Nueva WeirdSession a la vista: Batman de Tim Burton en el Rívoli!

El 29 de septiembre de 1989 se estrenó en nuestro páis la mejor película de Batman realizada hasta el momento (al menos en nuestra humilde opinión).  El 29 de septiembre de 2017 celebramos el correspondiente aniversario de su estreno con la #WeirdSession de BATMAN de Tim Burton!!!!

YoufeelmCinesrivoli y Weird Sci-Fi Show unen sus fuerzas para traer a la mejor sala de #Palma al Hombre Murciélago de Gotham City!!!

29 de septiembre a las 20:30h en Rívoli Aficine: Batman de Tim Burton!!!

PASE ÚNICO – VERSIÓN DOBLADA AL CASTELLANO

Puedes adquirir tu entrada en la web de los amigos de Youfeelm, es decir, en el siguiente enlace: https://goo.gl/d3P6aZ

Recuerda que con tu entrada de cine tienes 3 horas de parking gratuito para que dejes aparcado tu Batmóvil a buen recaudo. Parking de Comte Sallent. El ticket del parking se canjea en taquilla antes de la película.

Además tendremos una invitado muy especial. El dibujante de cómics Guillem March (Sirenas de Gotham, Batman, Monika) estará con nosotros el próximo 29 de septiembre en Rívoli Aficine… Hará un dibujo en directo para su posterior sorteo, así como nos cederá algún dibujo más para sortear antes de la proyección.

Y no sólo eso. Tú vente disfrazado a la #WeirdSession de #Batman que Gotham Comics, la tienda de cómics más chachi piruli de #PalmaDeMallorca, pone los premios. Concurso de disfraces con temática del Universo Batman. Ven caracterizado de tu héroe o villano favorito de Gotham City!

Os esperamos!

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Ferris Bueller, el Espectacular Hombre Araña (mi opinión de Spiderman: Homecoming)

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SPOILERS MÍNIMOS

Hemos tenido que esperar largo tiempo, pero finalmente nuestra paciencia ha sido recompensada: Spiderman comparte el mismo universo cinematográfico que Los Vengadores. El acuerdo de custodia compartida entre Sony y Marvel Studios ya nos puso los dientes largos con la aparición del trepamuros en Capitán América Civil War y el anuncio de película en solitario no se hizo esperar. A partir de hoy podemos ver en las salas comerciales de nuestro país el nuevo (y esperemos definitivo) intento de trasladar las aventuras del amistoso y vecino Hombre Araña a la gran pantalla. Hoy se estrena Spiderman: Homecoming.

La tarea de encarnar a Peter Parker recae en el jovencísimo Tom Holland (Lo Imposible). En este caso no hablamos que actores rondando la treintena haciéndose pasar por adolescentes o jóvenes universitarios, sino de un auténtico teenager haciendo de teenager. Si a los problemas de la adolescencia le sumamos los poderes arácnidos… Menuda edad el pavo más difícil, ¿no?

Es de agradecer que no nos vuelvan a contar de nuevo la misma historia, es decir, que no tengamos que ver como la araña pica a Peter o como muere su tío Ben dejando al joven héroe con el peso de sentirse responsable del fallecimiento de éste. La película nos mete de lleno en la vida de un inexperto Spiderman que intenta encontrar su lugar, ayudar a los demás y probar a Tony Stark que es merecedor de un puesto en el grupo de héroes más poderoso de la Tierra. ¿La Liga de la Justicia? No, los Vengadores.

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Como hemos señalado, el joven Peter es joven. Es un adolescente. Va al instituto, tiene un colega tan nerd como él, una vida social y pública que deja mucho que desear y una tía sobre protectora interpretada por la muy atractiva Marisa Tomei. El tono de la peli es el de comedia juvenil con un humor blanco muy efectivo, aunque a veces pueda resultar cargante. El target de la cinta está muy claro: la chavalada.

La vida de Parker discurre entre su vida académica y su vida como súper héroe. En la primera conoceremos a todo un plantel de secundarios que parecen sacados (al menos en lo formal) de cualquiera de los films ochenteros de John Hughes como El Club de los Cinco o Todo en un día. Jon Watts, el director, incluso clona una escena del film de Ferris Bueller (que además incluye en un televisor). En la segunda somos testigos de cómo Spidey tiene buenas intenciones, pero (cual Kick Ass, pero con menos mala leche) no siempre resuelve las situaciones sin poner en peligro al prójimo. Con la consiguiente desaprobación de su mentor, Tony Stark.

En cuanto al personaje en sí, si eres un purista que sigue las aventuras del arácnido desde el principio de los tiempos (o desde hace tiempo) aquí no vas a encontrar a tu héroe urbano de toda la vida sino a una nueva interpretación del mismo. Nuevo traje con nuevos gadgets e incluso una IA incorporada. En esencia sigue siendo Spiderman, pero adaptado a los nuevos tiempos (cosa que particularmente no me desagrada). Aquí no hay lugar para J.J. Jameson y el Daily Bugle. No veremos al trepamuros balancearse entre rascacielos. Ni siquiera nos mostrarán los típicos problemas de pasta que han caracterizado al personaje. Sin embargo, aunque nadie menciona el famoso mantra “todo gran poder conlleva una gran responsabilidad”, sí que nos encontramos ante un Peter Parker incapaz de dejar de lado ese sentimiento y capaz de sacrificar lo que quiere para detener los planes de los malvados.

Y si el protagonista es una nueva y renovada versión del personaje de toda la vida, el malo de la función no se queda atrás. Michael Keaton encarna a Adrian Toomes, más conocido por el fandom como el Buitre. A diferencia de los cómics, aquí es el dueño de una empresa dedicaba a la recogida y retirada de escombros (concretamente los producidos en la batalla de los Vengadores contra los Chitauri en Nueva York) que cesa su actividad cuando Control de Daños la releva a la fuerza de su actividad. Ahí es cuando Toomes, currito y emprendedor (y con un sentido de la responsabilidad muy marcado hacia sus trabajadores y familia) toma la decisión de “tomar prestada” la tecnología proveniente de la chatarra recogida por Control de Daños de las mil y una batallas de los Héroes más poderosos de la Tierra (los Vengadores, sí) para crear sus propias armas y cachivaches con los que inundar el mercado negro.

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El personaje del Buitre comienza de una forma encomiable. Sus razones y motivaciones son creíbles. De hecho, es fácil identificarse con él. Está claro que luego la avaricia le hace perder el norte.  Su puesta en escena es poco más que espectacular. Sin embargo, y pese al gran trabajo de Keaton, el personaje se va desinflando hasta convertirse en un remedo de Norman Osborn (a.k.a. el Duende Verde) con un punto de inflexión, en la segunda parte del film, que resulta incluso pueril a mi parecer. Personalmente me gusta que se rodee de versiones (algo más callejeras) de villanos de Spiderman como el Shocker, el Chapucero o el Escorpión.

Pero no temas si eres pureta porque hay pequeños destellos y situaciones que nos recordarán al Spidey más clásico como la escena en la que Peter, sepultado bajo toneladas de escombros, se encuentra a sí mismo y se da cuenta de que sólo él puede detener al Buitre. Por otro lado, si eres lector del personaje y lo vienes siguiendo regularmente notarás que se ha fusionado al personaje clásico con las versiones más modernas del trepamuros, es decir, con el Peter Parker adulto, millonario y dueño de su propia empresa de tecnología (Parker Industries) y con Miles Morales, el chavalín que sustituyó al Peter Parker del antiguo Universo Ultimate. Y de este último incluso se han traído a su colega nerd, aquí llamado Ned.

Algo a resaltar y que me parece positivo, después de todo el trabajo de cohesión del universo Marvel cinematográfico de estos últimos años (que, en ese sentido, me recuerda al de los cómics de las primeras décadas de la editorial), es la naturalidad con la que otros personajes de este mundillo de ficción puedan aparecer en pantalla. Me refiero, por un lado, a Happy Hogan (encargado de supervisar al chicho, aunque pase un poco de él) y, por el otro, de Tony Stark. Vistos los trailers daba la sensación que nos podríamos encontrar con otra entrega de Iron Man y no con una película del Hombre Araña, pero lo cierto es que las apariciones del Hombre de Hierro (con y sin armadura) están totalmente justificadas en la historia. Algo muy de agradecer.

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Como viene siendo habitual, la aparición del ya popular cameo de Stan Lee es marca registrada de la casa. Y si sois aficionados al cine de súper héroes de la Marvel, ya sabéis que hay dos escenas post-créditos. No te vayas de la sala antes de verlas.

