei cuyo trabajo, tanto cromática como dinámicamente, es claramente mucho más atractivo que el estático diseño de Tadayoshi Yamamuro, nombre importante en la historia de la serie y supervisor de animación desde los tiempos Dragon Ball Z, tanto el Anime como sus últimas películas, así como supervisor jefe en DragonBall Z: La Batalla de los Dioses (Doragon Bōru Zetto: Kami to Kami, Masahiro Hosoda, 2013) y Dragon Ball Z: La Resurrección de F (Doragon Bōru Zetto: Fukkatsu no F, Tadayoshi Yamamuro, 2015). Tanto Shintani como el resto del equipo sentaron las bases para la nueva historia. Todo ello siempre bajo las directrices de Toriyama. Quien proporcionó “la historia y más de 20 hojas de diseños, incluyendo personajes, máquinas y al menos un nuevo planeta” (3). Un planeta helado que aparecería brevemente en el primer Teaser Trailer y que sería donde posiblemente los protagonistas de la cinta se encontrasen con el Saiyajin de las leyendas, es decir, el Saiyajin que lo inició todo.

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Ese Teaser de 30 segundos que Toei presentó en un evento de Bandai Namco ese mismo mes de marzo daba nuevas pistas a los Fans, así como mostraba un nuevo diseño y una animación mucho más fluida. Pero nada más se sabía de la trama principal salvo que giraría en torno al origen de los Saiyans, que Freezer tendría una presencia importante y que se presentaría un nuevo villano con toques dorados y cierta similitud con los primates. Akio Iyoku, jefe de la Dragon Room, fue testigo de un Brainstorming de proporciones titánicas entre los miembros del equipo y apuntó que la película tendría una historia estructurada en varias capas. Contendría partes ambientadas tanto en el pasado como en el presente y múltiples escenarios. Una historia donde el pasado y los Flashbacks jugarían un papel importante. Durante la primavera de 2017, mientras los aficionados disfrutaban de La Saga de Zamasu, Toriyama y su equipo trabajaban en la nueva película. “La elaboración de la historia con Toriyama se hizo principalmente vía email, con ellos reuniéndose en persona aproximadamente una vez cada dos meses”, declaraba Iyoku. Con la vista puesta en una futurible fecha de estreno, en Japón, establecida para diciembre de 2018, “todo comenzó alrededor de la primavera de 2017 cuando le proporcionaron a Toriyama varias propuestas para una nueva película, que, aunque en su mayoría fue rechazada, le hicieron pensar. Las cosas se aceleraron una vez que se decidió hacer la historia de los ‘Saiyajin’. Toriyama presentó una historia inicial, pero le preocupaba que fuera demasiado corta. Se amplió, pero luego se hizo demasiado larga”. Un argumento que, siendo habitual la costumbre de Toriyama de escuchar e intentar complacer a los Fans, incluiría mucho Fan Service para acallar las voces más críticas.

Por supuesto, sobra decir que la expectación de esos Fans, de esas masas de aficionados ávidas de nuevas entregas de Dragon Ball Super, era máxima. En el mes de mayo, Shueisha desveló por sorpresa, en el último número de la revista SaikyoJump (4), nuevos diseños para la película en los que el equipo de producción trabajaba en aquellos momentos. De entre ellos, destacaban los estados de Super Saiyajin Blue de Goku y Vegeta respectivamente, luciendo ambos el característico cabello azul con tonos y formas totalmente noventeras que recordaban a las primeras etapas de Dragon Ball Z. En esa misma página, también podíamos ver de nuevo tanto a Bills, el Dios de la destrucción, como a Whis, su ayudante. En otra imagen promocional (5), conoceríamos el aspecto de tres nuevos personajes -Chelye, Kikono y Lemo-, alienígenas los tres, y a Freezer, luciendo su poderosa y letal forma final. Sin embargo, las redes se incendiaron, figuradamente claro, cuando en el mes de julio fuentes no oficiales filtraban el supuesto nuevo póster de la película. En este podíamos ver a Goku y Vegeta como Super Saiyajin Blue. Pero lo más importante es que tras ellos, de manera totalmente inesperada, aparecía Broly. Broly fue uno de los más famosos villanos de la franquicia. Sin embargo, nunca llegó a formar parte del canon pese a haber aparecido en hasta tres películas distintas –Dragon Ball Z: Estalla el Duelo (Doragon Boru Zetto: Moetsukiro!! Nessen – Ressen – Chōgekisen, Shigeyasu Yamauchi, 1993), Dragon Ball Z: El Regreso de Broly (Doragon Boru Zetto Kiken na futari! Sūpā senshi wa nemurenai, Shigeyasu Yamauchi, 1993) y Dragon Ball Z: El Combate Definitivo (Doragon Boru Zetto Sūpā senshi gekiha! Katsu no wa ore da, Yoshihiro Ueda, 1994)-. Broly regresaría para convertirse en el antagonista principal de la nueva cinta de Dragon Ball, la cual llevaría por título Dragon Ball Super: Broly. Una noticia recibida con escepticismo que finalmente Toei acabó por confirmar en una pertinente rueda de prensa y en sus redes sociales acallando así cualquier voz discordante. (6)

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Toriyama no tardó mucho en publicar un comunicado (7) en el que explicaba en primera persona las razones que le llevaron a la idea de incorporar a Broly en la nueva película. Pese a que el personaje ya había aparecido en tres películas de la saga, como se ha señalado antes, Toriyama apenas estuvo involucrado en ellas – “Dibujé los diseños para el personaje, pero prácticamente no tuve nada que ver con el anime en ese momento, así olvidé por completo el contenido de la historia”-, así que esta era su mejor oportunidad para incorporarlo al canon del Universo Dragon Ball y contar de primera mano el verdadero origen del Super Sayajin legendario. Según sus palabras, fue una sugerencia de su editor, quien le comentó que el personaje “todavía es muy popular no sólo en Japón, sino también en el extranjero”. Recordemos que el personaje ya ha cumplido 25 años desde su primera aparición. Toriyama comenta que entonces “seguí adelante y vi las películas de aquella época, y sentí que esto podría ser bastante interesante una vez que reorganizara algunas cosas. Me puse a trabajar probando una nueva historia que lo incorpora a la serie”.  Con la intención de mantener “su imagen clásica para no decepcionar a sus fanáticos”, también modificaría su diseño para convertirlo en una figura más fascinante. Además de Broly, Freezer tendrá gran importancia dentro de la película ya que la trama revelará más detalles de la historia de los Saiyajins. Naturalmente, habrá combates, pero también los caminos del destino que conducen a un encuentro entre Goku, Vegeta y Broly. Ello involucrará al ejército de Freezer y la historia de los ‘Saiyajin’, que terminarán teniendo una conexión con todo. La historia será muy grande y dramática.

El 20 de julio, en la Comic Con de San Diego por fin se revelaba el primer tráiler oficial del largometraje número 20 de la franquicia y el primero en llevar la coletilla Súper. Se confirmaba definitivamente que la película sería dirigida por Tatsuya Nagamine con guion y diseño de personajes de Akira Toriyama. Masako Nozawa sería la voz de Gokú. Como ya sabíamos, la dirección de animación estaría a cargo de Naohiro Shintani y Kazuo Ogura sería responsable de la dirección de arte. En el panel conjunto, a puertas cerradas, de Toei Animation y FUNimation se mostraron también los diseños de Goku, Vegeta y Broly. Además, salía al mercado la preventa de entradas en Japón que, además, tenía premio. Todo aquel que se hiciera con su entrada, recibiría una figura Chibi de Goku o Vegeta (de una edición de 50.000 unidades), ataviados con los abrigos que se pudieron ver en las imágenes promocionales previas, que cambiaban de color dependiendo de la temperatura a la que fueran expuestos. Sin duda, la fiebre por la película de Broly comenzaba a desatarse ya que Merchandising diverso comenzaba a mostrar detalles más explícitos acerca del nuevo aspecto de Broly. Por ejemplo, Banpresto, famosa empresa juguetera ahora subsidiario de Bandai Namco presentaba días antes del estreno del tráiler su figura del nuevo Broly mostrando al Super Saiyan Legendario con armadura Saiyan además de un corte de pelo distinto. Algo parecido pasó con una serie de stickers que publicó la web oficial de la película. Por su parte, La revista V-Jump (8) mostró también nuevas imágenes y diseños de Broly, pero aquí la nota destacada la ponía el nuevo aspecto de Paragus, el padre de Broly, el cual aparecería con un Look envejecido, pero manteniendo algunas de sus características más reconocibles como son su cicatriz en el ojo izquierdo o su bigote. Lo cual llevaba a pensar que Toriyama y compañía parecían querer rebootear la historia creada en el año 93.

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Los resultados de este primer tráiler estuvieron al nivel de las expectativas desatando un espectáculo que acrecentó más si cabe el Hype del Fandom. Un avance increíblemente espectacular con el que Toei Animation planteó un cambio de rumbo de la franquicia elevando el nivel de calidad, tanto de la animación como del estilo, nunca antes visto y elevando a la figura de Naohiro Shintani como sucesor de Toriyama y futuro de la saga. Toda una declaración de intenciones, cabría añadir. En lo referente al contenido del avance, éste confirmaba, por un lado, que la película conectaría con los hechos acontecidos en Dragon Ball Super y, por el otro, que los hechos transcurrirán inmediatamente después de la conclusión del Torneo de la Fuerza teniendo el nuevo Broly un pasado totalmente distinto al de la primera versión del personaje. Goku y Vegeta desconocen de su existencia. E incluso Broly es presentado como un nuevo ‘Saiyajin’ que nadie conoce. En sus diálogos dejaban bien claro que sería algo totalmente nuevo para ellos: Ese debe ser él, exclama Goku. A lo que Vegeta responde: No sé quién es, pero su energía es aberrante. La épica estaba servida en un pequeño vídeo de poco menos de dos minutos en el que éramos testigos de los enfrentamientos, sobra decir que legendarios, de Goku, Vegeta y Freezer contra el poderosísimo Broly. Si toda la parafernalia montada alrededor de este nuevo espectáculo tenía como principal objetivo provocar que los aficionados acudieran cual estampida a las salas de cine, podríamos decir que la misión se había cumplido con creces. A cinco meses de su estreno, la cinta que desvelaría el origen de Broly ya era la más esperada del universo creado por Akira Toriyama. Y no solo eso, sino que tres días después de abrirse la preventa de entradas, al menos en tierras del Sol Naciente, se logró mejorar más de un 200% lo conseguido con las películas previas de la franquicia. Las cifras oficiales manejaban un total de 23.866 personas que se habían hecho ya con sus entradas de forma anticipada (anticipadísima). Lo cual suponía una mejora del 236% y del 207% con DragonBall Z: La Batalla de los Dioses (Doragon Bōru Zetto: Kami to Kami, Masahiro Hosoda, 2013) y Dragon Ball Z: La Resurrección de F (Doragon Bōru Zetto: Fukkatsu no F, Tadayoshi Yamamuro, 2015) respectivamente. Unas cifras nada desdeñables sin contar todavía con su andadura internacional. Puesto que la expectación no se limitaba solamente al país nipón. Latinoamérica y Estados Unidos esperaban el film como agua de mayo tras su estreno en Japón. Europa quedaba sin confirmación oficial para su distribución, pero rumores apuntaban ya al primer trimestre de 2019.