En resumidas cuentas, nos encontramos ante una muy digna cinta de entretenimiento para que disfrutemos en la butaca del cine con nuestras palomitas y refresco. Mucha acción, mucho humor y un Spidey que ayuda a las ancianitas a cruzar la calle con los Ramones a toda mecha de fondo. ¿Es una película digna para un icono de la cultura pop como Spiderman? Ni idea. ¿Es un título trascendental dentro del Universo Marvel cinematográfico? Yo diría que no. Es un producto más en la línea de Ant-Man o el Doctor Extraño. Es probable que en el futuro el amigo Peter pueda desempeñar un papel más importante dentro del status quo marvelita, pero ahora mismo es un chavalín que se está descubriendo a sí mismo y desarrollándose como súper héroe sólo por el mero y divertido hecho de poder serlo. ¿Es mejor que las anteriores versiones? A mi no me lo parece, pero tampoco creo que haya que comparar. Tanto las películas de Raimi como las de Webb venían a adaptar al Spidey clásico. Personalmente me encanta la segunda entrega de Raimi y siempre he pensado que Tobey Maguire era un perfecto Peter Parker y que el trepamuros de Andrew Garfield se movía como el auténtico Spiderman. Tom Holland es un nuevo trepamuros que poco tiene que ver con los anteriores. Y además demuestra y transmite un grandísimo entusiasmo al interpretar al personaje que me enrolla mucho. ¿Tenemos ganas de más aventuras de este renovado Hombre Araña? Yo (y pese a que no es el trepamuros con el que crecí) tengo muchísimas.

Animaos e id a ver la peli. ¡Ya me contaréis!

Weird Shots: lista de cortos seleccionados

cartel-weirdshotsAnunciamos oficialmente la lista de cortos seleccionados para la Primera Edición de #WeirdShots, el certamen de cortometrajes de Weird Sci-Fi Show.

Primero de todo, queremos dar las gracias a todo aquel que nos ha enviado su cortometraje (casi unos 400 cortos hemos recibido) y que sepan que la selección ha sido dura. También queremos agradecer vuestra paciencia porque este certamen llega con una año de retraso debido a causas ajenas a nuestra voluntad. Muchas gracias de todo corazón.

Los cortos seleccionados que serán proyectados el próximo 2 de febrero en el Cine Rívoli de Palma de Mallorca son:

L’ENCENEDOR QUÀNTIC de PAU ESCRIBANO VALLS (España)

NADA S.A. de CAYE CASAS & ALBERT PINTÓ (España)

THEY WILL ALL DIE IN SPACE de JAVIER CHILLÓN (España)

ALCACHOFAS PIRAÑA DEL ABISMO PREHISTÓRICO de JAVIER LOZANO (España)

INTERIOR. FAMÍLIA. De GERARD QUINTO & DAVID TORRAS (España)

THALION LTD. de DIEGO ARJONA (España)

RESTART de OLGA OSORIO (España)

BENDITO MACHINE V – PULL THE TRIGGER de JOSSIE MALIS (España)

C.T.R.L de MARIANA CONDE (Reino Unido)

THE STOMACH de BEN STEINER (Reino Unido)

GOLCONDA  de MANUEL MARIA ALMEREYDA PERRONE (Francia)

ORIPEAUX de SONIA GERBEAUD & MATHIAS DE PANAFIEU (Francia)

FRANK ET STAN de BALMER FRED (Francia)

THE BLACK BEAR de MÉRYL FORTUNAT-ROSSI & XAVIER SERON (Bélgica/Francia)

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Dentro del Laberinto, la #WeirdSession

“Ojalá vinieran los goblins y se te llevaran ahora mismo!”

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Cuesta creer que el legado cinematográfico de Jim Henson, ahora convertido en objeto de culto, fuera en su momento un estrepitoso fracaso comercial y alejara al creador de los Teleñecos y Barrio Sésamo del mundillo del cine agotando también su delicada salud. Tanto Cristal Oscuro (1982) como Dentro del Laberinto (1986) son dos rara avis del panorama mainstream ochentero, pero que el formato doméstico y el siempre fiable dependiente del vídeo club las puso en su lugar y en el corazoncito de sus legiones de fans.

Dentro del Laberinto venía precedida por Cristal Oscuro, una peculiar cinta a la que el paso de los años le ha sentado de maravilla y que tiene una particularidad: todos los personajes son marionetas. Colaborando con Henson estaba su buen amigo Frank Oz (para más señas, la persona tras la voz y la “vida” del Maestro Yoda), quien para el nuevo proyecto se trajo consigo nada más y nada menos que al mismísimo George Lucas que haría las veces de asesor y productor ejecutivo (de “prestigio” me atrevería a añadir).

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Dentro del Laberinto pretendía dar un paso más respecto a Cristal Oscuro. Pese a que estaba pensada en un inicio a estar también interpretada por muppets, se quiso que éstos interactuaran con actores de verdad. Para ello contaron con una jovencísima y preciosa Jennifer Connelly (tras desechar a Helena Bohan Carter) y a una importante figura del pop/rock: el mismísimo Duque Blanco, el gran David Bowie.

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La idea de la película partía de una de las ilustraciones del artista conceptual Brian Froud, que también trabajara en Cristal Oscuro. Este dibujo mostraba a un niño, Toby Froud (hijo del ilustrador), rodeado de muchísimos duendes. La cosa no se quedó ahí, sino que Froud realizó un sin fin de diseños que ayudaron al ex-Monty Python Terry Jones a conformar el primer esbozo de guión de la nueva película. Un libreto que, por diversas razones, fue reescrito varias veces sobre todo por la incapacidad de los medios de la época para trasladarlo de forma coherente y digna a la pantalla.

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La historia de Dentro del Laberinto nos cuenta como Sarah, una pre-adolescente egoísta y  ensimismada con su propio mundo de fantasía, se embarca en la búsqueda de su pequeño hermanastro secuestrado por Jareth, el Rey de los Goblins. Lo que en un principio parece una historia de aventuras se acabará convirtiendo en una suerte de fábula con moraleja final: hacerse mayor implica tomar decisiones y cómo sobrevaloramos nuestras pertenencias materiales cuando lo verdaderamente importante es estar a gusto con nosotros mismos y con nuestros seres queridos. Para mostrárnoslo, Henson no esconde sus influencias. De hecho, en el cuarto de Sarah vemos ejemplares de El Mago de Oz, de Alicia en el País de las Maravillas e incluso uno de Donde Viven los Monstruos de Maurice Sendak, a quien Henson menciona en los agradecimientos finales.

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Acompañando a Sarah en su viaje encontraremos a personajes variopintos que con sus carencias y sus virtudes complementaran a la joven. El primer compañero será Hoggle. Huraño, perdedor y cobarde, pero con pequeños destellos de héroe refleja la influencia más clara de El Mago de Oz: Hoggle carece de valor y de auto-estima hasta que su encuentro con Sarah le enseña a valorarse y quererse a sí mismo. Dentro del disfraz de Hoggle había una chica de pequeña estatura y su máscara tenía hasta dieciocho motores que se controlaban por control remoto. Visto actualmente, más de uno se queda boquiabierto ante tal prodigio. Eco del guión original de Terry Jones es sin duda alguna Sir Didymus, un pequeño perro caballero andante, reflejo de la caballería clásica. Galante, refinado y valiente en exceso es incluso un insensato. Siempre acompañado por su fiel corcel Ambrosius. Y cerrando el grupo encontraríamos a Ludo, una especie de Chewbacca bestial pero dulce y tímido a la vez.

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Para interpretar a Jareth, el Rey de los Goblins se pensó en una estrella de la música pop/rock del momento aunque en un principio Jareth iba a ser una marioneta más. Se pensó en Sting y en Michael Jackson, pero finalmente el papel recaería en David Bowie. Un Bowie que está genial en su rol y que se entusiasmó e implicó tanto en el proyecto que, además de componer cinco temas para la banda sonora, incluso costeó dos de los vídeo clips promocionales de la película. Es probable que algunos recuerden sus tacones, sus mallas y su pelazo como una representación del aspecto más hortera de los ochenta, pero es sin duda su estética la que caló hondo en el personaje y siga treinta años después recordado y querido por los fans. Y si hablamos de las canciones, quién no se lanza a bailar en cuanto escucha el Magic Dance?

Hablamos de un film de 1986 y en aquel momento lo que ahora conocemos como CGI estaba dando sus primeros pasitos. Un año después del primer efecto realizado enteramente por ordenador, es decir, el caballero de la vidriera de (un también clásico incomprendido e infravalorado en su momento) El Secreto de la Pirámide (1985), veríamos en los títulos de crédito de Dentro del Laberinto una lechuza hecha por ordenador. El resto de los efectos de la peli son totalmente artesanales. De hecho, esta cinta es una de las cimas en lo que se refiere al uso de muppets, disfraces y animatrónica. Un ejemplo de ellos es una de las escenas más representativas del film: la escena del Magic Dance. Una escena pensada en inicio para veinte marionetistas (entre los cuales se encontraba Brian Henson, hijo de Jim Henson) y que acabaría con cincuenta profesionales realizando un verdadero prodigio visual. En muchos sentidos, es un producto muy cuidado y ese aire de cuento de hadas le confiere un toque de atemporalidad que la hace disfrutable 100% hoy día.

Es por ello que nos llena de orgullo poder incorporar este clásico título a nuestro ciclo de Weird Sessions. El próximo 29 de diciembre a las 20:30h podremos revivir las aventuras de Sarah, Hoggle, Didymus, Ludo y todos los goblins en el cine con más solera de Palma de Mallorca, es decir, en el Cine Rívoli. Volvemos a colaborar con la buena gente de Youfeelm para poder ofreceros otro gran clásico de esa mágica década de los Ochenta. Y esperamos llenar la sala como de costumbre para que el evento sea toda una fiesta. O no es así como se disfruta más de una película?

Dentro del Laberinto el próximo jueves 29 de diciembre a las 20:30h en el Cine Rívoli. Y por sólo cinco euros! Podéis adquirir vuestras localidades en la web de Youfeelm, es decir, aquí.

#WeirdSession de La Princesa Prometida a la vista!!!

brideNo estamos seguros de si se fueron alguna vez, pero los ochenta han vuelto y vienen para quedarse. La música, la moda o la televisión con productos como la magnífica serie Stranger Things (la sensación de este verano) certifican tal afirmación. Hace ya un tiempo que Nacho Cerdà y su Phenomena Experience (tanto con sus puntuales eventos en Madrid y Barcelona o con su maravilloso Templo del Séptimo Arte que se encuentra en la Ciudad Condal) resucitaron en nuestro país este revival ochentero con sus grandes pases dobles y triples de blockbusters que llenaron las estanterías de los videoclubes. En nuestra pequeña ciudad, Palma de Mallorca, y a un nivel mucho más humilde, los chicos de Weird Sci-Fi Show (esa comunidad de fans del cine fantástico, terror y serie b que mamaron en su infancia y adolescencia, es decir, nosotros) nos han ofrecido agradables veladas nostálgicas en el (también maravilloso) Cine Rívoli. Películas como Regreso al Futuro, la Cosa de John Carpeter, los Goonies o La Historia Interminable han pasado recientemente por la increíble (y recién renovada) Sala Uno de ese pedacito de nuestra historia local que es dicho cine.

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El próximo jueves 20 de octubre Weird Sci-Fi Show (en colaboración con la plataforma de cine bajo demanda Youfeelm) vuelve a la carga y nos trae al Rívoli una de esas cintas que forman parte de la memoria colectiva de todo aquel o aquella que creciera en la mágica década de los ochenta. Nos referimos a La Princesa Prometida de Rob Reiner (realizador de otros títulos enormes, interesantes y muy recomendables como la emotiva Cuenta Conmigo o Cuando Harry encontró a Sally).

princess-bride-prepare-to-die-poster-t-shirt-lFracaso de taquilla en su momento, el paso del tiempo y el formato doméstico han convertido la historia de amor entre Buttercup (la bellísima Robin Wright) y Westley (Cary Elwes) en una película de culto muy querida por sus fans. No en vano, frases como ese “me llamo Íñigo Montoya. Tú mataste a mi padre. Prepárate a morir” pronunciadas por (el ahora televisivo) Mandy Patinkin siguen provocando sonrisas, protagonizando memes o estampando camisetas.

Película que combina el cine de aventuras tradicional con la fantasía más enternecedora es una cinta ideal para el público de todas las edades. Amor, piratas y magníficos duelos de espadachines coreografiados por Bob Anderson, responsable también de los combates en El Señor de los Anillos y Star Wars. Banda sonora firmada por Mark Knopfler (su tema Storybook Love estuvo nominado en 1988 en la categoría de Mejor Canción Original en los Oscar). Un plantel de actores estupendo donde podemos encontrar, además de a los citados anteriormente, a Chris Sarandon, Peter Falk, Fred Savage, Billy Cristal o al (ya fallecido) famoso luchador de wrestling André, el gigante. Muchas razones hay para revisitar este clásico en pantalla grande.

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Solamente habrá un único pase. No dejéis escapar la oportunidad de disfrutar de esta gran historia en la renovada Sala Uno del Cine Rívoli con esas butacas de última generación, tan bonitas como cómodas, el próximo jueves 20 de octubre a las 20:30h. Las entradas están a disposición de todo aquel que esté interesado en la web de la plataforma Youfeelm por sólo CINCO EUROS

http://www.youfeelm.com/titulo/la-princesa-prometida-cines-rivoli-palma-mallorca

Recordad además que con vuestra entrada tenéis tres horas gratis de parking y que previamente a la proyección haremos el sorteo de varios premios!!!

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Charlas Palma 80’s Café: Gremlins (1984) de Joe Dante

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Cuando un servidor se para a pensar en Gremlins de Joe Dante la primera palabra que le viene a la cabeza es (¿cómo no?) nostalgia. Nostalgia por la fiesta que suponía ir al cine un sábado por la tarde acompañados mi hermano y yo por mi padre. La magia que nos envolvía en la sala sentados frente a una gran pantalla (posiblemente existían televisores de más 50 pulgadas, pero no los teníamos en el salón de casa) con una película de la que, con suerte, sabíamos poco.

Decir que Gremlins es un referente del cine comercial de los ochenta es quedarse corto a mi parecer. Gremlins es un icono, es cultura pop. Está tan enraizada en nuestra memoria colectiva que incluso actualmente se siguen haciendo promos o anuncios con estos bichejos (o su contrapartida benigna) como protagonistas.

14264802_1851499025071024_3136530773916413181_nAdemás de blockbuster de cabecera, la película del director de Piraña o Aullidos (tan buenas como recomendables, como siempre desde el punto de vista de aquel que suscribe estas palabras) es una de las cintas más representativas de la productora Amblin o, lo que es lo mismo, de la faceta como productor del Rey Midas del cine comercial: Steven Spielberg. Éste siempre acompañado por otras dos grandes figuras del showbiz como son Frank Marshall y Kathleen Kennedy.

Y por otro lado, Gremlins es una película inclasificable donde las haya, ¿cierto? ¿Es una comedia? ¿Es una película de aventuras? ¿Es un film de terror? ¿Es para niños? Es muy probable que el encanto que tiene la cinta se deba a ello y a su toque de atemporal fábula macabra, como aquellos cuentos tradicionales que nos llegaron con formas más suaves pero que en origen eran mucho más heavys.

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Pero como todo en este mundo, la entrañable y, a la vez, truculenta historia de cómo la pequeña localidad de Kingston Falls se ve asediada por el envite de una horda de pequeños y, por qué no decirlo, cabroncetes bichejos tiene un origen. Ahí se encuentra un tal Chris Columbus que para las fechas no era más que un aspirante muy lejos de la fama que alcanzaría posteriormente. Gremlins es un guión, un libreto de prueba cuya inspiración se encontraba en el ruidito que los roedores que cohabitaban con Columbus en su casa producían por las noches, que iba dejando de despacho en despacho hasta que éste lo encontró Spielberg buscando ideas para hacer un peli serie B con invasión extraterrestre incluida.

Aunque sus responsables lo desmentieran alguna vez, éstos Gremlins vienen de mucho más atrás. Al menos, hay otros Gremlins que aparecieron mucho antes que los de Dante y me refiero a aquellos que los pilotos de la Royal AirForce veían en las alas de sus cazas de combate durante la Guerra Mundial y a los que achacaban todos los fallos de sus aparatos. Algo así comenta el Sr. Futterman (ese inolvidable y carismático Dick Miller) en una de las escenas de la película, ¿no? El joven aviador y escritor llamado Roald Dahl (autor de, entre otras muchas y recomendables cosas, Matilda o Charlie y la fábrica de chocolate) recibió por aquel entonces el encargo de escribir un libro (para su posterior adaptación cinematográfica por parte de Disney) sobre estas criaturas. Proyecto que desestimó el estudio del ratón más famoso de la historia (con el permiso del Ratoncito Pérez) y que acabó en forma de cortos de animación de la Warner. Pero eso es otra historia para otro rato.

Lo que sí podemos añadir para acabar este inciso es que esta historia de criaturas de que sabotean aviones en pleno vuelo fue fuente de inspiración para Richard Matheson a la hora de escribir uno de los mejores episodios de la serie Twilight Zone de Rod Serling titulado Pesadilla a 20.000 pies dirigido por Richard Donner y protagonizado por William Shatner. Episodio del que se rodó una nueva versión en el homenaje que (también) Spielberg y John Landis realizaron en la primera mitad de los ochenta con esa película (ahora considerada como maldita) llamada aquí En los Límites de la Realidad (The Twilight Zone, the movie). Una película que recopilaba cuatro historias, tres adaptaciones de capítulos de la serie original más el inédito de Landis, y que cerraba la nueva versión de Pesadilla a 20.000 pies dirigida por George Miller (Mad Max) y protagonizada por un excelente John Lithgow. En ese proyecto también participó el que sería director de la peli que nos ocupa, Joe Dante, con It’s a Good Life. Segmento en el que vemos muchas de las características propias de este genial y particular director.

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Joe Dante, director formado y curtido en la factoría de Roger Corman. No sólo un técnico sino un auténtico cinéfilo, forma parte de esa generación de directores criados frente a un televisor en la década de los cincuenta. La caja tonta, fuente de toda la serie b del momento, de los cortos de animación de la Warner, de historias de alienígenas, de invasiones de insectos gigantes,… De todo aquello que nos enrolla y que al pequeño Joe también y que ha sabido reflejar perfectamente en toda su filmografía.