La maquinaria ya estaba en marcha y, a partir de estos momentos, la rumorología campaba a sus anchas. Pocos días después de la presentación oficial de la película, su director, Tatsuya Nagamine, concedió varias entrevistas a medios nipones (9) en las cuáles habló más que nada del tono de la nueva entrega cinematográfica de Dragon Ball confesando también varias de las claves para entender el papel de Freezer en la misma. Desde sus orígenes, el poderoso Emperador del Imperio Galáctico se postuló como un auténtico villano. Déspota, arrogante, cruel, … Su objetivo era la conquista. La autosuperación nunca estuvo entre sus principales prioridades. Sin embargo, el Statu Quo ha cambiado. “Goku está muy cerca del nivel de los Dioses, y Vegeta también lo está alcanzando. En la película es Freezer el que está recibimiento particularmente más desarrollo. Al principio era arrogante sobre su poder, pero ahora tiene a dioses como Bills y Whiss a los que quiere superar”, afirmaba Nagamine. El director nipón no sólo daba pistas sobre las nuevas metas de Freezer, sino que también jugaba al despiste acerca de una posible colaboración entre el malvado Emperador y Broly. ¿Podría ser eso algo factible? Quedaban meses para poder satisfacer la curiosidad. Una espera que para mucho podría hacerse eterna. Sobre todo, si el estudio alimentaba la expectación de su público -el cual apuntaba a cotas altísimas de asistencia a las salas de exhibición- con más material promocional (11) o la publicación, vía internet, de las fichas de los personajes (12), en las cuales aparecían breves descripciones de los mismos y su apariencia. La publicación de posibles sinopsis de la cinta (13), aumentaban aún más si cabe la expectación. De esta forma, la más extendida acababa publicada en la cuenta de un importante Tuitero y rezaba así:

“Esta es la historia de un nuevo ‘Saiyajin’. Con el Torneo del Poder habiendo alcanzado su conclusión, la Tierra había logrado finalmente alcanzar la paz. A raíz de ello, Goku no desea nada más que seguir entrenando, pues se ha dado cuenta de la increíble cantidad de poderosos guerreros que existen en los distintos universos y que todavía no ha podido conocer. De repente, un día aparece ante Goku y Vegeta un ‘Saiyajin’ desconocido conocido como ‘Broly’. ¿Cómo podía un ‘Saiyajin’ estar en la tierra cuando debió haber sido destruido junto al Planeta Vegeta? Volviendo una vez más del infierno, Freezer reaparecerá nuevamente y los tres ‘Saiyajin’ que acabaron tomando caminos totalmente opuestos se verán enfrentados en un fiero conflicto”.

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Asimismo, el propio director de animación de la cinta, Naohiro Shintani, concedía ese mismo verano una entrevista (14) al portal oficial de Dragon Ball en la que explicaba algunas de las decisiones tomadas hasta el momento. Entre sus declaraciones, comentó que uno de los aspectos más importantes en su cometido era el poder gozar de libertad absoluta. Una libertad de la que no han gozado sus antecesores y que, entre otras cosas, le permitió crear el póster que él quiso y que tanto revuelo causó entre el Fandom (15). Lo cierto es que acabó confesando que fue su propia esposa la que tuvo la inspiración tras ver la la misma pose que tenía Gohan en la portada del capítulo 207 del manga. Orgulloso contaba también que no sufrió injerencia alguna por parte de Akira Toriyama, quien pese a decantarse por un papel cada vez más secundario, tanto en el Anime como en el Manga, sí que se ha implicado en la producción de la nueva película de Broly. Tan sólo en el diseño de los personajes femeninos, según las propias palabras de Shintani, el Maestro creador de tan atractivo universo se mostró un tanto exigente. Sin embargo, la fructífera carrera profesional de Shintani, sobre todo sus años frente a One Piece, lo hacían el candidato más idóneo para ponerse al frente de Dragon Ball Super. Aunque el autor confesaba que nunca había tenido que dibujar a personajes tan musculosos y que, para ello, decidió tomar como principal referente al emblemático Minoru Maeda. Éste fue el director de multitud de episodios, tanto de Dragon Ball como de Dragon Ball Z, incluyendo los momentos clave de las sagas de los ‘Saiyajin’ y Freezer. Resaltaba también la importancia del pasado comentando que pasó largas horas revisionando todas las películas precedentes de la saga, así como los episodios del Anime más importantes de la cronología Dragon Ball. Todo ello para dotar de un aura nostálgico al nuevo producto con el objetivo de no perder un ápice de continuidad entre lo antiguo y lo más reciente. También confesaba un truco, con tal de causar mayor efecto en las escenas de acción dispuso que su equipo redujera el uso de sombras en las escenas de diálogo. Ello hace que los músculos de los personajes resalten.

En una entrevista para la web oficial (16) concedida por Nobuhito Sue y Kazuo Ogura, directores artísticos de la película, éstos confirmaban lo que muchos Fans ya sospechaban, es decir, que toda la película estaba efectivamente realizada al completo por ordenador. Tanto el CGI como el resto de elementos de producción. Parte de sus declaraciones se centraron en las localizaciones que aparecerían en la nueva historia anunciando que parte de la acción de la cinta transcurriría en el Planeta Vegeta. Sin embargo, ambos autores coincidían al decir que no tendría el aspecto que los aficionados recordaban de antaño. Siguiendo las directrices para crear el largometraje más épico de la franquicia, Shintani instó a su equipo a que tomaran el material original y lo elevaran a un nivel inédito. Para ello se buscó de forma intencionada una sensación de mayor escala, mas sin perder la estética, el estilo de las naves espaciales y demás estructuras que creara Toriyama en el pasado. Para lograrlo se dibujaron hasta cuarenta Artboards, de los cuales una gran parte eran solamente para el Planeta Vegeta. Esta localización llevó tres días completarla, mientras que al mismo tiempo se trabajaba en el resto de escenarios. Los directores comentaron que habría también una nueva localización creada exprofeso, el Planeta Vampire. Un lugar que se caracteriza por grandes valles y lagos infestados de peligrosas criaturas en el cual fue el propio Toriyama el que dirigiese sus esfuerzos en su creación. Además de dotarlo de su característico tono amarillo y su textura totalmente distinta al resto de escenarios que aparecerían en el filme. Por supuesto, la Tierra estaría presente. Pero la obsesión de Tatsuya Naganime, director de la cinta, por ofrecer novedades por encima de todo se tradujo en la inclusión de parajes inéditos hasta el momento en la saga. Como, por ejemplo, la Antártida, paraje yermo y helado que ya se pudo ver en el tráiler. Ello no significaba que lugares tan conocidos como La Capital del Oeste no apareciesen en el largometraje.

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La primera semana de octubre, tras pocas novedades aparte de diferentes y escuetas declaraciones por parte de los distintos responsables de la cinta, saltaba el anuncio de la Premier de Dragon Ball Super: Broly (Doragon Bōru Sūpā: Burorī, Tatsuya Naganime, 2018). El 14 de noviembre se fijaba como fecha oficial para ese estreno en el Nippon Budokan, uno de los estadios más grandes de Tokio, y al que acudirían ilustres personalidades y estrellas de la franquicia como Masako Nozawa, Ryo Horikawa, Ryusei Nakao, Bin Shimada o Katsuhisa Hoki. Además de contar con el propio director de la película, Tatsuya Nagamine. Pese a que los Fans no les quedaba más remedio que esperar como el resto de los mortales a que realmente se estrenase la película en salas comerciales, un afortunado podía hacerse con una de las codiciadas 2.000 butacas dispuestas para ese pase gracias a un concurso convocado para la ocasión. Por otro lado, el anuncio de dicho pase exclusivo ofrecía un dato más con el que ir saciando la curiosidad, la duración de la película. La nueva entrega de Dragon Ball duraría 100 minutos. Pero antes de la Premier, Goku, Vegeta y Broly tenían una nueva cita con el Fandom en la Comic Con de Nueva York que se celebrase entre el 4 y el 7 de octubre en la famosa ciudad estadounidense. Para la ocasión, horas antes de que diese comienzo el evento, para alegría del graderío, aparecía el segundo tráiler oficial del filme. Un avance que, a diferencia del primero, hacía hincapié en la trama y desvelaba nuevos detalles de la relación de los Saiyans con Freezer. Tras visionar el vídeo de escaso minuto y medio, un detalle llama la atención. Este no es otro que una fugaz escena en la que Bardock y Gine despiden a un pequeño Goku que compungido los mira desde el interior de la cápsula que lo llevará a la Tierra. Una estampa que recuerda al viaje de cierto último hijo del denostado Planeta Krypton de un universo de ficción tan rico y fascinante como el de las propias Bolas de Dragón. El tráiler también dejaba interesantes escenas sobre el pasado de Broly e incluso el del propio Vegeta. Como conclusión general, destaca la increíble mejora en la animación. El color y los efectos de luces y sombras lucían como nunca antes en la franquicia.

Otro aspecto a resaltar del segundo avance es, sin duda, el de su música. Una historia tan épica necesita de una banda sonora que esté a la altura. Su responsable, Norihito Sumimoto, estaba totalmente convencido de ello (18). Lo primero que el compositor japonés destacó fue lo interconexión entre la imagen y el sonido. Broly aparece al comienzo de la película, pero irá evolucionando, revelaba. Así que la música también cambiará. El autor encontró una fuerte inspiración en el legado que dejaron otros autores como Shunsuke Kikuchi en la saga Dragon Ball Z. Aquellos temas, sumados a la pasión que ya albergaba por la saga durante su infancia, le terminaron empujando a cumplir su sueño. Todo ello ha desembocado en un trabajo que recuerda a las primeras aventuras de Goku, pero que al mismo tiempo se adapta a los nuevos tiempos, atendiendo a las directrices del creador original. Con la perfecta cohesión con la estructura narrativa del filme, tanto Suminoto como su equipo se han esforzado por ofrecer variedad en sus composiciones. Como ya puedes imaginar, la segunda mitad de la película está ocupada en su mayoría por música de batalla, lo que hace complicado conseguir la cantidad correcta de variedad, confiesa. No quieres que todos los temas de este tipo suenen iguales, pero al mismo tiempo si son muy diferentes la música podría carecer de consistencia. Para ello, su departamento ha trabajado codo con codo con el director, siempre buscando su aprobación para no salirse del tono del filme, para que las canciones fueran escritas para cada una de las escenas exclusivamente. ¿Cómo debería ser esta escena? ¿Cómo debería la música reflejar las emociones de Broly?. Según sus palabras, esas eran cuestiones constantes durante el discurrir de su trabajo. Todo ello con un objetivo marcado en mente: entusiasmar a los Fans. Para ello, el Soundtrack se componía de un total de 35 temas en los que drama y épica son dos constantes. El cantante japonés Daichi Miura, auténtica estrella en su país -que debutó en el mundo del entretenimiento con la canción principal de la famosa franquicia Kamen Rider Ex-Aid- fue el encargado del tema oficial del filme, Blizzard.

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A una prácticamente pocas semanas del estreno en el País del Sol Naciente, dos nuevas agradables sorpresas aguardaban a los aficionados. Por un lado, la Toei Animation publicaba en las redes sociales de Goku y compañía un tercer tráiler de la película de Broly. Un avance totalmente espectacular con el que el Hype entorno a la cinta crecía exponencialmente. En ello ya se podía apreciar un cuidado uso del CGI en los combates. Unos enfrentamientos entre seres súper poderosos que tenían todos los visos de convertirse en cotas legendarias y que serían recordadas durante mucho tiempo por el Fandom. El equilibrio entre lo nuevo y lo viejo se mostraba en su máxima expresión.  Si pudiera parecer poco, el estudio acabó lanzando poco después un vídeo clip del tema principal, Blizzard, con aún más imágenes inéditas para deleite de todos nosotros. Por otro lado, se anunció que el filme contaría con una adaptación en forma de novel ligera que contaría con ilustraciones del propio Akira Toriyama. Del texto se encargaría Kasakube Masatoshi, conocido por haber adaptado a tal formato sendas sagas de Naruto o Gantz. Su lanzamiento estaba previsto para el mismo día del estreno en salas de cine de la película y, lo más importante, contaba ya con una sinopsis oficial de Dragon Ball Super: Broly. “La Tierra está en paz después del ‘Torneo de la Fuerza’. Dándose cuenta de que en los universos aún queda mucha gente poderosa, Goku pasa todos sus días entrenando para hacerse todavía más fuerte. Entonces, un día, junto a Vegeta se enfrentan a un misterioso ‘Saiyan’, llamado Broli, a quien nunca antes habían visto. Se suponía que los ‘Saiyan’ habían sido aniquilados casi por completo con la destrucción del Planeta Vegeta, pero entonces ¿qué hace éste en la Tierra? Este encuentro entre tres ‘Saiyans’ que han seguido destinos completamente diferentes se convierte en una batalla increíble. Una lucha en la que incluso Freezer, de regreso del infierno, se ve también envuelto”. (19)

Cabe señalar que la recta final de la promoción de la cinta no fue un camino de rosas. La causante principal de tal desatino fue indudablemente la Premier mundial celebrada el 14 de noviembre a un mes vista del estreno oficial. Pese al comunicado que el estudio repartió entre sus asistentes en el que se pedía respeto y no difundir detalle alguno del espectáculo que se disponían a disfrutar, su guion fue filtrado en redes sociales. El primero en denunciarlo fue el usuario Ken Xyro (20), una respetada y conocida fuente dentro del mundillo, que en su cuenta de Twitter pudo conversar con varios de los espectadores invitados al evento. En sus tuits, poco a poco, se fue desglosando la trama y la historia del filme. De ahí, la filtración se propagó como un virus por las redes sociales. Pese a ello, ninguna imagen o vídeo reseñable salió a la luz (al menos no de manera importante), el canal de Bandai Namco acabó por publicar un nuevo avance en el cual se mostraban imágenes de la último As en la manga que les quedaba. Este Teaser confirmaba, en escasos Frames, la presencia de Gogeta en la película y, además, librando un combate contra Broly en su fase de Super Saiyajin Blue. Un Spoiler que suscitó muchísimas quejas en el seno del Fandom. Sobre todo, en aquel que, acusando a Toei de mala organización en la Premier, no pudo asistir al pabellón donde se proyectaba la película en exclusiva para unos pocos afortunados. Sin embargo, nada de ello pudo enturbiar el hecho de que la nueva entrega de Dragon Ball pasara a los anales de la historia de la franquicia. El 14 de diciembre llegó y tras su primer fin de semana en cartelera, con una distribución en 467 salas, logró recaudar 8,7 millones de dólares (21). Unas cifras bastante impresionantes que mejoraban notablemente el anterior récord, establecido por Dragon Ball Z: La Resurrección de F (Doragon Bōru Zetto: Fukkatsu no F, Tadayoshi Yamamuro, 2015), con sus 8,1 millones. En su tercera semana en salas comerciales, la cinta de Naganime ya llevaba cosechados más de 30 millones de dólares y un total de 2,6 millones de personas ya la había visto. Dragon Ball Super: Broly (Doragon Bōru Sūpā: Burorī, Tatsuya Naganime, 2018) comenzaba así su camino para convertirse en la película más taquilla en la historia de la Toei Animation. Eso solamente en Japón, porque la siguiente parada eran los Estados Unidos y el mercado latinoamericano.

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Anticipándose al estreno de la última película de M. Night Shyamalan, Cristal (Glass, M. Night Shyamalan, 2019), FUNimation adelantó el estreno de Dragon Ball Super: Broly (Doragon Bōru Sūpā: Burorī, Tatsuya Naganime, 2018). Con ello se consiguieron recaudar siete millones (23) el día de su debut, convirtiéndose ya en 22 millones solo una semana después (24), convirtiéndose en el tercer mejor estreno de animación del país de las Barras y las Estrellas.  Como era de esperar, la cinta tuvo también una gran aceptación en Latinoamérica, a tal punto que logró batir hasta los récords provenientes de Japón. En México, por ejemplo, en su primer día ya se pudo por delante de productos tan importantes como Ralph Rompe Internet (Ralph Breaks the Internet, Rich Moore, Phil Johnston, 2018) con 6 millones en su primera jornada (un 41% más). La Songokumanía pegaba con fuerza en países como Perú. Allí la cinta se afianzó y todo el mundo cayó rendido a los pies de las nuevas y apasionantes aventuras de los Saiyans. 257.420 peruanos acudieron a verlas. Un estreno que arrasó también en Argentina donde tumbó a importantes títulos como Aquaman (Íd, James Wan, 2018), Bumblebee (Íd, Travis Knight , 2018) y Spider-Man: Un nuevo Universo (Spider-Man: Into the Spider-Verse, Bob Persichetti, Peter Ramsey, Rodney Rothman, 2018).

¿Y qué pasaba con nuestro país y el resto del mercado europeo? Lamentablemente, solamente podías suspirar con cierta envidia ante los datos que nos llegaban desde el otro lado del Atlántico. A falta de confirmación y fecha oficial de su estreno, Selecta Visión (distribuidora encargada de la franquicia en nuestro país desde hace muchos años) se encargó de poner los dientes largos a los aficionados con un mensaje en su cuenta de Twitter (26), que pese a ser poco clarificador confirmaba que Broly acabaría aterrizando en nuestros cines (o en formato doméstico). Inicialmente se fijó el 22 de febrero de 2019 (27) como fecha de estreno en España, para poco después adelantarlo al día uno del mismo mes (28) tras unas fructíferas negociaciones entre la empresa nacional y la Toei. A imagen de éste última, Selecta sacó toda la artillería en los días venideros publicando todo tipo de material promocional, sobre todo desde su cuenta de Twitter, que iba desde, como es evidente, su tráiler (en sus versiones en castellano y en catalán) a imágenes de la película, posters, sorteos y mensajes de los propios equipos de doblaje. Recordemos que a Dragon Ball no solamente le tiene gran estima el público de lengua castellana, sino que aquellos que hace uso de la catalana le van a la zaga. El equipo de dobladores de la versión en castellano estuvo capitaneado por la directora de doblaje Mercedes Hoyos (29) y encabezado por Pablo Domínguez, la voz de Goku. Entre las voces en español podemos destacar a José Meco haciendo la voz de Broly, Nonia de la Gala como Bulma, Ángel Corpa en el papel de Freezer y Paco Prieto en el de Vegeta, ya que Alberto Hidalgo se retiró de la profesión. Como detalle, Mercedes Hoyos pudo recuperar a Antonio Villar para la voz de Bardock, el mismo actor que interpretó al personaje en Dragon Ball Z: El Combate Definitivo (Doragon Boru Zetto Sūpā senshi gekiha! Katsu no wa ore da, Yoshihiro Ueda, 1994). En cuanto a las voces en catalán, se contó con los habituales Marc Zanni como Goku y Joan Sanz como Vegeta. En cuanto al estreno de la película y las cifras de taquilla, como era de prever Dragon Ball Super: Broly (Doragon Bōru Sūpā: Burorī, Tatsuya Naganime, 2018) siguió la estela y batió nuevamente récords. La cinta, en su primer fin de semana, recaudó en torno al millón de euros siendo Número 1 en cines de toda España (30).

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Ya sabemos que la película no sólo colmó, mayoritariamente, las expectativas del público más generalista a nivel mundial, sino que también satisfizo con creces a los Fans más acérrimos de la franquicia. A nivel de crítica especializada encontramos que, de forma prácticamente unánime, la cinta aprobó con creces. De esta forma, es fácil encontrar críticas positivas. Por ejemplo, Fuminobu Hata para el portal IGN.com (31) afirmaba que “la nueva película de Dragon Ball Cumple a la hora de ofrecer una acción impresionante, pero por encima de eso (…) se conecta con la serie para ofrecer un contexto cercano y reflexivo. Una película divertida, repleta de imaginación y que te atrapa hasta el final para sentenciar que las escenas de lucha están cargadas de genial acción que es suficiente para compensar los defectos de las películas previas de ‘Dragon Ball’. Y ofrecen una fuerte dosis de nostalgia. Broly, apropiadamente, balancea esta gran acción con la comedia que fans de ‘Dragon Ball’ han conocido”. Por su parte, Daniel Kurland, redactor de la web Den of Geek, le otorgaba cuatro estrellas y media (según el propio baremo del sitio web) además de constatar que la nueva entrega, bajo su opinión, “es una de las mejores y más satisfactorias películas de ‘Dragon Ball’ (…) Es sólida en todos los aspectos” (32). El hecho de poner máximo esfuerzo en la conexión -nostálgica- con el pasado que tuvieron los responsables del film no pasó tampoco desapercibido. Charles Salomon, para Los Angeles Times escribía: “Tatsuya Nagamine usa el ordenador para maximizar las explosiones y otros efectos especiales de las escenas de lucha, pero es lo suficientemente inteligente para conservar el aspecto de los personajes” (33). En relación a ello, y concretamente en ese mismísimo aspecto de contentar a los Fans de toda la vida, podemos encontrar las voces más discordantes y las opiniones más tibias al respecto como la de Richard Whittaker para el periódico Austin Chronicle –“Los fans dedicados (…) seguro que están emocionados. Pero para los recién llegados, puesto que no se explica nada, será como darse contra un muro de ladrillo” (34)- o la de Joe Leydon para Variety –“Estrictamente para fans (…) Si eres de los no iniciados (…) te costará entender la trama que parece sacada de la unión de otros hilos del mito” (35)-.  A nivel nacional también encontramos voces críticas con el producto, como la de Ricardo Rosado -en su escueta crítica para la edición digital de Fotogramas- que acusa que “Goku y Vegeta ofrecen a los fans lo que es de los fans. No se le debería aplaudir menos, pero, ¿no está la animación como para que puedan permitirse algo más?” (36) o la de Jordi Costa para Diario El País: “Que nadie espere una animación modelo Ghibli, Hosoda, Shinkai o Yonebayashi, pero el enérgico modo en que el combate final flirtea con la animación abstracta es digno de ser celebrado” (37). Textos con más alabanzas le dedican, por ejemplo, Nando Salvá desde Diario El Periódico donde él mismo afirma que “sus peleas, exóticas, coloridas e ilógicas, rozan la psicodelia; y el duelo final dura alrededor de 40 minutos de metraje, que son puro Shakespeare” (38). Yago García para Cinemanía es incluso más generoso: “Relato sorprendentemente serio (…) lo bastante intenso e inteligible a la vez como para entusiasmar a los fans e interesar a aquellos que, como quien suscribe, siguen llamando ‘Satanás Cor Petit’ a Piccolo” (39). Para acabar, podemos mencionar también la opinión del portal Hobby Consolas, uno de los más visitados por el Fandom que consolida el Target de este tipo de productos. Su redactor Antonio Sánchez-Migallón concluye que “es la mejor película de la historia de ‘Dragon Ball’, tanto en el campo de la animación como en la estructura narrativa, con una BSO que se fusiona con la trama, a pesar de algunos puntos por pulir” (40). Estos detalles a mejorar, bajo su opinión, son ciertas incongruencias en su guion, que afectan a la continuidad mayoritariamente, y el uso un CGI que rompe con un aroma visual que rezuma a Anime noventero.