A Dante hoy le llamaríamos amigablemente “friki” porque en sus pelis podemos ver muchísimas referencias y guiños a toda esa cultura popular con la que creció y que ya hemos comentado. Como cinéfilo que es, vemos en muchas ocasiones a sus personajes disfrutando de la experiencia del cine ya sea en una tele o en una sala (de hecho, gran parte de su Matiné transcurre en un cine). Incluso alguna vez sus personajes o la trama rompen la cuarta pared y se interpelan miradas hacia el espectador, es decir, hacia nosotros. A pesar de ser muy versátil, encuentra en el fantástico un género que le va como un guante y plasma todo ese gusto que tiene por el cartoon, el humor negro y el slapstick. Pero si hay una constante en el cine de Dante, algo que podemos ver en todas y cada una de sus películas, es la participación de Dick Miller y, en menor medida, Robert Picardo. Dos de sus actores fetiche.

Aunque se dice que la primera opción para sentarse en la silla de director fue un jovencísimo Tim Burton, Spielberg pensó que el director (hasta el momento) del interesante corto Vincent estaba todavía muy verde y se decantó por Dante. De hecho, éste pensó que se trataba de una broma cuando le llegó el guión. No sólo eso, sino que se sintió en un apuro cuando tuvo que entrevistarse con el director de E.T. porque su primera peli era un exploit descarado de Tiburón. Spielberg no sólo le dijo que era fan de su Piraña y de su Aullidos (cartas de presentación del joven Dante) sino que eran magníficas películas.

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La pre-producción de Gremlins se alargó, lo que propició a Dante poder participar junto a su amigo John Landis en el proyecto de En los límites de la Realidad. Y lo que, en un principio, era una película serie B homenaje a todas aquellas películas de invasiones alienígenas de los años cincuenta se fue disparando de presupuesto. Razón por la cual se fue suavizando hasta convertirse en lo que todos vimos en cines. Cuanta más gente entre al cine a verla, más dinero se recuperará del proyecto, debió pensar ese joven Spielberg metido en la piel de un productor. Pese a la edulcoración del guión, la cinta lo pasó mal con la calificación para espectadores sacándose de la manga el director de Tiburón una nueva, la PG13, debido a que su Indiana Jones y el Templo Maldito adolecía de los mismo síntomas, es decir, era demasiado heavy para ser amable y demasiado amable para ser heavy. Ambas cintas inauguraron dicha calificación ese verano de 1984.

Pese a que la fama y el protagonismo se lo llevaron las criatura creadas por un grande de los efectos especiales llamado Chris Wallas, existe un casting. Un reparto del que hoy casi nadie se acuerda porque tanto los Mogwais como los Gremlins se lo comieron todo. Tampoco las carreras de Zach Galligan o Phoebe Cates pudieron levantar el vuelo muy lejos de estas criaturas. Lo cierto es que desde un principio se optó por un casting desconocido. Galligan interpretaría a Billy Peltzer, un joven responsable y anónimo de una pequeña comunidad americana (el típico “pringao”) cuya existencia la trastoca la irrupción de algo fantástico. ¿Cuántas veces hemos visto algo así en películas no sólo de la Amblin sino de la década de los ochenta? Dicen que se disputó el papel con Emilio Estévez y Judd Nelson, pero que la química que desprendía con su partenair, Phoebe Cates, hizo que tanto Spielberg como el estudio se decantaran por la elección de ambos. Aunque hay que decir que la elección de Cates (que por otro lado está adorable en todo el metraje) fue más polémica por la participación de ésta en comedias subidas de tono tipo Porky’s, famosas por esos inocentes e inocuos desnudos.

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Otra cara, más conocida, que podemos ver en Gremlins es la de Corey Feldman, el futuro Bocazas de los Goonies y todo un icono de los ochenta, en un pequeño y entrañable papel. Hoyt Axton como Randall Peltzer, inventor amateur cuyos inventos rara vez funcionaban bien. Sufriendo y testeando todo el catálogo de productos Peltzer tenemos a Frances Lee McCain como Lynn Peltzer que sólo un año después la volveríamos a ver como abuela de Marty McFly en Regreso al Futuro. Pero sin duda, siempre que pienso en Gremlins me acuerdo del Sr. Wing (no nombrado en toda la peli por su nombre) interpretado por Keye Luke (el Maestro del Pequeño Saltamontes más famoso de la tele y de su templo Shao Ling) y, por supuesto, del Sr. Futterman interpretado por el carismático Dick Miller y que convierte a su personaje en uno de los más queridos y divertidos de la peli.

Hemos mencionado antes a Chris Wallas (Humanoides del Abismo, En busca del Arca Perdida o La Mosca, por los cuales ganó un Óscar de la Academia) como responsable de los efectos especiales, del diseño de los Mogwais y Gremlins y responsable de que todos esos muppets y animatronics sean capaces de transmitir una sensación de realidad que no ha envejecido nada mal y que coloca a Gremlins como una de las cimas de los efectos artesanales (al menos en la opinión del que esto suscribe). Sin embargo, la idea primigenia de Spielberg era la de utilizar monos, monos tití, maquillados. Por supuesto, la práctica de la idea se fue al traste. A servidor le hace gracia que el Steven productor cayera (supongo que llevado por la idea de ahorro en el presupuesto de un proyecto que se disparaba de precio) en el mismo error en el que cayeron Zanuck y Brown cuando quisieron que el escualo protagonista de esa Obra Maestra llamada Tiburón (Jaws) fuera un tiburón amaestrado y no un tiburón mecánico.  El hombre es el único animal capaz de tropezar dos o tres veces con la misma piedra o incluso morir en el intento.

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¿Y qué decir de la música? Lo que fue una imposición en En los límites de la Realidad acabó siendo una de las más fructíferas relaciones profesionales y es que Jerry Goldsmith ha trabajado con Dante en muchos de sus filmes posteriores. Para la ocasión tiene un tema principal muy potente, su Gremlins Rag, pero también hay cabida para melodías más entrañables y emotivas como las que Gizmo tararea o el score final, por ejemplo.

Con motivo del treinta aniversario de la película, la revista Empire reunió a parte del equipo para una entrevista y otros medios plantaron su atención ante este clásico que cumplía una respetable edad. Tengo entendido que Columbus hizo una entrevista en la que hablaba de la nueva entrega/reboot/remake de Gremlins y se quejó de cómo su guión fue transformado. El guión original (que un servidor sepa) no ha salido nunca a la luz, pero sí una séptima reescritura del mismo que posee todavía esa mala leche y características de película de terror que tanto la Warner, Dante y Spielberg suavizaron para que la cinta llegara a más público que el aficionado al horror.

Uno de los cambios más significativos que sufrió el guión fue el de separar a Gizmo y a Stripe en dos personajes diferentes puesto que, en origen, eran el mismo. La idea era que el público se encariñara con Gizmo para que luego se transformara en Stripe traumatizando a más de un espectador. Se dice que Spielberg se negó en rotundo. Como también se negó a la muerte de este Gizmo/Stripe convirtiéndose en mariposa. ¿Qué narices debía tener, con todos mis respetos, Chris Columbus en la cabeza cuando pensó algo así? Otros cambios significativos tienen que ver con el tono y con la muerte de personajes. Por ejemplo, el Profesor Hanson (interpretado por Glynn Turman, a quien pudimos ver también en Super 8 de J. J. Abrams) moría con agujas clavadas en los ojos por el Gremlin al que pinchó antes para sacarle sangre. Los Futterman, a diferencia de la versión final, morían aplastados lentamente por la excavadora (esa Kentucky Harvester que nunca falla). Un grupo de Gremlins aparecería en un McDonnalds (aunque podemos ver un Burger King en la bucólica localidad de Kingston Falls) y se comerían a los clientes. Barney, el perro de Billy, también moría (¿pero Chris, no sabes que en las pelis de Spielberg los animales no mueren?). Y lo más fuerte está por llegar, Lynn Peltzer (esa aguerrida ama de casa que se cepilla a tres bichos en la cocina de su casa) moría decapitada y su cabeza se la lanzaban a Billy nada más llegar a casa. Estoy convencido que más de uno o una pagaría por ver una versión así.

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Otros cambios en la película los podemos ver en toda esa subtrama homenaje a la figura de Frank Capra que, aunque no aporta mucho a la historia, contribuye a hacer un poco más creíble el pueblo y sus gentes. A imagen y semejanza que en Qué bello es vivir (que aparece en un pequeño televisor de la cocina de los Peltzer), en Gremlins hay una pequeña historia de especulación inmobiliaria por parte del banco local y de la Sra. Deagle (que nos podría recordar al malvado Sr. Potter que tanto le hizo la vida imposible a George Bailey de la cinta de Capra). El nombre de Kingston Falls ya nos evoca al Bedford Falls de Capra. Tomaría un poco más protagonismo el personaje de Gerald, interpretado por otra cara conocida de los 80 como es Judge Reinhold (el detective Rosewood de la también famosa SúperDetective en Hollywood), que sería la voz de ese macabro relato que finalmente protagonizó Phoebe Cates acerca de lo peor que le pasó en su vida y que ocurrió en Navidad: la muerte de su padre. Por cierto, el estudio no quería esta escena pero Dante, con la ayuda de Spielberg, logró meterla en el montaje final. Otros homenajes un poco más rebuscados a Capra que podemos encontrar son la proyección de Hemo, the magnifient (1957) en el colegio o el retrato de Edward Arnold en la mesa de la Sra. Deagle.

Y si hablamos de homenajes y guiños, hay muchos más. Nada más empezar la película vemos el logo antiguo de la Warner que Dante pidió expresamente. Y cuando vemos por primera vez Kingston Falls hay un cartel enorme publicitando al programa de radio más popular del pueblo, el de Rock’n Ricky Rialto con la tipografía y caricaturizado como Indiana Jones. Otros easter eggs relacionados con el mundo Amblin son las referencias a E.T., un peluche y un “teléfono, mi casa” aparecen por ahí. Incluso Spielberg no pudo resistirse a hacer un cameo en la convención de inventores (aparece en una especie de bicicleta). Esa convención tiene miga porque también aparecen Jerry Goldsmith, Robbie el Robot de Planeta Prohibido y la máquina del tiempo de El tiempo en sus manos que, además, desaparece para el asombro de los allí presentes. Cameos como los de Chuck Jones y Kenneth Tobey y otras referencias mucho más directas como la película Indianapolis, La invasión de los ladrones de cuerpos (con las vainas abriéndose justo antes de ver lo mismo con los capullos donde los mogwais sufren su metamorfosis en gremlins), la inclusión del primer film de animación Blancanieves o esa motosierra amarilla con la que Stripe ataca a Billy.  Además, en el cuarto de Billy vemos cómics y pósters de películas y serie como (¿otra vez?) The Twilight Zone. Como curiosidad, aunque parezca un pueblo de verdad Kingston Falls es un set de los estudios Universal llamado CourtHouse Square donde se rodó el episodio piloto de la ya mencionada Twilight Zone y Regreso al Futuro, es decir, Kingston Falls es Hill Valley. Lamentablemente se quemó en 2008 y sólo queda el edificio del ayuntamiento.

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Es evidente que, si estamos escribiendo de la película más de treinta años después de su estreno, Gremlins fue todo un éxito de taquilla. No sólo eso sino que muchos de nosotros nos quedamos estupefactos con ella. ¿Quién no quiso tener a un Mogwai como mascota? De sus once millones de dólares de presupuesto se generaron unos ciento cincuenta millones llegando a ser la cuarta película más taquillera del 84. Un año muy prolífico en lo que a grandes pelis se refiere porque fue el año de Cazafantasmas (ambas se estrenaron el mismo fin de semana de junio de 1984), Súper Detective en Hollywood, Foot Loose, Karate Kid, Indiana Jones y el Templo Maldito, Terminator, La historia interminable,… Lo dicho, una buena cosecha.

El pasado viernes 16 de septiembre y dentro de nuestro ciclo de charlas nostálgicas de pelis en la cafetería más retro de Palma de Mallorca, Palma 80’s Café, dedicamos más de hora y media para charlar de esta cinta que todavía nos fascina. Como todas las charlas que venimos haciendo desde 2014 en el Ochentas, éstas son charlas de fan a fan. Dirigida y conducida por José Manuel Sarabia (creador, director y administrador de Weird Sci-Fi Show y autor de estas palabras), se comentaron detalles, curiosidades, anécdotas y escenas de la peli además del tradicional concurso de preguntas y sorteos de premios cedidos para la ocasión por El Món d’en Kaito Videojocs y Oyachu Creations. Os dejamos un video extracto de la charla:

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Os esperamos en próximas citas!!!

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Una #weirdsession para el recuerdo: “Los Goonies” en el cine Rívoli el pasado 22 de abril

Que nuestra última #weirdsession fue un suceso histórico (dentro de los cánones weird) nadie lo pone en duda. Más de 400 personas el 22 de Abril y más de 200 al día siguiente acudieron a revivir las aventuras de los niños de los muelles de Goon, el querido Sloth, el tesoro de Willy el Tuerto y esos adorables villanos que eran los Fratelli.

Trayendo de vuelta a “Los Goonies”

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Desde que la película se estrenara allá por 1985, la base de fans que creó y que la recuerda con cariño se mantiene prácticamente inalterable. Weird Sci Fi Show (grandes, enormes admiradores y fanáticos de la película) apostó por traerla a Palma de Mallorca y, en unión con Youfeelm (www.youfeelm.com) re-estrenaron “Los Goonies” en la sala de cine perfecta para este tipo de películas, no sólo por su ubicación en pleno centro de la ciudad, sino por su historia, su grandeza y su estilo clásico, como los cines de antaño: El Rívoli.

Disfrutando en familia

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Que hay un revival a nivel mundial del cine con el que crecimos no es ninguna novedad. Cada día nos llegan noticias de secuelas, precuelas, reboots, remakes… y “Los Goonies” no es la excepción, con el anuncio no hace mucho de la preparación de una segunda parte. También es cierto que se ha creado un negocio alrededor del reestreno de las cintas originales, habiendo varios exponentes en el mundo de cines que ofrecen películas “clásicas” y que tanto queremos, y teniendo en España el caso más famoso y más claro con los cines Phenomena.

13082743_10207969701272178_5880186722945089459_nPor todo ello lo más frecuente suele ser ver a los de nuestra generación (los de treintayalgos) llenando estas salas, y a priori sería lo que uno esperaría al ir a cualquiera de estas funciones. Nada mas lejos de la realidad. La #weirdsession de “Los Goonies” demostró ser un verdadero entretenimiento para toda la familia: asistió todo tipo de espectador, desde niños de tres años hasta niños de cuarentaylargos. Familias enteras disfrutando de una película mítica, atemporal y llena de magia, que, a pesar de lo que pueda parecer en los tiempos que corren, seguramente marcó a fuego a mas de un niño, tal como nos pasara a nosotros hace ya mas de treinta años. Un objetivo cumplido por parte de el colectivo Weird Sci Fi Show, demostrando una vez más que el buen cine nunca pasa de moda, y que es capaz de asombrar aún hoy.

Una experiencia que sólo puede ofrecer Weird Sci Fi Show

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Desde el colectivo apostamos siempre porque venir a una de nuestras #weirdsessions sea algo más que el “ir a ver una peli“.”Los Goonies” no fue la excepción, y una vez más sorteamos libros y entradas de cine13063178_1788943937993200_8624683101512306466_o (con nuestro querido tirador de dados Jaume Albertí Blázquez, jerifalte y mejor amigo de Gotham Comics), regalamos palomitas con la entrada, gracias a nuestro”Willy el Tuerto” particular Carpi obsequiamos a los espectadores folletos con un “Sloth” recortable para armar y  un completo mapa para l13041076_1788939471326980_6152648635282090225_olegar al tesoro pirata, y una vez más también, los chicos de El Mon den Kaito (Carrer Pere d’Alcántara Penya, 10) estuvieron con su stand repleto de merchandising para hacer las delicias de coleccionistas,
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y público en general. Lo dicho, venir a una de nuestras #weirdsessions es toda una experiencia que recomendamos a chicos y grandes por igual.

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Arrasando que es gerundio

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youfeelm-logo-color-rgb-color-bienLa verdad es que “Los Goonies” ya había sido objeto de algún reestreno en cines de la isla hace tiempo. Además la compra de entradas resultaba novedosa: por primera vez sólo podía ser adquirida a través del portal de Youfeelm en vez de lo lugares habituales como las taquillas del Rívoli, Gotham Comics y Mon Den Kaito. Se hizo por parte de Weird Sci Fi Show una fuerte campaña publicitaria en redes sociales “alertando” del camcartel kaitobio de sistema, y esperamos que la respuesta fuera positiva por parte del público… y superó nuestras expectativas. Cerca de 430 espectadores el viernes (haciéndonos apostar por un segundo pase al día siguiente que bordeó los 250), dándonos la pauta de que en Palma de Mallorca había ganas de “Goonies“, había ganas de compartir un rato en familia con una película entrañable, y que el movimiento Weird está mas vivo que nunca.

Por eso…

Queremos agradecer a tod@s los que hicieron que esta #weirdsession fuera un éxito. Llevó su trabajo organizarlo todo, pero créannos que valió muchísimo pero que muchísimo la pena. Nos alegra mucho que lo hayáis pasado bien, que hayáis disfrutado, esperamos veros para nuestra próxima #weirdsession, y una vez más…

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PD: No podemos olvidarnos de Alfonso, aquel hombre/héroe que se desdobló ese día para que tod@s pudiéramos disfrutar de la película con nuestras palomitas y coca-colas en la mano. ¡Va por tí Alfonso!

¡GRACIAS!

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Especial Indiana Jones: Hacia “En busca del Arca Perdida” o cómo se crea un mito (Segunda parte)

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1.

Ya desde el Génesis de nuestra historia (es decir, desde aquél histórico día en que un joven Steven Spielberg fue “a ver de qué iba aquello de las películas de estudiantes” al amplio salón del Royce Hall), nuestros héroes supieron -más o menos- de la existencia del otro. “Creo que es posible que le viera -dice George Lucas al referirse a aquél día de su amigo Steven – pero después había mucha gente por allí, así que si nos encontramos fue para saludarnos y ya está.”