Poco después del estreno, Tatsuya Nagamine comentó desde su cuenta de Twitter lo que supuestamente vendría después de Dragon Ball Super: Broly: “Voy a tratar de tomar las cosas con un poco más de calma. Pero hagamos todo lo posible para crear un increíble anime y manga el año que viene” (41). Esto, además de significar que se hace necesario un descanso tras un arduo trabajo, parece indicar que cosas buenas están por llegar. De momento todo se mantiene por ahora en secreto, pero apunta maneras a que será un Anime y un Manga y no una nueva película. Sólo el tiempo podrá resolver dicha incógnita.

En cuanto a la película en sí, Dragon Ball Super: Broly tiene todos los ingredientes para ser una de las cintas favoritas de su público. Prácticamente podremos diferenciar dos partes muy marcadas. La primera de ellas lo conforma un más que interesantísimo en el que asistiremos al pasado entre Freezer, el Imperio Galáctico y el Planeta Vegeta y la segunda un largo, larguísimo, combate entre los pesos pesados de este magnífico Universo de Ficción que tantos buenos ratos nos ha hecho pasar. El diseño de los personajes y la animación nos retraen perfectamente a esos tiempos. Una pelea que dura más de cuarenta minutos y en la que el filme adopta la estructura básica de la que la serie hizo gala, es decir, habrá una nueva amenaza hiper poderosa capaz de acabar con la vida en nuestro planeta y que sólo Goku -acompañado esta vez de Vegeta- podrá detener. Es básicamente algo que podríamos denominar como Fórmula DragonBall y que todo fan seguramente reconocerá. En definitiva, es un entretenimiento efectivo que gustará, sobre todo, a los fans de toda la vida de DragonBall, pero que no defraudará tampoco a todo aquel aficionado o conocedor de la serie que pueda, por los motivos que sean, haberse bajado por el camino. No es necesario el conocimiento, aunque sí recomendable, de la última serie, DragonBall Súper, o de su película precedente, DragonBall Z: La Resurrección de F (Doragon Bōru Zetto: Fukkatsu no F, Tadayoshi Yamamuro, 2015). Es un auténtico Greastest Hits en el que veremos a muchos de los personajes secundarios conocidos y queridos por muchos de nosotros -especial atención, al menos para un servidor, con la aparición del Maestro Mutenroshi- y la adopción de la cíclica fórmula argumental que la serie de anime adoptó desde sus tiempos como DragonBall Z. Una oportunidad de volver a vivir combates imposibles y nuevas transformaciones de poder. Además de contar con un villano de excepción como es Freezer, un malvado que muchos de nosotros tenemos grabado a fuego en nuestros corazones ya que protagonizó una de las mejores etapas de DragonBall, y un nuevo personaje ultra poderoso como es Broly. No es un producto perfecto, pero sus aciertos compensan de sobras sus carencias y errores. Sin duda, una buena oportunidad para volver a subirse al carro de las Bolas de Dragón y revivir momentos y situaciones tan épicas como cargadas de nostalgia.

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(1)       https://www.animenewsnetwork.com/news/2018-03-27/toei-animation-to-establish-department-focused-on-dragon-ball/.129582

(2)       http://www.kanzenshuu.com/2018/03/12/official-website-2018-dragon-ball-film-key-staff-visual-release-date-toriyama-comment/

(3)       https://twitter.com/Herms98/status/990387986217881601

(4)       https://twitter.com/govetaxv/status/1002180686134980608?s=12

(5)       https://twitter.com/herms98/status/1008869969117843457?s=12

(6)        https://twitter.com/ToeiAnimation/status/1016431463103807488

(7)        https://twitter.com/ToeiAnimation/status/1016461323507396608/photo/1

(8) https://www.dragonball.uno/dragon-ball-super/dragon-ball-super-pelicula-presentan-el-nuevo-diseno-de-paragus-el-padre-de-broly/

(9) https://twitter.com/GovetaXV/status/1021428242526363648

(10) https://twitter.com/KenXyro/status/1025907565526503424

(11) https://twitter.com/db_super2015/status/1027315932752830464?s=12

(12) https://dragonballsuper-france.fr/dragon-ball-super-broly-personnages/

(13) https://twitter.com/KenXyro/status/1027898826735140869

(14) https://dragonball.news/news/dbmfl23.html

(15) https://twitter.com/Herms98/status/1030970736029052928

(16) https://dragonball.news/news/dbmfl26.html

(17) https://twitter.com/Herms98/status/1047332736715776001

(18) https://dragonball.news/news/dbmfl_sound.html

(19) http://www.kanzenshuu.com/2018/10/29/dragon-ball-super-broly-theatrical-film-receiving-light-novel-adaptation-by-masatoshi-kusakabe/

(20) https://twitter.com/KenXyro?lang=es

(21) https://twitter.com/ERCboxoffice/status/1074353152374128641

(22) https://mantan-web.jp/article/20190107dog00m200049000c.html

(23) https://deadline.com/2019/01/dragon-ball-super-broly-opening-day-domestic-box-office-1202536491/

(24) https://www.boxofficemojo.com/movies/?page=daily&id=dragonballzbroly.htm

(25) https://twitter.com/ERCboxoffice/status/1084513978288500737

(26) https://twitter.com/SelectaVision/status/1049953588301230080

(27) https://twitter.com/EmperorBigD/status/1053229696383619073

(28) https://twitter.com/SelectaVision/status/1067098262283452416

(29) https://www.msn.com/es-xl/video/viral/mercedes-hoyos-presenta-a-los-actores-de-doblaje-en-castellano-de-dragon-ball-super-broly/vp-BBSnuep

(30) https://twitter.com/SelectaVision/status/1094194226999496704

(31) https://www.ign.com/articles/2018/12/05/dragon-ball-super-broly-movie-review

(32) https://www.denofgeek.com/us/movies/dragon-ball/278608/dragon-ball-super-broly-review

(33) https://www.latimes.com/entertainment/movies/la-et-mn-dragon-ball-super-broly-review-20190116-story.html

(34) https://www.austinchronicle.com/events/film/2019-01-16/dragon-ball-super-broly/

(35) https://variety.com/2019/film/reviews/dragon-ball-super-broly-review-1203112731/

(36) https://www.fotogramas.es/peliculas-criticas/a26102657/dragon-ball-super-broly-critica-pelicula/

(37) https://elpais.com/cultura/2019/01/30/actualidad/1548887121_851343.html

(38) https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20190131/critica-dragon-ball-super-broly-7277012?fbclid=IwAR10QqpLzpteXBTdgK9X9mcW8v_VFPSdwG9d8-BRQQQ6FuXaaJ71Mep-4MU

(39) http://cinemania.elmundo.es/peliculas/dragon-ball-super-broly/critica/

(40) https://www.hobbyconsolas.com/reviews/critica-dragon-ball-super-broly-mejor-pelicula-goku-362451

(41) https://twitter.com/atagawaatami/status/1079660346967613440

El último boy scout

Siempre voy un poco a contracorriente y, en lugar de otras pelis con una visita más explícita del viejo Santa en el cuerpo narrativo, suelo revisitar ‘El Último Boy Scout’ (o cualquier peli con el nombre de Shane Black en los créditos) en fechas navideñas.
En el enlace podréis encontrar unas líneas que le he dedicado a esta pequeña joya del cine de acción noventero para el Especial de Navidad de La Abadía de Berzano. Espero que os guste.

La abadía de Berzano

elultimoboyscout-posterTítulo original:The Last Boy Scout

Año: 1991 (Estados Unidos)

Director: Tony Scott

Productores: Joel Silver, Michael Levi

Guionistas: Shane Black, Greg Hicks

Fotografía: Ward Russell

Música: Michael Kamen

Intérpretes: Bruce Willis (Joe Hallenbeck), Damon Wayans (Jimmi Dix), Chelsea Field (Sarah Hallenbeck), Noble Willingham (Sheldon Marcone), Taylor Negron (Milo), Danielle Harris (Darian Hallenbeck), Halle Berry (Corey), Kim Coates (Chet), Bruce McGill (Mike Matthews), Chelcie Ross (Senador Baynard)…

Sinopsis: Joe Hallenbeck es un investigador privado en horas bajas marcado por su pasado. Antaño fue uno de los más importantes agentes del servicio secreto norteamericano, carrera que se truncó al enfrentarse a un senador corrupto. Jimmy Dix es una estrella de fútbol caída en desgracia al verse inmerso en un supuesto escándalo de drogas. Dos tipos totalmente distintos que unirán fuerzas al verse involucrados en un caso de corrupción, promovido por altas esferas del deporte y la política.

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La Navidad, época propicia…

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Weird Shots 3ª edición – HORARIOS

Horarios

Miércoles 18 de diciembre*

18:00 – Presentación y agradecimiento a los asistentes

18:15 – Proyección del primer bloque de la Selección Oficial de Weird Shots compuesta por los siguientes cortometrajes:

  • Selfie de Rodrigo Zarza
  • Tierra trágame de Rubén Tadeo
  • Lázaro de Oscar Gagliardi
  • Grillface de Gus González
  • El nuevo Freddy de Ignacio Rodó
  • Celda Dual de Ignacio Malagón Del Río
  • Turno de noche de Juanjo Avi
  • Room for rent de Fernando Simarro
  • Sin ti de Allan J. Arcal
  • La increíble historia del hombre que podía volar y no sabía cómo de Manuel Rubio

19:45 – Charla “Palma también fue Grindhouse”

21:00 – Proyección de la película “¿Quién puede matar a un niño?”** de Narciso Ibáñez Serrador.

Jueves 19 de diciembre*

18:00 – Presentación y agradecimiento a los asistentes

18:15 – Proyección del segundo bloque de la Selección Oficial de Weird Shots compuesta por los siguientes cortometrajes:

  • The Skinner (La Peladora) de Finde Creativo!
  • Capitán Kinesis de Carles Jofre
  • Escalada de Nacho Solana
  • Cariño de Ángel Gómez Hernández
  • Lo siento mi amor de Eduardo Casanova
  • Mi hermano Juan de Cristina y María José Martín Barcelona
  • El llibre de Francesca Català
  • Evströnger de Silvia Conesa
  • Sonrisas de Javier Chavanel
  • Bailaora de Rubin Stein

20:30 – Proyección película “Aliens, el regreso (director’s cut)”**

ENTRADA LIBRE hasta completar aforo. Las entradas estarán a disposición del público en el teatro y podrán recogerse una hora antes del comienzo del evento. Teléfono: 971 710 986

* Programación susceptible de cambios de última hora

** Proyección en versión original subtitulada

El Mariachi

Aprovechando que el próximo viernes 1 de noviembre organizamos la Charla + Proyección de El Mariachi de Robert Rodríguez en el Casal Solleric de Palma, dentro del programa de la edición de este año de Còmic Nostrum Festival Internacional de Mallorca, os dejo aquí un artículo escrito por servidor para La Abadía de Berzano, el mejor blog para cinéfagos sin complejos de la red de redes!