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No sería hasta algún tiempo después, cuando ya se conocieron formalmente y charlaron almuerzo mediante. “Creo que Steven había visto publicidad en Variety anunciando THX [mi debut como director] -dice Lucas- y entonces se decidió a llamar a Francis [Cóppola]. Dijo que era un joven director que trabajaba en Universal, que acababa de hacer sus primeras series de televisión y que le encantaría reunirse con nosotros. Así que vino a Warner Bros. y almorzó con nosotros. Esa fue la primera vez que hablé con él. Era el director más joven de Universal, y yo el de Warner Bros., y admiraba a Francis, porque este encarnaba una gran historia de éxito. Pero yo ya estaba impresionado: tenía 22 años y ya dirigía series de televisión. Yo todavía no había dirigido nada, así que pensé: Oh dios mío, se me ha adelantado. Le consideraba un contemporáneo con un futuro brillante por delante“. Mientras sus carreras seguían adelante, en 1972 sus caminos volvieron a cruzarse. “Unos amigos suyos, Mathew Robbins y Hal Barwood, me presentaron a George -cuenta Spielberg –Me estaban escribiendo un guión, que luego resultaría ser mi primer película, Loca evasión“.

american_graffitiYo me encontraba haciendo el casting para American Graffiti, que me llevó unos cinco o seis meses -cuenta Lucas –así que cada semana bajaba de San Francisco a Los Ángeles y me quedaba en la casa de Matt Robbins en Benedict Canyon; como no tenía dinero, acababa durmiendo en su sofá. Resulta que Matt estaba trabajando con Steven e loca evasión, así que me los encontraba sentados a la mesa de la cocina comentando el guión, por lo que todos comíamos, charlábamos y pasábamos el rato juntos. Ahí fue donde empezamos a conocernos. Yo ya admiraba su trabajo, y ambos sentíamos un gran respeto mutuo“.

Éramos de la misma época -cuenta Spielberg –Éramos los mocosos cineastas que se juntaron hace mucho tiempo y decidieron hablar de lo difícil que era rodar películas. No dejábamos de quejarnos, y nos encantaba oír como el otro se quejaba“.

2.

jaws-behind-the-scenes-photos-1Los años fueron pasando, y ambos cinestas fueron cimentando sólidamente sus carreras. Para 1977 podía decirse que ya tenían un bagaje importante a cuestas, ya que mientras uno había reventado taquillas con Tiburón, el otro había hecho mas o menos lo mismo con American Graffiti y esperaba hacer lo mismo con Star Wars. En Mayo de ese año decidieron tomarse un descanso en el hotel Mauna Kea de Hawai, Lucas a la espera de los resultados de taquilla de su space ópera, y Spielberg del rodaje de Encuentros en la Tercera Fase y mientras se organizaba lo que sería la postproducción de dicha película. Al joven Lucas Star Wars le resultó un proceso sumamente agotador, al punto de poner en riesgo seriamente su salud. “Cuando acabó en Elstree, Gran Bretaña, vino directamente a Mobile, donde yo rodaba Encuentros…, y estaba muy deprimido -cuenta Spielberg –Trajo un montón de fotogramas del “sandcrawler” y los “jawas”, y yo me quedé asombrado, pero George estaba realmente deprimido y disgustado“.

De hecho, Lucas estaba decidido a dejar de dirigir cine y retirarse definitivamente.

3.

'Star Wars' behind the scenes (14)Una noche, durante la cena, cuando George se enteró que Star Wars era todo un éxito, de repente volvió a reír y me dijo que quería hacer una serie de películas sobre saqueadores -cuenta Spielberg –Así que le pregunté de que se trataba, y él me explicó que la primera se titulaba En busca del Arca perdida. Aún no tenía título para las otras dos, pero todas las películas se llamarían En busca de tal o de cual“.

La conversación continuó al día siguiente. “Estábamos en la playa del Hotel Mauna Kea haciendo castillos de arena tras enterarnos de que todas las entradas para la sesión de las 9.30 de todo el país estaban agotadas -dice Spielberg –así que nos pusimos a hablar sobre otras películas, ideas y posibilidades, y George me preguntó que quería hacer a continuación, a lo que respondí: ¿Sabes?, siempre he querido dirigir una de Bond con Sean Connery“.

Fantaseamos sobre las películas que siempre habíamos querido hacerGeorge tenía planeado rodar nueve filmes de Star Wars y me explicó algunos de los argumentosasí que le conté que siempre había querido rodar una de James Bond, pero mas parecida a Doctor No que a las posteriores y mas tecnológicas“.

George dijo que tenía algo que me gustaría tanto como Bond, y mietras seguíamos con el castillo de arena me contó todo el argumento de En busca del Arca perdida“.

how-steven-spielberg-made-millions-off-star-wars-after-a-1977-bet-with-george-lucasGeorge dijo: Mira, es una película de serie B. Me explicó que […] era parte de una saga que narraba las hazañas de un aventurero/arqueólogo no muy diferente de los seriales de la década de los cincuenta. Dijo que la ambientaríamos en los años treinta, pero que la actualizaríamos para modernizarla, y que aún así siguiera siendo antigua. Era genial“.

Steven me dijo que le encantaría hacerlo -dice Lucas –Y así fue como empezó todo“.

George dijo que se había retirado de la dirección, por lo que el proyecto era todo mío -cuenta Spielberg –Ese día nos dimos un apretón de manos y comenzamos a desarrollar En busca del Arca perdida“.

4.

MBDILOV EC005Tras acabar sus vacaciones, Spielberg regresó a terminar Encuentros en la tercera fase mientras Lucas hacía lo propio con la secuela de Star Wars, El imperio contraataca. Pasado un tiempo, se hizo necesario un escritor que convirtiera las ideas argumentales de En busca del Arca perdida en un guión completo. “Descubrí a Lawrence Kasdan cuando leí un guión suyo, Continental Divide, que hice que Universal me comprara -dice Spielberg –Entonces le presenté a George, proponiéndole que Kasdan fuese el guionista de En busca del Arca perdida“. Lo que les atrajo del joven guionista fue su capacidad para elaborar guiones canalizando una cierta sensibilidad de los años treinta y cuarenta, muy al estilo de Howard Hawks. Al mismo tiempo Spielberg se puso a la búsqueda de un productor, proponiendo a Lucas a Frank Marshall, quien había trabajado como productor asociado a las órdenes de Peter Bogdanovich.

Tras una primera reunión de presentación quedaron satisfechos los unos con los otros y el paso siguiente fue comenzar a esbozar la historia de la película. En busca del Arca perdida comenzaba a tomar forma.

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Kasdan, Lucas y Spìelberg se reunieron para poner conceptos en común durante la última semana de enero de 1978. “George, Steven y yo nos reunimos en una pequeña casa durante una semana -dice Kasdan –y grabamos todas las conversaciones, aunque George ya tenía los elementos iniciales“.

A Spielberg se le ocurrieron varias ideas, incluyendo una piedra rodante, la fobia a las serpientes y las trampas de la secuencia inicial. Como era de esperarse, el trío concibió muchas mas ideas de las que podían incluir en una sola película. Tras las intensas sesiones, Kasdan se dispuso a perfilar la historia, los nombres y las situaciones para un primer borrador de guión.

En una anécdota ahora muy conocida, cuando Kasdan entregó en mano su primer manuscrito, Lucas le hizo una oferta para que escribiera el tercer borrador de El imperio contraataca. Por desgracia, Brackett (el guionista original) había muerto de cáncer después de terminar su primer borrador, por lo que Lucas había escrito el segundo, y pensaba que necesitaba que lo pulieran aún más. Kasdan, inseguro, replicó que mejor leyese el guión de En busca del Arca perdida entes de confirmarle la oferta. lucas así lo hizo y quedó encantado. Sin embargo Spielberg tuvo una reacción muy distinta. “Lo leí y me puse a llorar. Me pareció demasiado trabajo“.

Como todo guión que no era definitivo, tenía demasiados elementos en su historia que podían fácilmente ser recortados. Indiana estaba acompañado de dos arqueólogos más, Sallah tenía un hijo llamado Abu, había demasiados escenarios y las persecuciones eran complejas y caras…

Mientras tanto Lucas iba encargándose de los aspectos legales de la película, y creó una subsidiaria de Lucas Film llamada The Raiders of the Lost Ark Company. “Me encontré implicándome mucho más en temas de negocios -dice Lucas – El gran salto fue decidirme a crear una empresa para tener la libertad que deseaba. Lo único que diferencia a Lucasfilm es que las empresas hacen películas para ganar dinero, en cambio la nuestra busca dinero para hacer películas“.

De hecho, tras los megahits American Graffiti, Star Wars, Tiburón y Encuentros en la Tercera Fase, Spielberg y Lucas se encontraban en disposición de lograr un acuerdo nunca antes alcanzado en la industria.

Enviaron el guión (que ya había alcanzado el borrador final) a varios estudios, incluyendo Paramount y Warner. “Acudimos con nuestra oferta a todas partes, y casi todo el mundo la rechazó porque las condiciones eran muy duras -cuenta Lucas –Dijimos que el presupuesto era de unos X millones, y ellos replicaron que con Spielberg eso sería imposible“.

Le dije que si quería hacerla por 17 millones de dólares -cuenta Spielberg –le daría una película de 17 millones, y que si quería una de 20, le daría una de 20“.

Los temores de los estudios no eran infundados: 1941, su última película, se había pasado exageradamente de tiempo y presupuesto.

Uno de los estudios nos dijo que la aceptarían sin Steven, a lo que yo me negué –continúa Lucas –Él sería el director, y rodaría la película sin retrasarse ni pasarse del presupuesto. En el fondo, yo creía que Steven podía hacerlo, sabía que era capaz de ello; ya lo había hecho en televisión“.

6.

ff-27-pg-50Entre tanto, y como ya había hecho con Ralph McQuarrie para Star Wars, Lucas buscó a un dibujante para que le diera un look visual a la película. El elegido fue Jim Steranko, quien, ateniéndose a las indicaciones de Lucas, entregó cuatro ilustraciones conceptuales en agosto de 1979.

En la nota que entregaba adjunta, Steranko escribía: “Me he hecho a la idea de que el héroe es una especie de mezcla entre Doc Savage y Bogart en la aventura pulp definitiva. Acabaré diciendo que me alegro mucho de trabajar contigo en este proyecto, y que espero que pueda contribuir, aunque solo sea un poco, a su resultado final“.

7.

raiders2Tras meses de duras negociaciones, (y en el que la major con la que estaban las negociaciones mas avanzadas, Warner Bros., se terminó cayendo) finalmente fue Paramount quien se llevó el gato al agua.

Warner exclamó que iban a destruir la industria del cine porque nos daban todo lo que pedíamos” cuenta Lucas.

Tras formalizar una distribución de ingresos en un 60 – 40 una vez que Paramount recuperara su inversión, para pasar a un 50 – 50 una vez pasados los 35 millones de recaudación, llegaron las firmas de contrato de Spielberg y el resto del equipo.

En busca del Arca Perdida ya era una realidad.

En una próxima entrada empezaremos con el casting y el rodaje. ¡Gracias por leernos weird@s y esperamos que os haya gustado!

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Una charla memorable: “Aliens el regreso” en Palma 80´s

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El viernes pasado 1 de Abril, asistimos a una charla muy especial por partida doble: la primera, celebrar el treinta aniversario de una de nuestras películas de cabecera, repleta de acción y tensión a partes iguales como es “Aliens el Regreso“. La segunda es que retomábamos el universo de los “xenomorfos” dos años después de haber abordado con gran éxito “Alien“, la inolvidable obra maestra de Ridley Scott.

Una charla que dio que hablar

12795239_1763099783910949_9111146076483050152_oEn un ambiente distendido (y donde además se come muy pero que muy bien) José Manuel Sarabia, Nico Falanti y Juanan “Classicman” entretuvieron a los asistentes con montones de anécdotas y curiosidades de la película. Con un hilo conductor forjado por José Manuel, repletamente aderezado por las jugosas anécdotas y curiosidades de Nico (muchas de ellas completamente desconocidas) y el dato concreto y certero de Juanan (que muchas veces nos dejaba pensando) las dos horas y algo que duró el espectáculo se pasaron volando. Una delicia para “frikis” y no tan “frikis”, y sobre todo para el público en general.

¿Y los premios?

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Un clásico que instauró Weird Sci Fi Show (y que ha sido copiado e imitado hasta la saciedad por estos lares) en los eventos que organiza en la isla ha sido siempre el de 12888679_1780522288835365_9069742035105604928_oentregar premios con el que “agasajar” a los asistentes. Las “charlas del Palma 80´s” no son la excepción, y, como es habitual, se hizo el tradicional concurso de pregun12890863_1780522092168718_3485767428336659417_otas y respuestas con una novedad: ahora fueron intercaladas entre la charla, haciendo mas interactivo y divertido el encuentro, que no es otra cosa -al menos eso pretendemos- que una reunión informal de amigos.
Quien acertaba se llevaba un punto, y quien mas puntos acumuló se llevó uno de los premios que ya son marca de la casa. Un verdadero disfrute para el fan.

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Con Paco Amat Estades, un fan e infaltable de nuestras charlas.

¿Y la próxima charla? ¿Cuándo?

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El 13 de Mayo llega una nueva charla. Esta vez toca hablar de una productora mítica, que nos forjó en cultura cinéfila (a pesar de que de eso tenía muy poco) y que nos hizo asiduos a los videoclubes y a los héroes de acción badass como Chuck Norris o Michael Dudikoff (y sin olvidarnos del He Man de Dolph Lundgren o los ninjas de colores). Hablamos, cómo no, de la Cannon, y de como logró llegar a lo mas alto… de nuestros corazones.12901071_1781435565410704_1907979601926231408_o

Como en estas últimas veladas, José Sarabia, Nico Falanti y Juanan “Classicman” darán un profundo repaso a la productora, a sus películas mas míticas, a sus héroes de acción y a los dos hombre-genios (¡) que estuvieron detrás de todo eso: Menahem Golan y Yoram Globus.

Anécdotas, curiosidades, secretos, detrás de cámara… premios y sobre todo, muy buen rollo.

Viernes 13 de Mayo, 22 Horas en Palma 80s Café (C/ Femeníes 2, frente Plaza Madrid). Reservas: 871 95 12 92.

¡Os esperamos!

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Especial Indiana Jones: Hacia “En busca del Arca Perdida” o cómo se crea un mito (Primera parte)

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“Cuando era niño, me encantaba ir a las sesiones de las tardes de sábado del cine local: Buck Rogers, Flash Gordon, Don Winslow de la Marina, Tim Tyler´s Luck, el Zorro y tantos otros que tenían mucha acción y escenas de suspense. En el mejor de los casos, la calidad de producción era mínima pero, ¿a quién le importa eso cuando tienes ocho años?

Años después, conseguí convencer a la Twentieth Century-Fox de que me dejara probar suerte con una recreación de esos seriales en forma de fantasía espacial épica. Mientras me encontraba escribiendo el primer borrador de lo que luego se convertiría en Star Wars, volví a ver muchos de esos cortos de los años treinta y cuarenta; en unos cuantos de ellos, el héroe intentaba localizar un ídolo perdido o una tumba escondida. Entonces me di cuenta de que también podría funcionar otro tipo de personaje: un intrépido arqueólogo/aventurero/profesor/playboy/saqueador de tumbas, un experto en ocultismo equipado con un látigo y una pistola, y apunté un nombre que pensé que era bastante bueno: Indiana Smith.”

George Lucas, Diciembre de 2007.

1.

“Conocí a George Lucas entre bastidores en Royce Hall, en UCLA -cuenta Steven Spielberg- Allí fue donde se estrenó su cortometraje THX 1138 4EB en un festival cinematográfico universitario. En aquella época, yo estudiaba en la Universidad Estatal de California, que no tenía un departamento de cine, por lo que no podía presentar ningún filme; sólo era un miembro de la concurrencia que quería ver de qué iba aquello de las películas de estudiantes.”

La realidad es que, ese día, el auditorio al completo quedó inmóvil, paralizado ante el cortometraje que acababan de pasar en pantalla.

No podía creer que hubiera sido hecha por un estudiante -continúa Spielberg- Pensé que un genio de Hollywood había colado algo y que debería ser descalificado por su pura profesionalidad“.

Lo cierto es que todo el mundo pensó mas o menos lo mismo. THX 1138 4EB fue galardonado con el primer premio, además de otorgarle dos menciones honoríficas en otras categorías. Esto supuso un boom en la mente de Spielberg, quien venía rodando desde pequeño largometrajes amateurs en 8 mm. Y lo cierto es que THX… supuso un salto para ambos, tanto para Lucas como para Spielberg… que aún no se conocían.

2.

zeotropAquel día, además de ellos dos, había muchos otros futuros profesionales de la industria del cine mirando cortos: John Milius, Hal Barwood,  Willard Huyck y otros más. De entre ellos destacaba un joven Francis Ford Coppola, auténtico niño prodigio de Hollywood que a pesar de su corta edad había logrado colarse en la primera línea profesional de la meca del cine, una hazaña sin precedentes. Y como alguien que ve “el monstruo por dentro“, rápidamente se había desencantado de aquello y buscaba hacer algo por fuera de los estudios, que fuese mas independiente y sin ataduras. Ni corto ni perezoso vio en aquella pequeña primera obra de Lucas potencial, y contactó con el  joven realizador para sumarlo a un proyecto que llevaba rondando su cabeza desde hacía tiempo: una productor920x1240a que acabaría llamándose American Zoetrope, con el que Lucas daría sus primeros pasos en el mundo profesional.

“Pensamos frívolamente: Tenemos cámaras y tenemos ideas. ¿Para qué necesitamos a Hollywood?”

Sin embargo no fue un camino de rosas, mas bien al contrario: La productora no tenía viabilidad económica, por lo que Coppola se vio obligado a firmar un acuerdo de colaboración con la compañía con la que venía trabajando, Warner Bros., en la que ésta se comprometía a financiar siete películas propuestas por la American, a costa de mantener sus derechos para sí mismo.