Más info del evento: https://www.facebook.com/events/462456037687926/

La abadía de Berzano

El MariachiTítulo original:El Mariachi

Año: 1992 (México, Estados Unidos)

Director: Robert Rodríguez

Productores: Robert Rodríguez, Carlos Gallardo

Guionista: Robert Rodríguez

Fotografía: Robert Rodríguez

Música: Eric Guthrie, Chris Knudsone, Álvaro Rodríguez, Cecilio Rodríguez, Mark Trujillo

Intérpretes: Carlos Gallardo (Mariachi), Reinol Martínez (Azul), Peter Marquardt (Moco), Consuelo Gómez (Dominó), Jaime de Hoyos (Bigotón), Ramiro Gómez (Cantinero), Jesús López (viejo secretario), Luis Baró (asistente de Dominó), Oscar Fabila (The Boy), Poncho Ramón, Fernando Martínez (ratas de Azul), Manuel Acosta, Virgen Delgado, Juanita Vargas, Yolanda Puga (guardaespaldas), Walter Vargas, Roberto Martinez (prisioneros), Jaime R. Rodríguez, Luis Cadena, Afredo Martínez, Gerardo Jáquez, Mario Mata, Daniel Delgado, Rosendo Ortíz, César Cadena, José Salinas, Robert Santoyo, Sabas Pérez, Guadencio Martín, Juan Garcia, Máximo Martín, DiFonso Quezada, Manuel Vejor (hombres de Moco), Alfredo Cisneros (teclista), Alejandro Peña (Piña / Loco), Israel Reyes (Taco), Clara Scott (manicura de Moco), María Castillo, Samuel Quiroz, Roberto Delgado (carceleros), Fermín Barrón (conductor…

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Còmic Nostrum + Weird SciFi Show: Proyección de El Mariachi de Robert Rodríguez

El Festival Internacional de cómic de Mallorca, más conocido como “Còmic Nostrum”, celebrará este año su 12ª edición entre el miércoles 30 de octubre y el domingo 3 de noviembre. Organizado por el Clúster de Còmic i Nous Media de Mallorca, el festival tiene como objetivo principal promover el arte secuencial y facilitar su reconocimiento y correcto desarrollo estando dirigido tanto a profesionales como a aficionados, facilitando el encuentro con autores y editores internacionales, sin dejar de lado los aspectos más populares, como la organización de mercadillos. En él son habituales las colaboraciones con otros sectores, como los del circo, la música, el teatro o los Museos, habiendo presentado espectáculos audiovisuales y circenses, conciertos dibujados o lecturas dramatizadas de cómic. Este año el evento estará dedicado a ese gran país que es México.

Entre un sinfín de actividades, exposiciones y presentaciones diversas, el viernes 1 de noviembre a las 18:30h tendrá lugar en el Casal Solleric (Passeig del Born, 27) de Palma la proyección del debut cinematográfico de Robert Rodríguez, El Mariachi (Íd, 1992). Evento organizado por la comunidad de fans del género fantástico Weird Sci-Fi Show, cuyo creador y promotor, José Manuel Sarabia, hará las veces de anfitrión presentando y dando una breve charla previa a la proyección de la película en la cual intentará destacar los puntos clave de esta cinta que pusiera Hollywood de patas arriba contando además alguna que otra anécdota de su producción y rodaje. Una oportunidad ideal para recuperar una cinta especial con la que su responsable demostró que con valía y determinación se es capaz de hacer una buena película sin necesidad de cobijarse bajo la sombra de un gran estudio y un desorbitado presupuesto. Evidentemente hacer cine cuesta menos que tener talento.

Más información sobre “Còmic Nostrum” en la web del Clúster de Còmic i Nous Media de Mallorca: http://www.comicmallorca.com/ca/comicnostrum2019/

WeirdShots 3a Edición

El Certamen

Si nos ceñimos a la definición de la palabra “cortometraje” contenida en el diccionario de la Real Academia Española, un “cortometraje” es una “Película de corta e imprecisa duración”. Sin embargo, tal afirmación puede antojarse insuficiente ya que el universo de este tipo de cine contenido, de estas historias comprimidas, en pequeño formato abarca mucho más. Las nuevas tecnologías han facilitado que todos aquellos creadores, poseedores de grandes e imaginativas ideas, puedan acercarse a una forma de ver el Séptimo Arte tan especial. Un “cortometraje” es la tarjeta de presentación de muchos de nuestros futuros cineastas. Un “cortometraje” posibilita que el espectador pueda asomarse a universos personales e intransferibles de forma concisa, de forma breve, pero tanto o más enriquecedora que como pueda hacerlo con su considerado hermano mayor, el “largometraje”.

Actualmente vivimos un ciclo de plenitud del formato. La oferta es completísima y considerable. La calidad de muchos de los trabajos es inconmensurable. Sin embargo, el “cortometraje” se desenvuelve en unas condiciones muy complicadas. Su vida comercial es exigua. Sus creadores se ven enfrentados, ya no sólo a las mismas adversidades (económicas, de producción y/o distribución) que aquellos realizan largometrajes, sino que normalmente sus historias, resueltas con brevedad, se ven destinadas a nichos de público mucho más reducidos. Algo que aumenta exponencialmente si hablamos de cortometrajes del denominado como “Género Fantástico”, un género que aglutina en su haber el terror, la ciencia ficción y la fantasía, tanto de forma separada como conjunta. Un género que vive en estos momentos una época de bonanza gracias a las populares superproducciones de las majors de Hollywood, pese a considerarse por parte de gran parte de la crítica y público como un divertimento y un ejercicio de evasión. Sin embargo, el “Fantástico” es el vehículo ideal para hacer crítica socio-política o económica con objeto de poner en evidencia los defectos (raramente las bondades) de nuestra sociedad extrapolándolos en futuras historias distópicas, maravillosos mundos extraterrestres o angustiosos relatos donde el lado oscuro del ser humano muestra su peor cara. Las limitaciones del cortometraje del “Fantástico” obligan, a su vez, a sus creadores a agudizar su inventiva. Pese a que las herramientas digitales y el abaratamiento de los equipos de grabación han permitido que se multipliquen los cortos con buena imagen y buenos efectos especiales, la imaginación y el ingenio suelen suplir todo aquello que las limitaciones presupuestarias no permiten. Si en una película convencional dichos limites se notan, en un cortometraje se hacen mucho más patentes. La posible agudeza, el genio de sus responsables, es un valor al alza cuando se resuelven de forma brillante. En un cortometraje, llevados a buen puerto, se convierten en una pieza clave. Es un elemento fundamental que puede marcar la diferencia. Es por ello que, en la humilde opinión de aquel que suscribe estas palabras, se debe apoyar incondicionalmente a estas nuevas promesas del medio con tal de que en un futuro puedan maravillarnos con sus trabajos y, de paso, llenar salas de cine.

Contenido 

WeirdShots se celebrará el próximo 18 y 19 de diciembre de 2019 en el Teatre Municipal Catalina Valls (Passeig Mallorca, 9) de Palma y se compondrá de:

  • Selección Oficial de cortometrajes finalistas del certamen
  • Charla: “Palma también fue Grindhouse” (un recorrido por los programas dobles de las antiguas salas de cine de Ciutat)
  • Proyección de la película ¿Quién puede matar a un niño?* (1976) de Narciso Ibáñez Serrador
  • Proyección de la película Aliens, el regreso* (1986) de James Cameron

* Proyecciones en versión original subtitulada

Los cortometrajes

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  • Capitán Kinesis de Carles Jofre
  • Cariño de Ángel Gómez Hernández
  • Evströnger de Silvia Conesa
  • Selfie de Rodrigo Zarza
  • Mi hermano Juan de Cristina y María José Martín Barcelona
  • Celda Dual de Ignacio Malagón Del Río
  • Turno de noche de Juanjo Avi
  • Lázaro de Oscar Gagliardi
  • Escalada de Nacho Solana
  • Tierra trágame de Rubén Tadeo
  • Sin ti de Allan J. Arcal
  • Sonrisas de Javier Chavanel
  • Bailaora de Rubin Stein
  • The Skinner (La Peladora) de Sergio Hidalgo
  • Room for rent de Fernando Simarro
  • El nuevo Freddy de Ignacio Rodó
  • La increíble historia del hombre que podía volar y no sabía cómo de Manuel Rubio
  • El llibre de Francesca Català
  • Grillface de Gus González
  • Lo siento mi amor de Eduardo Casanova

El Jurado

MARCHENA FOTO:PERE BOTA

Gemma Marchena Delgado (Mallorca, 1976). La carrera de Gemma Marchena comenzó cuando se hizo con el premio Coca Cola de Baleares con su redacción “Los bomberos y las inundaciones”. Desde entonces se dedicó a teclear furiosamente su Olivetti Lettera 32 con el objeto de convertirse en escritora. Licenciada en Periodismo, ha trabajado para diversos medios como Mallorcadiario.com, ADN Mallorca y otras empresas de comunicación de Mallorca. Actualmente se encuentra en la plan- tilla del departamento de Cultura de la redacción del periódico Última Hora. En 2016 publica su pri mera novela (y esperemos que no sea la última) “El pozo. La ola de ira que arrasó Andratx”, una perfecta combinación entre el terror patrio y el Stephen King de la década de los ochenta.

javi-pueyo

Javier Pueyo Madroñero (Mallorca, 1985). Cortometrajista y crítico de cine, desde 2009 realiza crítica cinematográfica colaborando con diferentes medios (El buque maldito, Fancine, Amazing Monsters, Diari de Balears, IB3 Radio…). Autor de “Lucio Fulci. Autopsia de un cineasta” (Tyrannosaurus Books, 2015) así como integrante del libro colectivo “Zombie Films. Vol.1, Europa” (Dolmen, 2011) ha dirigido también varios cortometrajes, entre ellos Rates (Primer Premio Art Jove’12, Primer Premio en la II La Nit + curta, Mejor guión en el Suspiria Fest’13), 89% o los documentales Diario íntimo de una actriz (Mención especial del jurado en el Mèdit ‘15) y Víctor Uris: els camins del blues.

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José Luis Salvador Estébenez (Madrid, 1979). Crítico de cine. Fundador del popular blog “La Abadía de Berzano”, José Luis Salvador colabora asiduamente en diversidad de medios como la prestigiosa revista especializada Dirigido por, así como El buque maldito o Amazing Monsters. Como escritor ha participado en libros de cine colectivos como “Las pesadillas de Wes Craven” (Arkadin Ediciones, 2016), “Ópera Prima: de la independencia al blockbuster” (AppleHead, 2018), “Paul Naschy – Jacinto Molina. La dualidad de un mito” (Vial of Delicatessens, 2017) y “La casa de los horrores de Tobe Hooper” (Vial of Delicatessens, 2019). Los dos últimos coordinados por él mismo en calidad de editor.

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Jaume Albertí Blázquez (Mallorca, 1973). Propietario y gerente del establecimiento especializado en cómic mejor considerado de Ciutat, Gotham Còmics, Jaume desarrolla paralelamente una actividad como promotor cultural tanto colaborando con el Clúster de Còmic i Nous Mèdia de Mallorca, organizadores de CòmicNostrum. Festival Internacional de còmic de Mallorca como con la promoción de promesas locales con las publicaciones de su propia editorial, Llibres Lem, con publicaciones como “Ecos de Otras Dimensiones. De Arkham a Gotham” (Llibres Lem, 2018), una antología de cuentos de terror de inspiración Lovecraftiana o “La nova onada d’autors emergents” (2016), publicación colectiva de guionistas y dibujantes de cómic de las Illes Balears.

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Xavier Borrull Caballero (Mallorca, 1975). Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Cardenal Herrera-CEU, Xavier es un cinéfilo empedernido que desarrolla su actividad profesional como operador de cámara para los informativos de nuestra televisión autonómica IB3. Su pasión por la informática y los videojuegos le llevaron a ser co-fundador y consultor visual de Mansion Games, una startup dedicada al desarrollo de videojuegos con plena vocación transmedia. Un nuevo concepto de entretenimiento con una narrativa y arte muy cuidados.