Era un contrato leonino, pero que a los jóvenes realizadores les permitía hacer aquello que mas les gustaba: crear historias.

3.

BTSthxlucasduvallbigTras barajarse algunos primeros guiones (incluyendo uno que nadie quería llamado Apocalipsis Now), volvieron al potencial de aquel cortometraje que lo empezó todo, abreviado ahora a THX 1138, para ser la primera película íntegramente hecha por la productora, bajo las órdenes de George Lucas.

Mientras tanto, Steven Spielberg seguía un camino diametralmente opuesto. Con THX… rondándole la cabeza, se embarcó en la realización de un corfotos-de-steven-spielberg-3tometraje al que llamó Amblin, y que le sirvió para que Warner Brothers -una vez más- se fijara en él y le ofreciese un contrato de siete años para encargarse del Departamento de Televisión de Universal Studios.

A estas alturas, ambos ya sabían de la existencia del otro. “[George Lucas] por aquella época me tenía un poco atemorizado -cuenta Spielberg- Era una especie de inconformista del norte de California, un director independiente que siempre se había enorgullecido de tener poco lazos con Hollywood, y yo era básicamente un niño in vitro, incubado en Universal Studios, educado dentro del sistema y que estaba muy orgulloso de ello. Creo que esa diferencia acabaría atrayéndonos mutuamente.

THX 1138 fue estrenada en marzo de 1971, poco después de que el primer telefilme de Spielberg, “L.A. 2017“, un episodio de The Name of The Game fuera emitido por la NBC ese mismo año. Y aunque a Spielberg esta primera obra le abrió muchas puertas, a Lucas le sucedió justo al contrario.

descarga“He de confesar que ninguno de los que estábamos allí sabía que hacer con THX -cuenta Lucas- Nadie supo cómo distribuirla y todos pensamos que iba a ser un fracaso. No había costado mucho pero sería un fracaso igualmente. Aunque era intelectualmente ambiciosa y técnicamente maravillosa era inaccesible para nuestra gente.

Al realizador no le faltaba razón. Tras un primer visionado por parte de los ejecutivos que les horrorizó, obligaron a hacer muchos cambios en la película, eliminando diálogos y alterando secuencias, causando el primer gran disgusto de Lucas con la Industria. Para colmo de males, en su estreno la cinta fue prácticamente ignorada, lo que supuso el fin del acuerdo entre American Zoetrope y la Warner Brothers, con sólo una película realizada.

No fue el fin de Zoetrope, porque sigue funcionando hoy en día -cuenta Lucas- Pero sí fue el fin de una etapa. Creímos que podríamos haber sido una alternativa a Hollywood, y aquel sueño acabó estrellándose contra las rocas“.

La gran salvación -económica- para la American fue el ofrecimiento por parte de Paramount de la adaptación de una novela que estaba siendo furor en ventas por aquella época, llamada El Padrino. Aunque Coppola en un primer momento quiso delegar la dirección en alguien más, finalmente se encargó él mismo de realizar una película que haría historia y que supondría la salvación de la productora.Marlon Brando In 'The Godfather'

Con aquello nuevamente en marcha, una tarde Coppola y Lucas se reunieron para charlar.

Si quieres seguir haciendo películas -le dijo Coppola a Lucas medio en broma medio en serio- olvídate de cosas extrañas, haz algo mas convencional y por Dios, ¡nada de robots!

De allí nacería se segunda película como realizador, American Graffiti, que supondría el debut como actor de, entre otros, un tal Harrison Ford.

4.

american-graffiti-poster-artwork-ron-howard-cindy-williams-richard-dreyfussFilmada en menos de un mes y con un presupuesto de algo menos de un millón de dólares, American Graffiti pasó rápidamente a ser una de las películas más taquilleras de todos los tiempos, superando los cien millones de dólares de recaudación sólo en Estados Unidos.

A pesar del éxito de público y crítica -que se saldaría con cinco nominaciones a los premios Óscar de 1974- la película supuso el segundo gran disgusto de Lucas con Hollywood, ya que fue alterada por Universal para su estreno en cines.

Y a Lucas aún le quedaba un disgusto mayor, el económico, ya que, a pesar del éxito de la película, se encontraba en serias dificultades para sobrevivir. Gracias a un acuerdo previo con United Artists para escribir un guión de ciencia ficción, comenzó a redactar un boceto de una space ópera clásica que combinaba mitología, antropología, cultura pop y velocidad llamada The Star Wars.

[Sin embargo], siempre que me siento delante del escritorio durante ocho horas al día, no puedo evitar pensar en otras cosas en vez de las que se supone que debería estar pensando -dice Lucas- Hacia abril o mayo de 1973, empecé a ojear series. Una que me gustaba mucho aparte de Flash Gordon era Don Winslow de la Marina [y sobre todo] Tim Tyler´s Luck, porque el Tim-Tylers-Luck-serial-images-8cf62a0b-2ed4-4771-9f12-e73fc2761aeprotagonista siempre estaba en busca del cementerio de elefantes perdido o del ojo dorado de algún ídolo. Pensé: ¿Y si haces que parezca realista? Estaba interesado en actualizar el género, en darle sentido, pero aún así debía seguir siendo divertido y estar lleno de aventura, igual que estaba intentando hacer con Star Wars.

Usando a su gran perro malamute como inspiración (una vez más, porque ya había servido como fuente para ser Chewbacca), Lucas tomó prestado su nombre, Indiana, para llamar a su futuro héroe de acción.

A finales de 1974, Lucas se tomó un descanso de Star Wars para dedicárselo a su personaje recientemente creado, Indiana Smith. Llamó a un guionista amigo suyo que estaba desempleado en aquel momento, Philip Kaufman, y juntos fueron forjando los elementos clave de su historia.

En aquel momento consistía en Indiana Smith yendo tras algún artefacto sobrenatural -cuenta Lucas- Sabía que la acción estaba ambientada en los años treinta y que había nazis incluidos, 20160325_193722porque sabía que también ellos habían buscado este tipo de objetos. Fue entonces cuando Phil me habló del Arca de la Alianza.

Había un viejo dentista en Chicago al que yo iba que estaba obsesionado con el Arca Perdida -cuenta Kaufman- y estuvimos trabajando [con Lucas] en el proyecto unas dos semanas. Pero yo no tenía un centavo, y entonces me hicieron una oferta para que me encargara

raiders-of-the-lost-ark-(1981)-large-picture (1)del guión de El fuera de la Ley (1976). Necesitaba el trabajo, así que me fuí.

Kaufman se marchó. Sin embargo la futura película ya tenía título: En busca del Arca perdida.

5.

Mientras tanto, Spielberg cimentaba su fama de buen narrador audiovisual. Para esta época ya había rodado episodios de series como Marcus Welby, M.D. o Columbo, pero no fue hasta el verdadero ejercicio de estilo que fue El Diablo sobre Ruedas que su carrera no despegó del todo.

Destinadduelpos4a originalmente como telefilme de la semana, el éxito del pase de TV llevó a ver su potencial para una exhibición en cines. Dándole mas presupuesto para rodar secuencias adicionales, su duración se amplió de los 71 minutos iniciales a los 90, estrenándose con gran -y sorpresivo- éxito en salas de todo el mundo, llevando al joven realizador a debutar formalmente en la gran pantalla con Sugarland Express (Loca evasión), convirtiéndose en un éxito de crítica y público y dando la confianza necesaria a la Universal para ofrecerle la dirección de una película llamada Tiburón.

Tras un rodaje verdaderamente accidentado y repleto de problemas, Tiburón se convirtió en un éxito sjaws-spielbergin precedentes y el primer blockbuster de la historia, salvando al realizador de una “muerte artística segura”.

Pensé que mi carrera como cineasta había acabado -cuenta Spielberg- Oí rumores de que nadie mas me volvería a contratar porque nunca nadie había rodado una película durante mas de 100 días“.

Por suerte eso no sucedió, y, con varias ofertas sobre la mesa, se decidió por una apuesta personal y que llevaba  años rondando por su cabeza: Encuentros en la Tercera Fase, que arrasó y convirtió al joven realizador en el nuevo “Rey Midas de Hollywood“.

Mientras, Lucas había logrado, tras muchos intentos, vender su idea de The Star Wars a Twentieth Century-Fox, que, pese a no estar muy convencidos de la historia, llegaron a un acuerdo.

ZZ7A8374CFDecidí invertir en la persona y no en la película“, diría años después Alan Ladd Jr., por aquel entonces Jefe de Asuntos Creativos de la Compañía.

Y su instinto le dió la razón. Película mas taquillera de todos los tiempos, auténtico referente cultural por antonomasia… ríos de tinta se han escrito ya sobre esta obra maesta de la Ciencia Ficción y la Cultura pop.

En este momento de sus vidas es cuando se cruzan ya de manera oficial Steven Spielberg, George Lucas y un castillo de arena… pero eso ya será tema de nuestra próxima entrada. ¡Hasta la próxima weird@s!

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