Palma también fue Grindhouse

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Palma también fue Grindhouse” es el proyecto de Juan Villafafila y Pako Navarro en el que estos dos auténticos cinéfilos rememoran tiempos mejores para los cines como emplazamiento para el visionado de películas. Con una serie de charlas y un blog dedicado -teniendo como leitmotiv el rescate de los anuncios de prensa que anunciaban los antológicos programas dobles que se programaban en los cines de barrio de Palma de Mallorca hace ya algunas décadas – estos dos cinéfagos pretenden mostrar al mundo que esos años comprendidos entre 1970 y 1985 son los últimos años en los cines eran eso: cines. Templos de culto donde se proyectaban filmes para el deleite de la audiencia. Más información de este interesante proyecto aquí

Películas

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¿Quién puede matar a un niño? (Íd, Narciso Ibañez Serrador, 1976). Tom y Evelyn son una pareja de turistas ingleses que viaja a una población costera española para disfrutar al fin de una tardía luna de miel. Sin embargo, cuando llegan, se quedan decepcionados: el lugar es demasiado bullicioso para pasar las tranquilas vacaciones que ellos habían planeado. Deciden entonces alquilar una barca para visitar una pequeña isla en la que Tom había estado cuando era más joven. Su sorpresa será mayúscula cuando descubran que los únicos habitantes de la isla son niños, unos niños que, animados por una misteriosa fuerza, se rebelan contra los adultos.

Aliens

Aliens, el regreso (Aliens, James Cameron, 1986). La comandante Ripley, única superviviente del Nostromo, es encontrada flotando en el espacio por una nave de reconocimiento que la lleva hasta una base cercana a la Tierra. Una vez allí se entrevista con las autoridades, a las que alerta de la existencia de una forma de vida asesina en el planeta LV-426 el cual, durante el tiempo que Ripley ha permanecido perdida en el espacio, ha sido colonizado. Cuando se pierde la comunicación con dicha colonia, Ripley acepta volver junto a una expedición formada por un grupo de marines que viajará al planeta con la misión de descubrir lo que ha pasado.

Horarios

Miércoles 18 de diciembre*

18:00 – Presentación y agradecimiento a los asistentes

18:15 – Proyección del primer bloque de la Selección Oficial de Weird Shots compuesta por los siguientes cortometrajes:

  • Selfie de Rodrigo Zarza
  • Tierra trágame de Rubén Tadeo
  • Lázaro de Oscar Gagliardi
  • Grillface de Gus González
  • El nuevo Freddy de Ignacio Rodó
  • Celda Dual de Ignacio Malagón Del Río
  • Turno de noche de Juanjo Avi
  • Room for rent de Fernando Simarro
  • Sin ti de Allan J. Arcal
  • La increíble historia del hombre que podía volar y no sabía cómo de Manuel Rubio

19:45 – Charla “Palma también fue Grindhouse”

21:00 – Proyección de la película “¿Quién puede matar a un niño?”** de Narciso Ibáñez Serrador.

Jueves 19 de diciembre*

18:00 – Presentación y agradecimiento a los asistentes

18:15 – Proyección del segundo bloque de la Selección Oficial de Weird Shots compuesta por los siguientes cortometrajes:

  • The Skinner (La Peladora) de Finde Creativo!
  • Capitán Kinesis de Carles Jofre
  • Escalada de Nacho Solana
  • Cariño de Ángel Gómez Hernández
  • Lo siento mi amor de Eduardo Casanova
  • Mi hermano Juan de Cristina y María José Martín Barcelona
  • El llibre de Francesca Català
  • Evströnger de Silvia Conesa
  • Sonrisas de Javier Chavanel
  • Bailaora de Rubin Stein

20:30 – Proyección película “Aliens, el regreso (director’s cut)”**

ENTRADA LIBRE hasta completar aforo. Las entradas estarán a disposición del público en el teatro y podrán recogerse una hora antes del comienzo del evento. Teléfono: 971 710 986

* Programación susceptible de cambios de última hora

** Proyección en versión original subtitulada

Colabora

BNI Evolución / Frau Automóviles / Sputnik Radio / Gotham Còmics /

Ajuntament de Palma / Teatre Catalina Valls / Kaito Shop / Ciclos Marín

 


 

One Cut of the Dead

One Cut of the Dead es una de esas joyitas destinada a convertirse, por méritos propios, en una cinta de culto. Tras un exitoso periplo por festivales de todo el mundo, la peli ha logrado estrenarse en muchos países, incluido el nuestro. Podéis leer mi crítica de la película de Shinichiro Ueda en La Abadía de Berzano!!!

La abadía de Berzano

One Cut of the Dead-posterTítulo original:Kamera o tomeru na!

Año: 2017 (Japón)

Director: Shinichirô Ueda

Productor: Koji Ichihashi

Guionista: Shinichirô Ueda

Fotografía: Takeshi Sone

Música: Nobuhiro Suzuki

Intérpretes: Takayuki Hamatsu (Takayuki Higurashi), Yuzuki Akiyama (Aika Matsumoto), Harumi Shuhama (Harumi Higurashi), Mao (Mao Higurashi), Kazuaki Nagaya (Kazuaki Kamiya), Hiroshi Ichihara (Kasahara), Manabu Hosoi (Manabu Hosoda), Sakina Asamori [acreditada como Sakina Iwaji], Takuya Fujimura, Ayana Gôda, Manabu Hosoi, Satoshi Iwagô, Kyôko Takahashi, Yoshiko Takehara, Tomokazu Yamaguchi, Shuntarô Yamazaki, Miki Yoshida, Shin’ichirô Ôsawa…

Sinopsis: Un déspota y perfeccionista hasta el extremo director y su equipo filman una película de zombis de bajo presupuesto en una instalación militar abandonada. El rodaje se convertirá en una pesadilla cuando sean atacados por los mismos muertos vivientes que hasta el momento sólo existían en la ficción.

One Cut of the Dead-1

En el seno de un subgénero tan trillado como el zombi sería raro que, a estas alturas, se nos pueda ofrecer novedad alguna o…

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La noche de Halloween (Halloween, David Gordon Green, 2018)

La Noche de Halloween Halloween David Gordon Green 2018 (19)

Titulo original: Halloween / Año: 2018 / País: Estados Unidos / Duración: 109 min. / Director: David Gordon Green / Guión: Producción: Jason Blum, Malek Akkad, Bill Block / Fotografía: Michael Simmonds / Música: John Carpenter, Cody Carpenter, Daniel Davies / Diseño de Producción: Richard A. Wright / Montaje: Tim Alverson / Reparto: Jamie Lee Curtis (Laurie Strode), Judy Greer (Karen Strode), Andi Matichak (Allyson), James Jude Courtney (Michael Myers), Nick Castle (Michael Myers), Haluk Bilginer (Dr. Sartain), Will Patton (oficial Hawkins), Rhian Rees (Dana Haines), Jefferson Hall (Aaron Korey), Toby Huss (Ray), Virginia Gardner (Vicky), Dylan Arnold (Cameron Elam), Miles Robbins (Dave), Drew Scheid (Oscar), Jibrail Nantambu (Julian)


Cuarenta años han pasado desde aquella fatídica noche de Halloween de 1978 en la que la joven Laurie Strode sobrevivió al ataque por parte del perturbado Michael Myers, quien asesinara a sus amigos, en la pequeña localidad de Haddonfield, Illinois. Strode, ahora apartada de la sociedad, no ha logrado pasar página y ha consagrado su vida a su preparación, física y mental, con objeto de acabar con la vida de aquel que ha arruinó la suya. Por otro lado, Myers, encerrado durante esas largas cuatro décadas en un sanatorio mental, ha escapado durante un traslado. Ahora está suelto sin control en Haddonfield y Strode podrá acabar con él de una vez por todas. ¿O no?


Después de cuarenta años, los transcurridos desde que apareciera en las pantallas de las salas de cine el seminal filme “La Noche de Halloween” (Halloween, John Carpenter, 1978), la historia es bien conocida por cualquier aficionado al género. Tan conocida, tan sabida, que podría dejar de considerarse una historia -en el sentido más generalista de la palabra- para ser Historia (o Leyenda) del Séptimo Arte. Pero (Por si acaso hay algún recién llegado o, en su defecto, despistado en la sala), recapitulemos y retrocedamos hasta aquella maravillosa década de los setenta. Periodo fructífero para el género del terror -con su irrupción, gracias a títulos amparados por los grandes estudios, dentro del circuito Mainstream o considerado más serio por la crítica especializada- y en la que podíamos encontrar a más gente del mundo del cine tratando de emular la notoriedad (sobre todo económica) de las cintas más exitosas que protagonizaron las pesadillas del público de la época. Sin dejar de lado el hecho del contexto socio-económico en el que se encontraban los Estado Unidos, sumidos en una grave crisis que acabaría con el estado de bienestar precedente. Sumando a ello un ambiente de descontento generalizado por las clases medias y más humildes, así como sus jóvenes.

La Noche de Halloween Halloween David Gordon Green 2018 (7)

Este momento, momento en el que fructificará el género denominado como “American Gothic”, fue el telón de fondo en el que muchas de las cintas circunscritas a este “Cine de horror típicamente estadounidense” (1) reflejaron la realidad de su momento. El crítico e historiador cinematográfico patrio Antonio José Navarro, en el ensayo coordinado por él mismo titulado “American Gothic. El Cine de terror USA 1968-1980”, afirma que “Localizado fundamentalmente entre 1968, año en que se produce la Ofensiva del Tet en Vietnam (21 de enero – 23 de febrero), y la llegada a la presidencia de Ronald Reegan en noviembre de 1980, el ‘American Gothic’ se ciñe principalmente a producciones de bajo presupuesto y algún que otro producto amparado por una ‘major’, y aborda lo terrorífico y lo fantástico -radicado siempre en los USA- desde una perspectiva contemporánea” (2). Según Navarro (y otros tantos estudiosos que han vertido ríos de tinta sobre el tema que nos ocupa), estos filmes “Ilustraban, de forma fehaciente, aunque muy dispar, las inquietudes que durante algo más de una década atenazaron a los ciudadanos norteamericanos” (2).

Pero volviendo a “La Noche de Halloween” (Halloween, John Carpenter, 1978) y resumiendo al máximo (no es este ni el momento ni el lugar y gente mucho mejor que un servidor ha escrito sobre el tema), nos encontramos ante la cinta que -sabiendo de sobra que no fue la primera en su especie- puso las bases del fructífero y posteriormente explotado (sub)género “Slasher”. Ese mismo tipo de películas en las que un asesino -misterioso o no- con ciertos aires sobrenaturales -o no- se dedica, arma blanca fálica de gran tamaño en mano, a asesinar a jovenzuelos -y jovenzuelas-. Viendo el resultado de la cinta -convertida en clásico indiscutible- es más que evidente que el advenedizo y futuro “Director de Culto” John Carpenter no era consciente de que estaba grabando a fuego su nombre dentro de la historia del cine. Más bien, es más probable que el director de Carthage pusiera toda la carne en el asador convirtiendo una simple historia de asesinatos en un complejo y calculado ejercicio cinematográfico. Nunca sabe el novel cuando podrá volver a sentarse tras las cámaras.

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La entonces primera entrega (en aquel momento ni siquiera entraba en los planes de sus responsables convertirla en franquicia) del implacable asesino Michael Myers -y su némesis, el doctor Samuel Loomis- tuvo, por un lado, el mérito de multiplicar los exiguos 300.000 dólares de su presupuesto en unos 55 millones de dólares de recaudación en taquilla y, por el otro, en sentar las bases antes mencionadas y los lugares comunes más típicos que multitud de subproductos, sin complejo alguno, copiaron con descaro (siempre teniendo en cuenta los aspectos más gráficos e incluso exagerándolos hasta el paroxismo). No es baladí afirmar que sin la cinta de Carpenter y la figura de Michael Myers, el “Boogieman” más icónico de la cultura popular, es poco probable (aunque no imposible) la llegada del resto de “Hombres del Saco” posteriores, es decir, de los Jason Voorhees de la saga “Viernes 13” (Friday the 13th, Sean S. Cunningham, 1980), el desfigurado Freddy Krueger de “Pesadilla en Elm Street” (A Nightmare on Elm Street, Wes Craven, 1984), el casi desconocido Cropsy de “La Quema” (The Burn, Tony Maylam, 1981), el amigable Chucky de “Muñeco Diabólico” (Child’s Play, Tom Holland, 1988) o el más moderno GhostFace de “Scream: Vigila quien Llama” (Scream, Wes Craven, 1996) entre otros muchos -muchísimos- anónimos matarifes enmascarados. Quizá incluso tampoco se hubiera coronado como “Reina del grito” la hija de Tony Curtis y Janet Leigh, Jamie Lee Curtis.

Curtis, al igual que Carpenter -pero por otras razones-, acabaría desvinculándose de la (ya convertida en) saga que le dio fama. Tras la segunda entrega, aquí en España extrañamente titulada como “Halloween II: ¡Sanguinario!” (Halloween 2, Rick Rosenthal, 1981), la joven actriz -curtida ya en lo que se refería a enfrentamientos con psicópatas- daba carpetazo a su bagaje como “Scream Queen” hasta que, ya metidos en la década de los noventa y con una renovada fiebre por el “Slasher” -culpable de ello fueron el director Wes Craven y el guionista Terry Williamson-, la Curtis volvió al redil. En esa ocasión se celebraba el vigésimo aniversario del estreno de la cinta original y la criatura se llamaba “Halloween H20: 20 Años Después” (Halloween H20: 20 Years Later, Steve miner, 1998). Pese a que en una reciente entrevista para Variety ha manifestado que intervino en dicho filme por dinero, se dice -se comenta- que no sólo accedió a volver a enfrentarse a su hermano en la ficción, sino que se esforzó y puso de su parte para que Carpenter también se reencontrara con los personajes que le hicieron popular. Todos sabemos que no fue así y que un artesano del fantástico como Steve Miner realizó un trabajo lo suficientemente notable -con una abultada recaudación mediante- como para volver a insuflarle vida a las andanzas de Myers tras una irregular saga. Pese a ello, la historia se acabaría repitiendo y el público dejaría de respaldar la siguiente (e infecta) entrega acabando por dejar de lado -tras las dos entregas Remake/Reboot “Halloween: El Origen” (Halloween, 2007) y “Halloween II” (íd, 2009) dirigidas por Rob Zombie- al famoso asesino de la customizada máscara del Capitán Kirk de “Star Trek” (íd, 1966-1969).

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La vida de Michael Myers, tanto en la ficción como fuera de ella, nunca ha sido fácil. Siempre ha estado llena de altibajos y decisiones arriesgadas que no han llegado a buen puerto. El listón se dejó demasiado alto desde el primer momento y, como se suele decir coloquialmente, “Nunca ha llovido a gusto de todos”. La franquicia siempre ha sido criticada -o como mínimo ha dividido a un “Fandom” misteriosamente cruel con la saga cuando ha sido mucho más benevolente con sus imitadores- tanto cuando ha seguido una línea conservadora y ceñida al encorsetado esquema inicial creado por Carpenter como cuando ha optado por darle un giro al concepto. Entre los ejemplos más claros de la primera tendencia tenemos la secuela inmediata, “Halloween II: ¡Sanguinario!”, así como “Halloween 4: El Regreso de Michael Myers” (Halloween 4: The return of Michael Myers, Dwight H. Little, 1988) o el Remake  de Rob Zombie. Y entre los de la otra vertiente, el más evidente fue la salida por la tangente de John Carpenter y Debra Hill con “Halloween III: El Día de la Bruja” (Halloween III: Season of the Witch, Tommy Lee Wallace, 1982), el ridículo “Reality Show” con Myers como protagonista de “Halloween: Resurrección” (Halloween: Resurrection, Rick Rosenthal, 2002) o el enfoque más cercano al “Arte y ensayo” de la secuela del remake de Zombie de 2009. De hecho, con esta última aventura se dio carpetazo al personaje y se le condenó al ostracismo. Tal vez porque no había nada más que contar. ¿O no? Con otra importante fecha efeméride en ciernes, la del cuarenta aniversario, los medios de comunicación se hacía eco de la noticia: John Carpenter volvía a estar involucrado en una película de la saga -aunque no como director- y la protagonista sería, nada más y nada menos que, Jamie Lee Curtis. Ambos también realizan en la cinta labores de producción ejecutiva y Carpenter ha participado en su banda sonora. Es tontería señalar que ese día las redes ardieron.

Una vez puestos en situación, vale la pena comentar un aspecto que vuelve a repetirse dentro de la historia de la franquicia, es decir, la recurrente eliminación del “canon” de aquellas entregas no del gusto de los responsables de turno. Si hasta la sexta parte  “Halloween: La Maldición de Michael Myers” (Halloween: The Curse of Michael Myers, Joe Chappelle, 1995) nos encontrábamos ante una “Novela río”, una continuidad tradicional -con la excepción de la tercera entrega que no tenía ver con nuestro asesino favorito-, al llegar a la película que conmemoraba el aniversario número veinte de la cinta de Carpenter se borraba toda existencia de la denominada “Trilogía de Jamie Lloyd” (La sobrina del famoso “Boogieman” en esa dimensión alternativa del “Halloweenverso”) que conformaban las entregas de la cuarta a la sexta y enlazaba directamente con la primera secuela dirigida por Rick Rosenthal. Tras el fiasco de “Halloween: Resurrección”, Rob Zombie firmaba su particular Reboot dividiendo aún más al “Fandom” y creando su propio universo. Por su parte, la nueva cinta dirigida por David Gordon Green, abre otra historia que transcurre cuarenta años después de “La Noche de Halloween” (Halloween, John Carpenter, 1978) original dejando totalmente de lado toda entrega de la saga que no sea la seminal. Con ello, y con las matemáticas como aliadas, podemos contar hasta cuatro líneas temporales -cinco si tuviéramos en cuenta el episodio del doctor Challis con las máscaras Shamrock-. Algo que acabaría por marear a todo un curtido en el tema como el doctor Emmet Brown de “Regreso al Futuro” (Back to the Future, Robert Zemeckis, 1985) o ríanse ustedes del “Multiverso súper heroico” de los “Súperhéroes” de la “DC Comics”. Como he comentado antes, la vida de Michael Myers nunca ha sido sencilla y podemos ver incluso como, de un plumazo, el responsable de turno acaba inflexiblemente con sus lazos familiares -eso da incluso más miedo-.

La Noche de Halloween Halloween David Gordon Green 2018 (4)

Sin embargo, todo eso acaba por importar lo más mínimo al respetable puesto que cuando uno se sienta en la butaca del cine para enfrentarse a los 109 minutos de duración de la nueva “La Noche de Halloween” solamente lo hace para ver el enfrentamiento que previamente se nos ha vendido. Nada importa más que el “Cara a cara” -sean hermanos o no- de Michael Myers y Laurie Strode. Una Laurie Strode que, al igual que su homónima en “Halloween H20: 20 Años Después”, vive marcada por el pasado. Un pasado que no logra olvidar ni superar, que no sólo ha estado presente durante los largos cuarenta años que separan la acción desde los sucesos acaecidos en la noche del 31 de octubre de 1978 sino que también ha afectado a la faceta más importante -o de las más importantes- para una mujer: Su faceta como madre. Aquella fatídica noche en la que Myers decidió acabar con los amigos de la joven Laurie, no sólo traumatizó al personaje encarnado por Jamie Lee Curtis, sino que, indirectamente, su futura hija -y, por extensión, nieta- sufrirán las consecuencias. La antaño joven Strode, ahora convertida en abuela coraje, ha consagrado su vida entera a aquello que la martirizaba desde aquella funesta noche de Halloween, es decir, a prepararse para el combate definitivo contra su agresor. Y, cual Sarah Connor en “Terminator 2: El Juicio Final” (Terminator 2: Judgment Day, James Cameron, 1991), su hija Karen -interpretada aquí por la actriz Judy Greer- se vería inmersa, en contra de su voluntad, en tal despliegue preventivo. Esta incapacidad por llevar una vida normal, e incluso por “echarse a la bebida”, no es nueva. Hace dos décadas, Curtis ya puso cara a una madura Laurie incapaz de superar sus miedos y llevar una vida feliz. Sin embargo, aquí David Gordon Green va un paso más allá convirtiéndola en una huraña y arisca guerrera en un intento de convertir esta vez al depredador en presa. Es por ello que nada de lo que ocurra durante el desarrollo del metraje no deba eclipsar o pueda interesar más al espectador que aquello a lo que ha acudido al cine: el ya mencionado “Tête à tête” entre Jamie Lee y Michael Myers -interpretado (compartiendo el personaje con el actor James Jude Courtney) por aquel que, fruto de la casualidad o de las restricciones presupuestarias, diera vida y un particular lenguaje corporal a nuestro “Hombre del saco” favorito en el 78, Nick Castle-. En esta ocasión, serán las protagonistas femeninas las que dejarán de lado el habitual rol de víctimas para tener un papel más proactivo frente a la amenaza, una clara señal de los tiempos en los que vivimos.

En opinión de un servidor, tanto da arrancar del “Canon” todo lo anterior porque no importa. Salvo que dicha maniobra esconda las intenciones -y visto el resultado, muy evidentes- de “Rebootear” la saga con una cinta que, más que una secuela, parece un completo homenaje a toda la franquicia. Los 77 millones de dólares recaudados en su primer fin de semana en EEUU son claro indicio de que no será la última vez que veamos al asesino de la máscara blanca. Cuando digo que esta nueva versión -o secuela, como prefiramos llamarla- de “La Noche de Halloween” es un homenaje a toda la saga -además de a la cinta original- es porque este producto perpetrado por Universal, Miramax y Blumhouse está repleto de situaciones y lugares comunes que todo Fan de las aventuras de Michael Myers ha podido ver en las cintas previas. Salvo un par de detalles y subtramas dentro la trama principal -que lamentablemente no llegan a nada inédito, pese a parecer en algún momento podían aportar elementos novedosos- todo lo que ocurre lo conocemos de sobras. Todos los tópicos y clichés vistos en cada una de las entregas de “La Noche de Halloween” están presentes. Personajes, estructuras, estampas y planos calcados incluidos. Veremos el sanatorio de Smith’s Grove, a sus pacientes deambulando como Zombies por la carretera, a un sosia del doctor Loomis (Aquí llamado doctor Sartain e interpretado por el actor de origen turco Haluk Bilginer), a un agente de la autoridad abrumado por la macabra realidad, jovenzuelos con pensamientos oscuros (Esos tan propios de la adolescencia), un barrio residencial con calles abarrotadas de niños disfrazados y otras tan desiertas y oscuras que se hace evidente no recomendar su tránsito por ellas, patios traseros por los que colarse y degollar a los habitantes de su viviendas, armarios en los que esconderse, la voz en Off del actor Donald Pleasance, una gasolinera masacrada por nuestro “Boogieman”, la incógnita de un posible relevo generacional o, por supuesto, una máquina de matar suelta sin control en una pequeña localidad del medio oeste de los “Estados Unidos”. Sin dejar de lado la banda sonora en la que el maestrom Carpenter, junto a su hijo Cody, ha participado. Sí, señoras y señores, saga “Halloween” en estado puro.

 

La Noche de Halloween Halloween David Gordon Green 2018

Es por ello por lo que me resulta difícil decidir si, tras visionar el filme, he visto una secuela más, un “Remake” encubierto o un “Reboot” de la serie. Todo ello pensando como pensaría un “Fan” veterano. Sin embargo, como es costumbre, el sino de los tiempos cambia -pese a que, en cierta medida, nos resistamos a ello- y “Hollywood” no ceja en su empeño de contar de nuevo sus viejas historias (dejemos de lado, para otro día, el sempiterno debate de la escasez de ideas de la “Meca del cine”) adaptándolas a los gustos de los nuevos espectadores. Parece como si los responsables de revivir a Michael Myers hayan tomado todo lo que funcionaba -o les gustaba- de sus andanzas previas y hayan decidido incorporarlo a la nueva película convirtiéndola en un refrito afín a las nuevas tendencias, pero siendo totalmente respetuosos con el material primigenio. Por un lado, tendremos todo lo que ha convertido al clásico de Carpenter en clásico y, por el otro, los elementos que el público actual demanda en este tipo de productos. No faltarán elementos que funcionarán como alivios cómicos -supongo que con objeto de relajar una tensión que los estómagos de los Teenagers más Mainstream de los “Dosmiles” no acaban de digerir bien-, así como ciertas dosis de “Gore” y violencia explícita inéditas -como mínimo antes de las cintas dirigidas por Rob Zombie- en la franquicia más clásica. Y ya que he mencionado el nombre del marido de la bellísima Sheri Moon Zombie, se ha optado por darle continuidad al Look del que Myers hacía gala en el film de 2007. Es decir, la máscara gastada y sucia –aquí más centrada en simular la vejez del personaje que su grado de locura- en contraposición a esa faz de blanco nuclear de las entregas precedentes. Y no sólo su imagen, el “Boogieman” de la nueva línea temporal es tan salvaje y violento como el de las películas del director de “La Casa de los 1000 Cadáveres” (House of 1.000 Corpses, Rob Zombie, 2003).

Pero que el espectador no se alarme, no se eche las manos a la cabeza y piense que nos encontramos ante un mal producto o una adaptación para “Milenials” de su clásico del terror favorito. Todo lo contrario. Al menos en opinión de quien suscribe estas palabras. “La Noche de Halloween” de David Gordon Green es un cuidado ejercicio cinematográfico que, evidente es, no alcanza las cotas del original, pero que tiene los visos de convertirse en un digno sucesor. El filme resultante es uno filmado con buen pulso, calculado milimétricamente para agradar tanto a “Rookies” como veteranos y capaz de mantener al público expectante durante su metraje, pese a cometer ciertos errores al abrir vías que se cerrarán de la forma más convencional ya que nada ni nadie puede eclipsar aquello que hemos ido a presenciar: el “Combate Final” entre dos viejos antagonistas. Y eso no es fácil, es decir, aguantar todo el viaje, sin bostezar, sabiendo de antemano su final es algo que tiene su relativo mérito. La crítica, como es de prever, está algo dividida siendo más abultadas las alabanzas que los puñales de sus detractores, pero ¿podemos decir que es la mejor secuela de la saga, como apunta la crítica especializada? Un servidor no llegaría tan lejos, pero sí afirmaría que es una muy buena oportunidad de darle un final digno -cosa que dudo- al personaje de Michael Myers haciendo “Borrón y cuenta nueva”. Sólo el tiempo lo dirá.

Apéndice:

(1) “American Gothic: El cine de terror USA 1968-1980” (Antonio José Navarro, [Coordinador], “Donostia Kultura”, 2007 [Pág. 12])

(2) “American Gothic: El cine de terror USA 1968-1980” (Antonio José Navarro, [Coordinador], “Donostia Kultura”, 2007 [Pág. 13])

La Noche de Halloween Halloween David Gordon Green 2018 (9)

El Rey Araña (Joss Vann, Simone D’Armini)

El Rey Araña Joss Vann Simone D’Armini (1)

Titulo original: The Spider King / Guión: Joss Vann / Dibujo: Simone D’Armini / Portada: Simone D’Armini / Formato: Rústica / Páginas: 112 pags. / Editorial: Grafito Editorial / Precio: 16 € / ISBN: 978-84-947670-2-9


Año 956 D.C. Cuando el rey del clan Laxdalo del Norte fallece, su hijo y heredero, el joven Hrolf, se ve obligado a asumir el liderazgo de su clan en una cruenta guerra contra su tío Aarek El Lobo, aspirante y usurpador del Trono, por el control del territorio. Años más tarde, cuando Aarek está cercano a la victoria, su sangriento conflicto es interrumpido por una invasión alienígena.


Si por algo se caracteriza la editorial de cómics patria “Grafito Editorial” es por su clara apuesta por el arte secuencial de calidad, teniendo como leitmotiv su prioridad por la producción nacional -en su catálogo encontramos conocidos autores de la talla de Sergio Bleda o Nacho Fernández- Pero, en ocasiones no ha escatimado a la hora de traernos propuestas de empaque del panorama internacional. Ese es el caso de la obra a tratar hoy, “El Rey Araña”, un cómic tan curioso como atrayente que nos llega desde uno de los puntos más alejados de nuestro país del globo terráqueo, es decir, Australia. Escrito por el australiano Joss Vann y dibujado por el italiano Simone D’Armini, su cómic es el resultado de un exitoso “Crowdfunding” con el que los autores intentaban dar luz su proyecto lejos de los cauces editoriales habituales. Además, el trabajo de ambos autores viene precedido por ser el finalista y ganador del “Bronze Ledger” de 2017, el premio del certamen más importante y prestigioso que se otorga en el país que vio nacer a la banda de rock ACDC.

Lo que principalmente puede llamar nuestra atención una vez tenemos en nuestras manos este bonito tomo publicado por “Grafito” es -dejando a un lado su bonita portada/homenaje al importante ilustrador ruso Ivan Yákovlevich Bilibin- el curioso “Mashup” entre la épica vikinga y la “Scifi” de invasiones alienígenas más aterradora. “El Rey Araña” cuenta la historia de dos clanes del Norte en una lucha fratricida por el control del territorio. La muerte en combate del líder del clan Laxdalo, el Rey Hallvard, deja la responsabilidad de defender el Trono a su hijo Hrolf. Éste se verá obligado a continuar la lucha y a repeler los envites de su tío Aarek El Lobo, el usurpador y aspirante al poder. Cuando éste, en el fragor de la batalla, está cercano a la victoria -y la vida de su sobrino se encuentra prácticamente en sus manos en su cruento duelo final-, la contienda se ve interrumpida por una extraña lluvia de brillantes cuerpos celestes. Realmente, y para asombro de las gentes del año 956 D.C., de entre las nubes desciende la avanzadilla de una invasión alienígena. La raza invasora, los D’givani, se caracteriza por ser una suerte de forma de vida parasitaria que necesita de un huésped anfitrión. Su líder, Slarpax, acabará poseyendo el cuerpo de Aarek para poder desatar su sed de sangre y destrucción. A menos que alguien pueda oponerse a ello.

En el plano argumental, Joss Vann nos plantea una historia tan simple como intensa. Nada de lo que leamos es nuevo, pero la manera en la cual el autor es capaz de mover a sus personajes y desarrollar la trama, con ese giro extremo hacia el terror y la ciencia ficción incluido, es tan natural, tan orgánica, que hace que el relato posea un cierto aroma a “Pulp” totalmente desinhibido. Con dos leves pinceladas, el guionista hace capaz el buen desarrollo -y “Background”- de un conjunto de personajes que se caracterizan por sus estereotipados roles. En la rotundidad de su presentación, encontraremos al héroe a su pesar que confunde imprudencia con valentía, al viejo mentor sabio, a la princesa guerrera que se opone al papel que unilateralmente ha impuesto a la mujer o al malo-malísimo. Y es que el villano de la función es una de las bazas de la historia. Un ser perverso, sin contemplaciones ni piedad, cuyas ansias por destruirlo todo sólo pueden compararse a su carisma. Junto al resto de sujetos, protagonistas de un relato que avanza de forma directa -sin prisa, pero sin pausa-, ágil y sin estancarse en elementos superfluos ni puntos muertos. Una sencillez en la que se mezclan sin pudor alguno los géneros antes mencionados, todo ello salpicado de un cierto humor negro que no sólo hace que “El Rey Araña” sea entretenido sino también divertido.

El plano artístico puede llevar a engaño, ya que detrás de ese magnífico buen hacer del romano Simone D’Armini de aire tan -podemos decir- infantil encontramos imágenes de gran impacto visual debido a su contenido explícito y violento. Detrás de ese estilo cartoon y diseño algo feísta de personajes encontramos un dibujo altamente detallista -abigarrado y barroco en ocasiones- y un muy destacado uso de la narrativa visual que nada tiene que envidiar de los grandes del sector comiquero. Sus lápices pueden recordar a los de prestigiosos patrios como nuestros David Rubín o Max o, ya en plano más internacional, a los de Mike Mignola o Duncan Fegredo. A un servidor, las páginas en las que Slarpax abduce a Aarek El Lobo han recordado a ciertos pasajes-y esto es totalmente una apreciación personal- del trabajo de Richard Case para la  “La Patrulla Condenada” (Doom Patrol) de Grant Morrison -salvando las distancias, claro está-. Todo lo comentado, al unirlo a la impactante paleta de colores de Adrian Bloch, hace que parezca sumamente fácil esa creación de atmósferas tan logradas hacen de este cómic un producto sumamente especial muy cuidado y muy recomendable.

Por el contrario -y sin que sea algo negativo-, lo cierto es que -a pesar esa primera llamada de atención antes mencionada-, y si escarbamos un poco dentro de la ficción, el mezclar la tradición o la mitología nórdica con la ciencia ficción no es algo inédito. Y el cómic no es excepción. A la cabeza me vienen obras como la imprescindible “Thorgal” de Van Hamme y Rosinki -un cómic a caballo entre la fantasía heroica y la “Scifi” en el que se nos narran la vida y aventuras de Thorgal, un hombre de otro mundo que lucha por ser aceptado por aquellos que lo consideran un extranjero- o, dentro de la producción más “Mainstream” de la “Marvel Comics”, el trabajo de Stan Lee y Jack Kirby con “El Poderoso Thor” -mitología nórdica, “Ciencia Ficción” y “Superhéroes”-, “Dios del Trueno” de Asgard. Algo que hemos podido comprobar que incluso su versión cinematográfica ha adoptado en su última entrega “Thor: Ragnarok” (íd, Taika Waititi, 2017). Sin alejarnos del “Séptimo Arte”, similar propuesta podemos encontrarla en el olvidado, pero recomendable, Film “Outlander” (íd, Howard McCain, 2008) en el que se metían en la batidora películas como “Alien: El Octavo Pasajero” (Alien, Ridley Scott, 1979), “Depredador” (Predator, John McTiernan, 1987) o “Pathfinder, el guía del desfiladero” (Veiviseren, Nils Gaup, 1987) y se nos presentaban a dos seres venidos de otro mundo que convertían nuestro mundo, en la Noruega del año 709 D.C. y con sus atónitos vikingos convertidos en carne de cañón, en su particular campo de batalla. Una aventura de alto voltaje que pasó con más pena que gloria, pero cuyo visionado no puede ser más entretenido -a lo que añadir la presencia de los grandes John Hurt y Ron Perlman-.

En conclusión, “El Rey Araña” es una propuesta altamente recomendable para aquellos que tengan necesidad de leer algo sencillo, pero directo. Joss Vann y Simone D’Armini -sin olvidar la importancia del color de Adrian Bloch- nos ofrecen un producto muy entretenido, muy ágil y con un aspecto visual más que atractivo. Una lectura muy disfrutable la que nos trae “Grafito Editorial” en su afán por acercar al público -es decir, a nosotros- propuestas de calidad y alejadas de los estándares y tendencias más comerciales de nuestro mercado. Sin duda, un título a tener en cuenta. tener en cuenta.